世界雕塑史话

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出版者:国际文化出版公司
作者:李勇
出品人:
页数:206
译者:
出版时间:2000-01
价格:16.00
装帧:平装
isbn号码:9787801057532
丛书系列:世界艺术史话
图书标签:
  • 世界雕塑史话
  • 雕塑史
  • 艺术史
  • 世界艺术
  • 雕塑
  • 艺术
  • 文化
  • 历史
  • 西方艺术
  • 东方艺术
  • 艺术鉴赏
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具体描述

“建筑是凝动的音乐。”如果说上帝创造自然空间,那么人则为自己创造了人造空间--建筑。环顾世界,人类留给自然的最大印记便是浸染着建筑师心血的建筑,这也是世界上最伟大的艺术品。金字塔,雅典卫城,罗马大斗兽场,庞贝遗址,法国凯旋门,美国国会大厦,中国的故宫、长城……《世界建筑史话》展现的便是古今中外那伟大建筑艺术的故事。

建筑是时代的纪念碑,是一个时代文化、政治经济的缩影,“让我看看你的城市,我就能说出这伸城市的人民在文化追求的是什么。”建筑艺术理论家伊・沙里如是产。建筑是一个城市、一个国家的集中反映,《世界建筑史话》同时展现我们的是每个国家每个城市的文化。

好的,这是一本名为《东方奇珍:丝绸之路的艺术密码》的图书简介。 --- 图书简介:《东方奇珍:丝绸之路的艺术密码》 引言:跨越时空的文化熔炉 自古以来,蜿蜒曲折的丝绸之路不仅是连接东西方贸易的黄金动脉,更是一条承载着人类文明交融与碰撞的艺术长廊。它不仅仅关乎丝绸、香料和宝石的交换,更深层次地,它是思想、信仰、技艺和美学观念的传播途径。《东方奇珍:丝绸之路的艺术密码》 这部著作,便致力于深入挖掘和解读这条古老商道上璀璨的艺术遗产,探寻那些隐藏在器物、壁画、建筑中的文化密码。 本书并非一部传统的艺术通史,而是一部聚焦于特定历史时期和特定地理板块的艺术人类学考察。我们试图跳出单一文明的视角,以丝绸之路为经线,以艺术形式的演变为纬线,编织出一幅宏大而细腻的东方艺术交融图景。 第一篇:源起与交汇——草原与绿洲的艺术初探 本书的第一部分将目光投向丝绸之路的起点与沿线重要的绿洲城市。我们从古代欧亚草原的游牧民族的金属工艺和纺织技术谈起,探讨这些游牧文化如何以其独特的游牧美学——流动性、力量感和象征性——影响了定居文明的艺术表达。 核心议题: 1. 匈奴的金饰艺术与赫梯的影响: 探讨草原上出土的黄金器物中,那些与西亚乃至地中海文明交相辉映的造型元素。这不是简单的模仿,而是游牧民族对异域符号的再创造。 2. 楼兰、高昌的佛教造像: 详细分析早期犍陀罗艺术向东传播的过程中,如何在塔里木盆地的绿洲中与本土文化(如本土的萨满信仰遗存)发生冲突与融合,形成了既有希腊雕塑的宏伟感,又带有浓厚中亚地域色彩的独特造像风格。我们将重点剖析这些佛像的衣褶处理、面部表情的世俗化趋势。 3. 壁画的语言: 深入研究莫高窟早期壁画中,波斯萨珊王朝风格的影响是如何体现在飞天造型、火焰纹样以及色彩运用上的。这种影响如何渗透到唐代以前的东方宗教艺术叙事结构中。 第二篇:媒介的革命——技术与审美的双向奔赴 丝绸之路的伟大之处在于其不仅带来了商品,更带来了生产力的革命和审美理念的革新。第二篇将聚焦于艺术制作的“技术交流”,这种交流往往是双向奔赴的。 核心议题: 1. 玻璃工艺的东方化: 罗马和埃及的玻璃制造技术如何经由丝路进入东方,并在唐代发展出成熟的脱模、描金等本土化技术,其色彩和造型如何从模仿西方转向服务于东方宗教和宫廷的审美需求。我们将对比唐代出土的玻璃器皿与叙利亚同期作品,解析其细微的工艺差异。 2. 陶瓷的远征与回归: 唐三彩的辉煌绝非孤例。本书将详细考察粟特商人在陶瓷贸易中的角色,以及“青花”这一概念在伊斯兰世界的早期萌芽和传播轨迹。我们关注波斯钴料的输入如何改变了中国陶瓷的色彩谱系,以及景德镇的白瓷如何反向影响了中东的陶器制作。 3. 纺织品的符号学: 丝绸本身就是流动的艺术品。我们将分析拜占庭帝国和萨珊波斯对龙纹、联珠纹的使用,以及这些图案如何被织入中国的锦缎之中,形成一种跨越帝国边界的“时尚语言”。 第三篇:信仰的疆域——从佛教到景教的艺术表达 艺术是信仰最直接的载体。丝绸之路上,多种宗教并行不悖,它们在相互竞争的同时,也相互借鉴,催生了新的视觉符号系统。 核心议题: 1. 密宗艺术的视觉渗透: 探讨印度晚期笈多王朝的密宗艺术(如时轮金刚、忿怒相)如何沿着陆上通道进入中国西藏和中原地区,以及这些复杂的多面神祇形象在汉传佛教语境下如何被简化或重构。 2. 景教与祆教的痕迹: 相对稀少的景教(基督教聂斯托利派)和祆教(拜火教)的艺术遗存,往往隐藏在世俗器物或墓葬壁画之中。本书将通过对西安碑林中少数族群墓碑纹饰的研究,重构这些宗教在东方艺术符号系统中的“隐秘对话”。 3. 摩尼教的光影: 摩尼教壁画中对“光”与“影”的独特处理,如何与中国传统山水画中的“气韵生动”产生微妙的共鸣?我们将通过对新疆吐鲁番地区遗址的残存图像分析,探讨这种哲学层面的艺术影响。 结论:全球化的早期范本 《东方奇珍:丝绸之路的艺术密码》最终旨在证明,丝绸之路不仅是一条物质流通的通道,更是一个早期的“全球化”艺术实验室。它揭示了艺术的生命力并非在于孤立发展,而在于它跨越地理障碍,以惊人的适应性和创造力,将“他者”的元素内化,最终形成一种更加丰富、多元的东方美学体系。本书试图为读者提供一把钥匙,去解读那些散落在博物馆和考古遗址中的“奇珍”,理解它们背后所承载的、跨越千年依然闪耀的文明对话的光芒。 本书特色: 跨学科研究: 融合了考古学、宗教学、纺织史和材料科学的最新研究成果。 图像学分析深入: 对比了大量东西方同一主题或相同纹样的艺术品,进行细致的视觉辨析。 非中心化叙事: 给予了中亚、波斯、草原民族在艺术交流中的平等地位。

作者简介

李勇,1967年生,安徽五河县人。1989年从安徽师范大学中文系毕业后曾任教3年。继而在厦门大学中文系攻读硕士学位,1992年毕仆。1995年毕业了苏州人学文学院,获博士学位。现为苏州大。“于文学院讲师。曾在《江淮论坛》、《江苏社会科学》等刊物卜发表过《边缘的文化叙事》、《后殖民语境中汉语写作的可能性及意义》等论义10余篇。近期出版的合作有《义学新思维・结构主义卷》和《林语堂传》。

目录信息


第一章生命的灵光
一、人是会雕刻的动物
二、稚拙之关
第二章权威与法度
一、王朝的颂歌
二、永生的渴望
三、法度的尊严一与代价
四、在规范中创新
第三章古典的光辉
一、绽露笑容的美神
二、运动中的平衡
三、摹仿与创新
第四章世俗百态
一、狞厉之美
二、生生不息
三、写意传神
第五章法相庄严
一、拈花微笑
二、利乐有情
第六章人间天国
一、天堂的黑暗与冷漠
二、人间的生机与光明
第七章巨匠的时代
一、个性的大空
二、人,是宇宙的精华
第八章精致与雕琢
一、新奇的画卷
二、唯美的欢娱
第九章新天地
一、激情之舞
二、唤醒躯体中的灵魂
三、走出巨人的身影
第十章梦幻之境
一、变异的形体
二、抽象的空间
三、没有边界的艺术
结束语
附:插图目录
主要参考书目
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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读完此书,我最大的感受是,艺术史的真正魅力在于其脉络的连续性与断裂感并存的张力之中。这本书的结构设计极为巧妙,它没有采用传统的编年史式的枯燥梳理,而是选择了以“主题”和“地域”交叉对比的方式进行论述。例如,它会并置探讨中世纪欧洲教堂雕塑与同时期中国石窟造像的异同,这种跨文化的比较视角,极大地拓宽了我的认知边界。我原以为雕塑是相对固定和凝固的艺术,但通过作者对不同文化背景下“物质性”和“精神性”如何相互作用的阐述,我开始理解雕塑语言的无限可塑性。书中对材料语汇的分析尤为精彩,对粘土的脆弱、大理石的永恒、木材的温润,每一种材料的“脾气”如何塑造了最终的艺术表达,都被描绘得淋漓尽致。它不再是知识的堆砌,而更像是一次深入的感官体验,引导我们去触摸那些历史留下的痕迹,感受创作者指尖与材料抗争或融合的过程,这种体验感是教科书难以给予的。

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这本书的排版和图注质量是顶级的,这对于一本视觉艺术作品的深度解读来说至关重要。我注意到,很多关键作品的图片都选用了高分辨率的特写镜头,清晰地展示了雕塑表面的肌理变化和刀痕的走向。这种对“细节的尊重”极大地提升了阅读体验,让我仿佛置身于文物修复师的工作台前,近距离观察艺术品的“伤痕”与“光泽”。更值得称赞的是,作者对于那些“失落的”或“被遗忘的”文化雕塑,特别是前哥伦布时期或非洲部落艺术的介绍,篇幅适中且充满敬意,避免了将非西方艺术简单地工具化或异域化。这体现了一种成熟的史学观——尊重文化的主体性。它让我们意识到,艺术史绝非仅仅是欧洲中心论的单线叙事,而是全球各地人类精神表达的多元交响,这种包容性和视野的广阔性,是很多同类著作所不及的。

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这部关于艺术史的鸿篇巨制,以一种近乎漫游的姿态,带领读者穿梭于人类文明的肌理之中。它并非简单地罗列雕塑作品及其年代,而是深入挖掘了每一件石膏、青铜或大理石背后的社会思潮与哲学转向。我尤其欣赏作者在描述古希腊雕塑时,那种对“理想人体”的近乎痴迷的剖析。比如,帕提农神庙的那些残缺的浮雕,在作者笔下仿佛重新获得了生命,不再是冰冷的石头,而是承载着雅典城邦黄金时代的荣耀与忧患的载体。叙事节奏张弛有度,在宏大的历史叙事和对细节的精准捕捉之间找到了绝妙的平衡。对于那些初涉艺术史领域的读者来说,它提供了一个极佳的切入点,既有学术的严谨性,又不失文学性的流畅。作者的文笔如同一位技艺精湛的工匠,精雕细琢,将那些沉睡在博物馆深处的艺术灵魂唤醒,使读者得以窥见它们在诞生之初所蕴含的勃勃生机与时代精神。 这种叙事深度,远超一般的工具书范畴,更像是一部关于人类审美变迁的史诗。

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坦白说,初读时,我对其中某些章节的学术密度感到有些吃力,特别是涉及文艺复兴时期佛罗伦萨雕塑流派分歧的细致论述,需要反复阅读才能完全消化。但这恰恰是此书价值所在——它拒绝将复杂的艺术史简化为易于接受的“小故事”。相反,它要求读者投入心力去理解那些细微的风格差异背后所蕴含的 patronage(赞助制度)和技术革新。作者对于特定工坊内部的权力结构和技术传承关系的描述,如同一个细致的田野调查报告,充满了独家洞察。它教会我的不仅是“认识”雕塑,更是“理解”雕塑的生产环境。对于那些渴望从表层欣赏跃升到深层学术研究的爱好者而言,这本书无疑是一座坚实的桥梁,它不提供廉价的答案,而是提供了一整套分析问题的工具箱和一套严谨的思维框架,这种赋能式的阅读体验,令人受益匪浅,甚至改变了我日后观看任何视觉艺术作品的基本范式。

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不得不提的是,该书在处理近现代雕塑的转折点时,其批判性的视角令人印象深刻。当亨利·摩尔、贾科梅蒂这些现代主义巨匠登场时,叙事风格也随之变得更加内敛和哲学化。作者并没有简单地赞颂他们对传统形式的颠覆,而是深入分析了两次世界大战后,西方社会对“实体性”的焦虑如何投射到雕塑的“空间性”和“非具象化”的探索上。书中的论述,特别是关于“空间即雕塑”这一概念的演变,具有很高的启发性。它迫使我重新审视那些看似抽象的几何体,思考它们是如何在真实的三维空间中与观者进行对话的。这种对艺术与时代精神之间复杂互动的深度挖掘,使得全书的厚重感得以凸显。它不是在描述艺术作品“是什么”,而是在探讨艺术作品“为什么会成为现在这样”,这种追根溯源的探究,让阅读过程充满了智力上的挑战和满足感。

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