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出版者:中国社会出版社

作者:段晋中

出品人:

页数:171

译者:

出版时间:1999-01

价格:13.00元

装帧:平装

isbn号码:9787800889448

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一本关于古典钢琴演奏技巧与音乐史的图书简介，完全不涉及二胡入门的内容。 --- 书名：《键盘上的回响：巴赫至德彪西的钢琴艺术与风格演变》 图书简介 本书是一部系统而深入的音乐学著作，旨在为钢琴学习者、演奏家、音乐史研究者以及所有热爱键盘艺术的听众，构建一座连接历史、理论与实践的桥梁。我们不再仅仅关注“如何弹奏”，而是深入探究“为何如此弹奏”——追溯古典钢琴音乐自巴洛克晚期萌芽，历经古典、浪漫直至印象主义时期的风格脉络、技术革新与人文思潮的深刻影响。 第一部分：巴洛克的回声与古典主义的曙光 (约公元 1700-1800 年) 本部分详述了钢琴这一乐器如何从羽管键琴（Clavichord）和拨弦古钢琴（Harpsichord）的局限中解放出来，进入以强弱变化（Dinamica）为核心的“钢琴”（Pianoforte）时代。 第一章：前奏：从键盘乐器到“多愁善感”的表达 我们将解析意大利制琴大师克里斯托福里（Cristofori）的发明原理，以及它如何彻底改变了键盘音乐的演奏理念。重点探讨了早期的C.P.E.巴赫（Carl Philipp Emanuel Bach）的《普鲁士与维兰斯克奏鸣曲》，分析其“情感风格”（Empfindsamer Stil）对后世的影响，即如何在有限的力度变化中营造出瞬间的心理波动。 第二章：巴赫的遗产与“通奏低音”的终结 尽管约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）主要创作于羽管键琴时代，但他的对位法结构与和声逻辑构成了古典钢琴音乐的基石。本章细致剖析《平均律钢琴曲集》的结构意义，并探讨他的学生（如菲利普·埃马努埃尔·巴赫）如何将这些结构思维融入到奏鸣曲的早期形态中。我们着重讲解“手指的独立性”训练，这对于后续的指法技术至关重要。 第三章：海顿与莫扎特：古典主义的黄金比例 海顿（Joseph Haydn）被誉为“奏鸣曲之父”，他确立了奏鸣曲式的基本格局。本章深入分析海顿作品中幽默感（Humor）和结构清晰性的体现，以及他在速度标记和表情术语上的创新。随后，转向莫扎特（W.A. Mozart），着重分析其旋律的歌唱性（Cantabile）和钢琴织体中近乎完美的平衡感。我们将详细对比莫扎特早期与后期协奏曲中钢琴与乐队的对话关系，探讨钢琴在室内乐化的趋势。 第二部分：浪漫主义的激情与技术的巅峰 (约公元 1800-1900 年) 随着制造工艺的飞速发展（如更坚固的框架、更长的琴弦和更灵敏的击弦机），钢琴的音量、延音和音域都得到了极大的扩展。这直接催生了浪漫主义音乐家对炫技、情感深度和个体英雄主义的追求。 第四章：贝多芬：从古典到浪漫的结构性革命 路德维希·范·贝多芬（Ludwig van Beethoven）是连接两个时代的巨人。本章聚焦于他晚期奏鸣曲（如《槌子键》Op.106）中对钢琴性能的极限挖掘，如大规模的和弦堆叠、跨越广阔音域的琶音以及对踏板使用的革命性指导。我们分析他如何将奏鸣曲式从一套规范转变为表达个人挣扎与胜利的宏大叙事框架。 第五章：肖邦与李斯特：钢琴的“诗人和巫师” 本章将浪漫主义推向极致。弗雷德里克·肖邦（Frédéric Chopin）被誉为“钢琴诗人”，他将波兰民间音乐与精致的法国沙龙艺术完美融合。我们将详细解析他作品中“鲁巴托”（Tempo Rubato）的精准运用，它不是随意的拖沓，而是一种内在节奏的呼吸感。接着，深入探讨弗朗茨·李斯特（Franz Liszt）作为第一位真正的“钢琴演奏巨星”，他对八度、和弦琶音和触键力量的探索，以及他对管弦乐效果（Orchestral Effect）的模仿。 第六章：德彪西之前的欧洲音乐风景 浪漫主义后期，音乐家开始寻求新的声音维度。本章探讨了舒曼（Schumann）的“性格小品”（Character Pieces）如何专注于捕捉瞬间的心情片段，以及勃拉姆斯（Brahms）如何试图在继承贝多芬严谨结构的同时，注入深沉、内敛的德奥传统。这为印象主义的到来铺平了道路。 第三部分：印象主义与二十世纪的色彩探索 (约公元 1900 年以后) 钢琴技术和音乐语言在此阶段经历了彻底的变革，焦点从宏大的叙事转向微妙的听觉色彩和音色的实验。 第七章：德彪西与拉威尔：光影与水波的音乐化 克劳德·德彪西（Claude Debussy）的作品标志着对传统功能和声的疏离。本章重点分析他如何利用全音音阶、五声音阶和复杂的和弦并行来营造“印象”。我们讨论其钢琴织体中“去中心化”的特点，以及如何通过控制踏板来模糊音符的界限，使钢琴发出的声音如同水面上的光斑。莫里斯·拉威尔（Maurice Ravel）的钢琴作品，如《镜子》，则在继承德彪西色彩感的同时，保留了更清晰的法国新古典主义的骨架，对指法提出了极高的精确性要求。 第八章：二十世纪的语汇拓展 本章概述了20世纪初期，钢琴音乐如何回应战争、工业化和新哲学的冲击。从巴托克的民族主义节奏到斯特拉文斯基对打击乐效果的强调，再到二十年代对无调性（Atonality）的尝试，本书结尾总结了钢琴作为一种乐器，如何在不断适应新的美学需求中，保持其作为核心独奏乐器的持久魅力。 本书特色： 技术与美学的结合： 每分析一个作曲家的风格，都将对应探讨其对钢琴演奏技术（如触键、力度控制、踏板运用）提出的具体要求。 详尽的历史背景： 深入阐述了钢琴制造史、音乐沙龙文化以及当时哲学思潮对音乐创作的直接影响。 深入的乐谱分析： 选取了各个时期最具代表性的作品段落，进行逐句、逐和声的技法解析。 本书不仅是一本教材，更是一部深入的艺术史画卷，它将带领读者重新聆听那些在键盘上凝固了数百年时光的伟大声音。 ---

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这本书的优点可能在于其内容的广博性，它似乎试图涵盖二胡学习的方方面面，从历史起源到不同地域的演奏特色，无所不包。但正是这种“大而全”的倾向，导致了它在“小而精”的教学实践上严重失焦。我购买这本书的直接目的是为了学习如何正确地使用琴弓，掌握基础的运弓技巧，例如分弓、连弓、分连弓的交替练习，这是决定二胡音色好坏的关键所在。遗憾的是，书中对运弓速度、弓压、触弦点的讲解几乎是寥寥数语带过，远不如对某个地方剧种的弓法风格变迁描述得详细。我尝试按照书中的提示进行练习，结果发现拉出来的声音要么拖沓，要么过于僵硬，完全没有达到书中描述的“行云流水”般的效果。这本书给我的感觉是，作者是一位深谙二胡艺术的学者，而非一位擅长教授初学者的老师。对于想尽快上手，建立起扎实基本功的购书者来说，这本书提供的有效实践指导太少了，更像是作者的一份学术研究报告，而非一本实用的学习工具书。

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作为一个对民乐有特殊情结的人，我本来很期待能从这本书里汲取到一些关于“韵味”的精髓，毕竟二胡的魅力很大程度上在于它的表现力。这本书确实花了很大的篇幅来讨论中国音乐的“意境”，探讨了“悲”与“喜”在二胡演奏中的体现，这部分内容写得很有哲学深度，读起来引人深思，作者的文学功底可见一斑。然而，这种深层次的探讨，对于一个刚刚学会如何不“拉破音”的初学者来说，简直是太过奢侈了。我发现自己被这些高屋建瓴的理论搞得压力山大，反而忽略了最基本的“如何拉好每一个音”这件事。书中对揉弦、滑音这些核心技巧的讲解，都放在了非常靠后的位置，而且配图非常小且不清晰，让人看了半天也无法理解其精髓。我本想通过这本书建立起对二胡演奏的信心，结果却陷入了对自身演奏能力不足的深深挫败感中。与其探讨千年文化，不如花点篇幅教我如何让我的第一个音色听起来不那么尖锐刺耳。

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这本《二胡入门》的书籍，实在让我这个初学者感到有些摸不着头脑，尤其是在尝试理解那些复杂的乐理知识时。我原本以为它会像我期待的那样，提供一套循序渐进、图文并茂的入门指导，让我能快速上手拉奏出悦耳的旋律。然而，书中的内容似乎更侧重于对二胡历史的深挖和理论体系的构建，对于“如何持弓”、“如何调音”这些最基础的实际操作，讲解得非常简略，甚至有些含糊其辞。我翻阅了好几遍关于揉弦技巧的章节，感觉作者似乎默认读者已经具备了一定的音乐基础，讲解的术语和概念对我这个零基础的人来说，就像在听天书一样晦涩难懂。我花了好大力气才明白，原来书里花了大量的篇幅去讨论不同流派的演奏风格差异，这对于一个连音准都还把握不好的新手来说，未免有些超前了。期待的“拉出第一支曲子”的成就感，在这本书的引导下，似乎变得遥不可及。我更希望看到的是，清晰的指位图，配合上慢速的音频示范，哪怕只是一首最简单的民谣，也能让我感到有所收获，而不是被一堆高深的理论淹没。这本书更像是一本给已经略有基础的爱好者准备的进阶参考书，而非一本真正意义上的“入门”教材。

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说实话，这本书的装帧设计和纸张质量给我留下了非常好的第一印象，厚实的封面，泛着柔和光泽的内页，的确配得上“入门”教材的名头，显得非常正式和专业。但是，内容的编排逻辑，实在是让我这个追求效率的现代学习者感到抓狂。它似乎没有明确的学习阶段划分，前几章的内容与最后几章的深度差异不大，全书的知识点像是随意堆砌起来的。比如，关于二胡的持琴姿势，在第三章讲了一次，在第十章又提了一次，但两次的描述角度和重点完全不同，让我不知道该以哪个为准。更让我困惑的是，一些基础的音阶练习，比如D调和A调的音阶，书上只是简单地列出了指位，却完全没有提及如何通过弓法来保证音色的均匀和连贯性。这就像是给了你一副地图，却没告诉你如何启动你的交通工具。我更需要的是那种手把手、一板一眼的教学，告诉我每次拉奏时，手臂的放松程度、手腕的转动角度应该如何配合，而不是仅仅依靠抽象的文字来描述这些需要大量肌肉记忆的动作。

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我是一个对民族乐器有着执着热爱的业余爱好者，一直梦想能用二胡拉出那种缠绵悱恻的韵味。当我拿到这本书时，满心欢喜地翻开，希望能找到一套系统、实用的学习路径。然而，这本书给我的感觉更像是一本精装的乐器鉴赏手册，而非一本教授演奏技巧的实战指南。其中对二胡制作工艺的描述，对不同时期名家演奏特点的分析，确实写得细致入微，文笔典雅，读起来颇有韵味。但是，当我尝试跟着书中的“练习曲目”去实践时，却发现书上提供的五线谱和简谱对照非常混乱，而且很多地方的指法提示缺失，导致我常常需要上网去搜索其他资料来验证书中的信息，这极大地打断了我的学习节奏。例如，书中提到的“小撮”技巧，仅仅用了一段文字描述，完全没有配上清晰的图解或慢速分解的音视频链接（虽然书本身不提供音视频，但一本好的入门书至少应该有配套资源指引）。总而言之，这本书在文化底蕴的传承上做得非常出色，但在“如何让一个新手快速、正确地拉响第一个音符”这件事上，它的指导性非常不足，显得有些华而不实。

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