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出版者:学苑出版社

作者:顾建华

出品人:

页数:467

译者:

出版时间:1999-2-1

价格:28.00

装帧:精装

isbn号码:9787507715200

丛书系列:

图书标签:

• 社会风尚美
• 美学
• 美育
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• 艺术教育
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《世界艺术史纲要：从史前到当代》 图书简介 一、全景式梳理：洞悉人类艺术精神的千年演变 《世界艺术史纲要：从史前到当代》是一部立足于宏大时间尺度，对全球范围内视觉艺术、表演艺术、文学艺术等主要门类进行系统性梳理与深入解读的通识性著作。本书旨在为读者提供一幅清晰而详尽的世界艺术发展全景图，帮助理解艺术如何作为人类文明进程中最敏感、最活跃的载体，记录、反思并塑造了不同历史时期的社会结构、哲学思潮、宗教信仰与审美趣味。 全书结构严谨，依照时间脉络与地域文明的演进逻辑展开，涵盖了从远古的洞穴壁画、早期部落图腾，到古典文明的辉煌成就，再到近现代的颠覆性革命，直至数字时代的全新图景。我们不满足于简单的作品罗列和断代分类，更侧重于挖掘不同艺术范式背后的文化驱动力与历史语境。 二、核心内容深度剖析：跨越时空的对话 本书的叙事主线，聚焦于艺术观念的重大转折点及其背后的思想基础。 第一篇：艺术的起源与古代文明的奠基（史前至公元500年） 本篇深入探讨了艺术作为人类心智的初步表达是如何诞生的。从拉斯科洞窟壁画的神秘主义色彩，到古埃及对永恒的追求所塑造的规范化形象体系；从美索不达米亚的浮雕叙事，到爱琴文明的自然主义倾向。尤其对古希腊艺术的分析，将重点放在“理性与和谐”这一核心理念如何通过雕塑和建筑（如帕特农神庙的黄金比例）确立了西方美学秩序的基石。同时，本书将东方的早期艺术，如印度河谷文明的印章艺术和早期中国的青铜礼器文化，纳入同一视野进行比较分析，揭示不同文明在面对自然、神灵和社群秩序时，所采取的独特象征语言。 第二篇：信仰与权力：中世纪与古典的延续与转型（公元500年至1400年） 此阶段的艺术史被强烈的宗教信仰所主导。本书详细解析了拜占庭马赛克艺术的平面化与神圣光芒，以及罗马式和哥特式教堂建筑的结构创新（如飞扶壁和玫瑰窗）。对于伊斯兰艺术，我们探讨了其独特的几何装饰艺术、书法成就及其对偶像崇拜的规避所产生的创新美学。在东方，唐宋的绘画达到了新的高峰，探讨了文人画的兴起及其对“气韵生动”的哲学追求，区别于西方对具象再现的执着。 第三篇：人文精神的觉醒与古典的重塑（文艺复兴至巴洛克，1400年至1750年） 文艺复兴是人类中心主义观念复苏的时代。本书将聚焦于透视法、解剖学知识的回归如何解放了艺术家的视野，从达·芬奇的科学精神到米开朗基罗的英雄主义肉体，再到拉斐尔的完美平衡。随后，巴洛克艺术的“戏剧性、情感张力与运动感”被解读为对宗教改革的回应以及绝对君主制权力的视觉化。卡拉瓦乔的光影对比、贝尼尼的雕塑动态，构成了视觉叙事的革命。 第四篇：启蒙、革命与浪漫的冲击（1750年至1900年） 启蒙运动催生了新古典主义对古老美德的缅怀，但随之而来的工业革命与社会动荡，激发了浪漫主义对情感、想象力和个体的颂扬。本书分析了浪漫主义如何借由风景画（如特纳）表达“崇高”（The Sublime）的体验，以及现实主义如何直面社会底层生活。印象派的出现被视为艺术史上的关键转折点，它不再追求客观再现，而是捕捉瞬间的光影与感官经验，预示了现代性的到来。 第五篇：现代性的颠覆与多元探索（1900年至2000年） 这是艺术史最为剧烈和纷繁的时期。本书详尽梳理了现代艺术的“主义群落”：野兽派的色彩解放、立体主义对多视角的几何解构、抽象艺术（康定斯基、蒙德里安）对纯粹精神的探寻。达达主义对传统意义的嘲弄、超现实主义对潜意识的探索，以及二战后美国艺术如何通过抽象表现主义确立全球领导地位。本书也将深入探讨极简主义、波普艺术、大地艺术等流派，它们对艺术的定义、媒介的边界以及与消费社会的复杂关系进行了前所未有的挑战。 第六篇：全球化与数字时代的艺术新语境（2000年至今） 最后一部分关注全球化背景下艺术权力的转移与观念的融合。探讨了后殖民语境对西方艺术史的修正与挑战，新媒体艺术（影像、装置、交互艺术）的兴起，以及人工智能、虚拟现实等技术如何重塑创作者与观众的关系。当代艺术的观念性、社会参与性和跨学科性成为新的核心议题。 三、方法论与特色 本书的一大特色在于其跨文化比较的视角。我们始终在探寻不同文明在处理“形式、内容、功能”这三个基本艺术要素时的异同。此外，本书强调艺术社会功能的分析，不将艺术视为孤立的审美客体，而是将其置于政治、经济、科技的复杂网络中进行考察。配有精选的、高质量的艺术作品插图（附有详细的考据信息），以及关键艺术家的生平与理论贡献概述，为读者提供扎实的研究基础和直观的视觉体验。 《世界艺术史纲要》不仅是艺术史专业的参考读物，更是面向所有对人类文明、视觉文化与审美变迁感兴趣的普通读者的最佳入门与进阶指南。它旨在激发读者独立思考的能力，培养对艺术作品背后的文化深层含义的洞察力，从而以更丰富、更立体的视角理解我们所生存的世界。

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这本书的编撰水平之高，体现在其对跨学科知识的融会贯通上，这一点让我印象极为深刻。它明显超越了传统艺术史或美学教科书的范畴，而是将哲学思辨、心理学洞察乃至社会文化变迁都巧妙地编织在一起。我随意翻开一页，看到关于“崇高”这个概念的解释时，它不仅引用了康德的经典论述，还延伸到了后现代语境下对宏大叙事的解构，甚至还提到了现代科技进步中“技术奇观”带来的新型“惊异感”。这种广阔的视野，让我意识到美学并非仅仅关乎艺术作品本身，更是人类认知世界和表达存在的一种深层结构。阅读时，我常常会产生一种“原来如此”的顿悟感，因为那些原本在不同领域阅读时遇到的零散的碎片信息，都在这里找到了一个统一的逻辑节点进行整合和阐释。这对我拓展思维边界，构建更全面的知识体系，起到了不可替代的引导作用。

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我是一名刚接触艺术理论不久的学生，手里翻过好几本介绍性的读物，但总感觉那些理论讲得有些悬浮，缺乏一个坚实的参照系来定位。这本书的出现，就像是给我心里搭建了一座知识的脚手架。它不是那种只罗列定义和学派的枯燥词典，而更像是一位经验丰富的导师，在你迷茫的时候，会准确地指出那条通往清晰理解的路径。比如，书中对某个流派核心思想的阐述，往往会穿插一些极具启发性的历史背景和代表人物的观点对比，让抽象的理论变得鲜活起来，不再是孤立存在的概念。我特别欣赏它在处理那些相互关联又容易混淆的术语时的那种细腻区分，比如“审美经验”和“艺术感受”在不同哲学语境下的微妙差异，它都给出了清晰的界定和例证。这种结构化的知识组织方式，极大地提高了我的学习效率，让我感觉自己不再是茫无目的地在知识的海洋里漂流，而是有了一个清晰的航海图。

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这本书的装帧设计实在令人眼前一亮，封面那种哑光的质感，配合着烫金的字体，散发着一种低调而典雅的气息。我刚拿到手的时候，忍不住在灯光下端详了很久，那种触感和视觉的结合，让人觉得这不是一本工具书，而更像是一件值得收藏的艺术品。内页的纸张选择也非常考究，不是那种廉价的白纸，而是略带米黄色的，既保护了视力，又提升了整体的阅读体验。我平时看书比较慢，对字体的大小和行间距也很挑剔，但这本书的排版布局恰到好处，字号适中，段落间留白舒适，即便是长时间阅读也不会感到眼睛疲劳。翻阅其中一些比较抽象的概念词条时，这种精心的设计带来的宁静感，仿佛能帮助我的思绪更好地沉淀下来，去捕捉那些原本难以捉摸的美学意蕴。这种对手工质感的执着追求，在如今这个充斥着电子屏幕的时代，显得尤为珍贵，足见出版方在细节上的匠心。

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坦率地说，我对于工具书的要求通常是“准确、快速、省事”，但这本书显然想要给予读者更多。它在保证核心信息精准性的同时，却又像一本引人入胜的散文集，充满了作者独特的文笔和对事物细致入微的观察力。例如，描述某些西方美学流派的兴衰时，那种叙述的节奏感和对时代精神的把握，读起来一点也不像在查阅资料，而更像是聆听一位智者讲述历史的演变。有些词条的解读，甚至带有几分诗意，不着痕迹地将冰冷的学术概念升华为一种对生命体验的深刻反思。这种将知识的严谨性与文学性的完美结合，使得即便是那些我原本觉得晦涩难懂的部分，在阅读过程中也变得饶有趣味，让人忍不住一口气读完好几个相互关联的条目，从而形成一个知识网络，而不是孤立的知识点。

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作为一个长期关注文化现象的观察者，我尤其关注一本书对时代脉搏的捕捉能力。这本书的价值不仅在于对经典理论的梳理，更在于它对当代审美趣味的敏锐洞察和前瞻性思考。例如，关于“赛博美学”或者“注意力经济下的审美疲劳”等新兴议题的讨论，它没有采用敷衍了事的态度，而是进行了深入的挖掘和审慎的分析，试图为这些新生事物在美学坐标系中找到合理的位置。这表明编撰团队不仅仅是历史的记录者，更是当下的思考者。这种与时俱进的编辑思路，让这本书在面对日新月异的文化变革时，依然保持着强大的生命力和实用价值。它没有被时代抛在身后，反而成为了我们理解当下复杂审美环境的一把可靠的标尺，帮助我们拨开那些流行文化带来的迷雾，回归到对美本质的探寻上来。

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