中国人物画线描图谱――古代人物画选辑 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:中国和平出版社

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1999-01

价格:10.00

装帧:平装

isbn号码:9787800376801

丛书系列:

图书标签:

• 绘画
• 工笔画
• 历史
• 中国画
• 人物画
• 线描
• 古代
• 绘画
• 艺术
• 传统文化
• 技法
• 图谱
• 历史

壮丽史诗下的笔墨乾坤：中国古代人物画的时代风貌与艺术探索 本卷聚焦于中国古代人物画的广阔图景，精选了自先秦至清末数千年间，最具代表性和艺术价值的线描作品，旨在勾勒出中国人物画自萌芽、发展、成熟直至演变的完整脉络。此书并非一部简单的图录汇编，而是对不同历史时期社会思潮、审美取向、文人士大夫精神世界与绘画技法革新进行深入考察的学术性画册。 全书结构谨严，以时间为序，辅以主题分类，力求全面展现中国古代人物画作为“载道”与“抒情”双重使命的历史担当。 第一部分：远古的呼唤与先秦的奠基（壁画与早期青铜铭文的意象） 本部分追溯中国人物造型艺术的源头。我们将从马王堆汉墓帛画的“行乐图”与“升天图”中，探讨先秦至汉代早期，巫术信仰与现实生活交织下，人物形象的神秘性与夸张性。这些早期作品中的线条，虽然稚拙，却蕴含着早期生命力的勃发和对天地秩序的初步想象。 重点解析早期“写意”的雏形：如何通过寥寥数笔勾勒出神祇、贵族或舞者的精神状态，而非单纯追求解剖的精确。此阶段的艺术探索，为后世“气韵生动”的理论打下了最初的哲学基础。 第二部分：魏晋风度与宗教的张力（人物画的士人化与神性探索） 魏晋南北朝是中国士人精神觉醒与佛教艺术深度融合的关键时期。本卷着重展示这一时期人物画对“骨法用笔”的极致追求。 顾恺之与“传神写照”的理论实践： 选取《洛神赋图》等重要摹本（此处仅展示线稿与细节），分析其如何通过对衣褶、眼神的处理，表现人物的内在气质——“形神兼备”的理想境界。 佛教造像的线描语言： 深入探讨石窟壁画（如云冈、敦煌）中的线描技法。北魏时期的秀骨清像与南朝的典雅秀美形成了鲜明的对比。我们关注这些宗教人物的“程式化”背后，如何逐渐融入汉地文人的审美趣味，尤其是在菩萨面容上的世俗化倾向。线描的粗细、疾缓，如何被用于区分佛、菩萨、罗汉及供养人，体现了宗教等级与精神层次。 第三部分：盛唐气象与宋代典雅（现实主义的崛起与世俗生活的描绘） 唐代是人物画的黄金时代，以吴道子为代表的“吴带当风”开启了线条的动态美学。本部分力求展现唐代人物的丰腴、博大与自信。 唐代线描的力度与韵律： 通过对已知唐代画迹的摹本或拓本分析，揭示其线描中蕴含的强大生命力和装饰性。人物的动态不再受限于宗教叙事，而开始表现宫廷生活、宴饮、狩猎等世俗场景。 宋代院体的精致与“减笔写意”： 宋代审美趋向内敛与写实。本部分侧重于院体画中对细节的精准捕捉，如衣纹的质感、发丝的韧性。更重要的是，对“文人画”的萌芽进行探讨。以苏轼、米芾为代表的文人，开始倡导不拘泥于形似，追求“意在笔先”的写意人物画，这对后世影响至深远。 第四部分：元代的遗民风骨与笔墨的自主性（人文精神的回归） 元代，由于外族统治，大量士人退居山林，人物画成为他们寄托家国之思、表达孤高清格的重要载体。 “意笔人物”的成熟： 本部分着重展示以王绎、赵孟頫为代表的画家，如何将书法用笔的精妙融入人物描绘。线条不再仅仅是轮廓，而是具有独立的审美价值。笔法的提按顿挫，直接反映了画家的学养与心境。 “竹林七贤”与“水墨人物”的兴起： 分析此类题材中人物造型的疏朗、萧瑟感，如何与当时文人的政治处境相互映照。此时的线描更趋向水墨晕染，笔触的自由度大大增加。 第五部分：明清的多元格局与“画史”的重构（技法体系的完备与学院派的固化） 明清时期，人物画呈现出学院派（如浙派、院体）的复古与民间艺术（如仕女画、年画底稿）的蓬勃发展并存的局面。 明代中晚期的人物画流派： 探讨以唐寅、仇英为代表的“吴门四家”在人物线描上的不同取向。唐寅的潇洒奔放与仇英的工整细腻，展示了传统白描技法在世俗化场景中的应用。 清代“正统”与“异端”的对立： 重点分析陈老莲（陈弘寿）对古代典范的刻意“夸张”与“造型化”，以及“金陵画派”在人物表情与氛围营造上的新探索。最后，引入对民间艺术中成熟的白描线稿的考察，它们往往是民间审美观念最直接的体现，其线条的纯粹性与生命力不亚于文人画家的作品。 结语：线条的永恒对话 本画册通过对中国古代人物画线描的系统梳理，展现了中国艺术家如何在有限的线条中，构建无限的生命意象。从先秦的神秘符号到明清的世俗百态，线条的“筋骨”与“血肉”始终是中国人物画的灵魂所在。这些图谱不仅是造型的范本，更是研究中国古代社会风貌、思想变迁与艺术哲学的珍贵实物资料。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书的整体阅读体验，可以用“沉浸式学习体验”来概括。它远超出了传统教科书的范畴，更像是一部精心策划的艺术之旅导览手册。无论是对于初学者尝试临摹，还是对于资深研究者进行案头工作，它都提供了坚实的支撑。我特别喜欢它在最后部分对历代经典作品的精选和归档方式，这种编排不仅仅是简单的收录，更像是一个小型的时间胶囊，将不同历史阶段的审美取向浓缩于此。每次合上书本，我的思绪都会久久不能平静，脑海中充满了对那些古代匠人精湛技艺的敬佩，以及对中华文明博大精深的再次确认。这套图谱的价值，绝非仅仅在于提供了一堆可以学习的样本，更在于它激发了一种对传统艺术的虔诚与敬畏之心，使人愿意放下浮躁，沉下心来，去追寻那份失落已久的东方古典美学之魂。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对中国传统文化抱有深厚情感的读者，我必须赞扬本书对于“神韵”这一核心概念的深刻把握和呈现。在线描技法的学习中，技巧固然重要，但如何在线条中注入人物的精气神，才是决定作品成败的关键。这本书花了大量的篇幅来探讨如何通过提、按、顿、挫来表现人物的内在气质——是超然物外的仙风道骨，还是沉郁内敛的文人情怀。书中对于“高古游丝描”与“兰叶描”在表现不同性别和年龄人物时的细微差别，提供了极其精妙的图例和剖析。我注意到，作者在分析时，总是将技法与哲学思想联系起来，比如如何用“一波三折”的线条来体现道家的圆融与变通。这种深入到形神兼备层面的探讨，对我产生了极强的触动。它不仅仅是教会我“怎么画”，更是让我开始思考“为什么这样画”，从而将绘画实践提升到了精神层面的修养。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是匠心独运，从拿到手的那一刻起，我就被它散发出的古典韵味所吸引。封面采用了一种质感非常细腻的哑光纸张，手感温润而厚重，中央的烫金纹饰在光线下低调地闪耀着，透露出一种历经岁月沉淀的雅致。书脊的装订非常结实，一看就知道是经过精心制作，即便是经常翻阅也不会轻易损坏。内页的纸张选择也极其考究，那种微微泛黄的米白色调，不仅保护了视力，更在视觉上营造出一种穿越时空的古朴感，仿佛手中的不再是一本新书，而是一部珍藏多年的古代画册。印刷的清晰度和墨色的还原度达到了一个极高的水准，即便是最细微的线条，在放大观察时也能清晰可见其起承转合的力度与韵味。尤其是那些复杂的结构布局和人物动态的描摹，通过这种高品质的印刷技术得以完美呈现，让人在欣赏之余，更能深切感受到古代画师在创作时的那份专注与功力。翻阅的过程本身就是一种享受，它带来的不仅仅是视觉的愉悦，更是一种对传统艺术载体本身美学的尊重和沉浸。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏这套书在内容编排上所展现出的那种细致入微的逻辑性和层次感。它并非简单地将大量古代画作堆砌在一起，而是似乎经过了深思熟虑的课程设计。从最初的笔墨基础训练，到渐进式的复杂结构解析，每一步的过渡都自然流畅，毫无生硬的跳跃感。我感觉自己就像是跟随一位经验极其丰富的老先生在进行一对一的私塾学习。尤其是在对特定朝代或画派风格差异的对比展示上，作者的处理方式极为巧妙，通过并置相似主题的不同作品，清晰地指出了风格演变的关键节点和技法上的细微差别。这种对比性的学习方法，极大地提高了我的鉴赏能力，让我不再是走马观花地看图，而是能够带着“为什么”去深入探究每一根线条背后的时代精神和画家心境。对于想要系统性提升自己绘画理论和实践水平的人来说，这种结构化的引导是无可替代的宝贵财富，它让学习路径清晰可见，每翻过一章，都能明确感受到自己知识体系的又一次夯实。

评分☆☆☆☆☆

初接触这类传统艺术书籍时，最怕的就是过于枯燥的理论说教，然而这本书在这方面的处理方式堪称典范。它成功地在“教”与“赏”之间找到了一个完美的平衡点。在技术层面的解析部分，讲解语言精准有力，毫不拖泥带水，每一个术语的引用都恰到好处地服务于技法阐释，没有一句多余的废话。但更令人惊喜的是，当讲到一些具有里程碑意义的作品时，作者并未停留在机械的技法描述上，而是巧妙地融入了对时代背景、人物身份乃至画作背后轶事的生动叙述。这些故事性的补充，瞬间激活了那些原本可能显得僵硬的线条和结构，赋予了画面鲜活的生命力和历史厚度。我仿佛能听到画中人物的呼吸，感受到他们所处的那个特定历史时期的社会气息。这种有血有肉的解读，极大地激发了我对古代人物画作背后的文化内涵进行深挖的兴趣，让学习过程充满了探索的乐趣和人文关怀。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆