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出版者:上海人民美术

作者:王正棠编著

出品人:

页数:173

译者:

出版时间:1997-4

价格:22.80元

装帧:

isbn号码:9787532217472

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翰墨遗香：中国书法艺术的千年探寻 一部跨越历史长河，深入探索中国书法精髓的权威著作 本书并非局限于某一朝代或某一家流派的技法指导，而是一部旨在全面梳理、深度剖析中国书法艺术发展脉络、审美意趣与哲学内涵的恢弘巨著。它以时间为轴，以风格流变为纲，带领读者进行一场穿越千年的翰墨朝圣之旅。 第一编：源起与奠基——文字的图画性与神韵的初现（先秦至汉魏） 本篇聚焦于中国文字符号的肇始及其在艺术化过程中的关键转折点。 第一章：甲骨与金文的神秘开端 详细考证殷商甲骨文的契刻特征，探讨其卜辞文化背景下的古朴雄强之美。紧接着，深入解析周代金文（钟鼎文）的庄重典雅，特别是毛公鼎、散氏盘等重器的铭文结构与笔法风格，阐明礼制文化对早期书风的塑造作用。本章亦将涉及秦代小篆的规范化进程，分析李斯推行“书同文”对后世书法标准化的深远影响。 第二章：隶变的革命与成熟 着重分析隶书在秦汉之际的诞生与演变。从古朴的汉代隶书（如《乙瑛碑》《曹全碑》）中，探究其蚕头燕尾、一波三折的造型美学。通过对比不同地域、不同时期的隶书碑刻，展现隶书如何完成了从实用性文字到高度成熟艺术形式的质变，奠定了后世楷书的结构基础。本章还将讨论汉碑中蕴含的苍劲、古拙的“汉意”。 第三章：草书的浪漫与狂放 追溯章草的形成，阐述其由隶书简化而来的草写特性。重点剖析汉末至魏晋时期，以张芝、钟繇为代表的今草的萌芽与发展。探讨行草书在这一阶段如何成为士人抒发胸臆、追求自然天性的重要载体，为后世的“二王”一脉蓄积了雄厚的能量。 第二编：风骨与法度——“二王”的时代及其影响（魏晋南北朝至隋唐） 本篇是书法史上的黄金时代，是法度确立和风格高峰的集中体现。 第四章：王羲之与王献之的艺术范式 深入解析“书圣”王羲之的艺术成就，剖析其如何集前人之大成，创造出“尽善尽美”的楷书、行书与草书。重点解读《兰亭集序》的结构精妙、用笔灵动，以及其对笔法（中锋、侧锋的运用）的系统化确立。同时，探讨其子王献之的“破体”与创新，及其对唐代书法多元化的启发。 第五章：唐楷的典范与高峰 系统梳理初唐至盛唐楷书的发展谱系。详尽分析欧阳询“险劲”、虞世南“圆润”、褚遂良“秀逸”三种不同风格的形成原因及其结构奥秘。着重阐述唐代科举制度对书法规范化、法度化的推动作用。 第六章：颜真卿与柳公权的时代精神 单独开辟章节，深入探讨颜真卿楷书“颜体”的雄厚博大、法度森严与“气象万千”。分析其书法如何承载盛唐的自信与担当。随后，对比柳公权的“颜筋柳骨”中的劲挺瘦硬之美，探讨二者在后世“学碑入帖”浪潮中的地位。本章还需提及唐代草书大家张旭、怀素的狂草艺术，阐释其“以狂为正”的艺术追求。 第三编：尚意与尚态——审美转向与地域风格（宋元明） 本篇考察书法从追求法度向追求意趣、书写性与个性表达的转变。 第七章：宋代“尚意”的文人书法 分析宋代士大夫阶层对书法艺术的重新定义，即“尚意”高于“尚法”。详述苏轼、黄庭坚、米芾、蔡襄“宋四家”各自的风格特点与审美主张。重点剖析苏轼的丰腴朴拙，黄庭坚的奇崛长枪大戟，以及米芾的潇洒灵动，揭示他们如何以书写个人性情为最高旨断。 第八章：元代书法的复古与融合 探讨元代书法在“复古”思潮下的发展，重点关注赵孟頫对魏晋风度的回归与提倡。分析赵氏如何以秀逸遒劲的笔法融合晋韵与唐法，并成功将书法艺术推向新的高峰。同时，也讨论“吴门书派”的初步兴起，及其对帖学的传承与变化。 第九章：明代多元书风的探索 明代书法呈现出高度的个性化与多元化趋势。详细介绍台阁体（早期官方标准体）的特点，随后深入剖析明代中期“吴门书派”以文徵明、祝允明为代表的帖学发展，以及晚期以徐渭、董其昌为代表的书法家如何进一步强调书法的文人趣味与笔墨情趣。 第四编：碑学复兴与现代转型（清代至今） 本篇关注书法史上的又一次重大转折——碑学对帖学的挑战与平衡。 第十章：清代碑学的兴起与冲击 详细论述清代中后期碑学的崛起。分析邓石如、吴昌硕等碑学大家如何从魏碑、汉隶中汲取金石气息，创造出雄强厚重的书风，以此对抗长期占据主流的馆阁体与靡弱的帖学风气。探讨碑学运动对当代书法审美的影响。 第十一章：近现代的融合与创新 梳理近现代以来，书法家们在“碑帖融合”道路上的探索。分析于右任等人如何将传统碑学成果应用于草书创作，形成独特的风格。探讨现代书法教育体系的建立，以及当代书法家在传承与革新中所面临的文化挑战与艺术抉择。 结语：书法的生命力与哲思 全书最后总结中国书法作为一门独特的造型艺术，其超越文字符号的功能，体现了中国人对“气韵生动”、“中和之美”的终极追求。书法艺术与哲学、文学、绘画的互渗关系，构成了其永恒的生命力所在。 本书特点： 宏观视野： 覆盖时间跨度广，脉络清晰，不拘泥于技巧演示，而重在风格流变背后的文化动因。 深入分析： 对历代重要碑帖的风格特征、结构用笔进行精微的理论剖析，而非简单的临摹指导。 文化底蕴： 强调书法与时代精神、文人情怀的紧密联系，揭示“以书言志”的深层含义。 本书适合所有对中国书法史、艺术史、中国传统文化有浓厚兴趣的读者、研究者及相关专业的师生阅读。它提供的是一把钥匙，用以开启理解中国传统审美体系的大门。

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坦率地说，市面上书法教材多如牛毛，但真正能让人产生“爱不释手”感觉的却不多。这本书给我的感觉是，它在传承中带着一种现代的尊重和理解。它没有将古人神化，而是将他们还原成可以学习、可以模仿的“匠人”。阅读过程中，我感受到了一种温和的引导力，它鼓励你模仿，但更引导你去思考，去探索字形背后的韵律和作者的情感。这本书的整体调性非常平和、沉静，非常适合现代人快节奏生活中寻求片刻安宁的心境。它不急躁，不浮夸，只是静静地摆在那里，等待着每一个对传统艺术心怀敬意的灵魂去开启它，去与之对话。这已经超越了一本工具书的范畴，更像是一份精心准备的、通往古典艺术殿堂的邀请函。

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作为一个长期在案头对着碑帖琢磨的业余爱好者，我最看重的就是资料的权威性和全面性。这本书的选材广度着实让人惊叹。它涵盖了我们耳熟能详的“二王”、“颜柳”，但更难能可贵的是，它还收录了一些相对小众但极具艺术价值的碑刻和法帖，比如一些早期墓志铭的精选拓本，这些拓本往往更能体现书家的“本真”状态，缺少了后世刻意的修饰。这极大地拓宽了我的视野，让我意识到书法艺术的流变远比想象中丰富。而且，作者对每位名家的介绍，都精准地抓住了其艺术成就的独特之处，没有空泛的赞美，全是对艺术风格的精确描绘。这种高标准的选材和严谨的学术态度，让这本书不仅仅是一本临摹用书，更像是一部精炼的中国书法史速览。

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这本书的装帧设计实在让人眼前一亮，封面那种典雅又不失厚重的质感，一下就抓住了我的眼球。内页的纸张选择也极为考究，那种微微泛黄的米白色调，不仅对手写者友好，长时间阅读也不会让人感到疲劳，而且拓片的影印质量简直是教科书级别的——黑白分明，细节纤毫毕现，即便是那些极其细微的笔锋转折、墨色的洇化效果，都得到了完美的还原。我之前买过一些同类书籍，往往在印刷细节上敷衍了事，导致很多名家的精髓都“失真”了。但**《中国历代名家碑帖临摹教程》**在这方面做得非常到位，这让我对后续的临摹学习充满了信心。特别是对于初学者来说，清晰的图像质量是建立正确“看”字习惯的第一步，这本书无疑为我们提供了最好的视觉基础。光是翻阅这本书，就仿佛置身于一个高规格的文物展厅，能感受到那种穿越千年的艺术气息，这份匠心值得所有书法爱好者点赞。

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这本书在实用性层面做得极为贴心，完全能感受到作者是真正站在临习者的角度去思考的。排版上，它巧妙地运用了“米字格”和“九宫格”的辅助线，而且这些辅助线的设计非常柔和，既能帮助定位结构，又不会喧宾夺主地干扰对原帖的观察。有些临摹教材为了节省篇幅，会把字帖印得非常小，让人看得费劲，但**《中国历代名家碑帖临摹教程》**在版式设计上明显更舍得下“血本”，提供的单字放大图足够清晰，让细节的揣摩成为一种享受而非负担。此外，针对一些复杂的笔画，书中似乎还融入了动态的演示说明（虽然是通过静态图解实现的），这种对“过程”的关注，对于我们这些“手笨”的练习者来说，简直是雪中送炭，极大地提高了学习的效率和乐趣。

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我接触书法多年，深知“得法”的重要性，而这本书的编排逻辑，彻底颠覆了我过去零散学习的模式。它不是简单地堆砌名家作品，而是建立了一套清晰、科学的学习路径图。从早期的篆隶，到魏晋风骨，再到唐楷的规范森严，最后过渡到行草的恣意洒脱，每一阶段的过渡都衔接得自然流畅，节奏把握得恰到好处。更绝的是，它在每一阶段都穿插了对特定碑帖风格的深入剖析，讲解的语言深入浅出，既有深厚的理论支撑，又不失实操指导的温度。我特别欣赏作者对于“笔法”这一核心问题的阐述，那些关于提按顿挫、中侧锋转换的图解分析，简直是醍醐灌顶。这本书真正做到了“授人以渔”，而不是仅仅展示“鱼”，对于想要系统性提升技艺的读者而言，这套梳理体系的价值无可估量。

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张迁碑

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97.青少年书法大赛.参赛临摹本

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