大师谈艺录。1

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出版者:南方日报出版社
作者:曹鹏
出品人:
页数:485
译者:
出版时间:2004-06
价格:88.00元
装帧:平装
isbn号码:9787806523544
丛书系列:
图书标签:
  • 中国书画
  • 访谈录
  • 艺术
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具体描述

《大师谈艺录1(图文典藏本)》是当代文艺界大师进行书画作品的评论的图文本,其对话形式的讨论话题有《中国画的基础是书法和古典文学》、《京城文化标志性人物》等。

《风华绝代:古典诗词的流光溢彩》 内容简介: 本书深入探赜中国古典诗词的浩瀚星河,从先秦的质朴雄浑到魏晋的玄思空灵,再至唐宋的登峰造极与元明清的婉转回响,勾勒出一部跨越千年的文学史诗。它并非简单的文本罗列或生僻字词的注释,而是一场与古代文人心灵深处的对话,一次对诗词韵律、意境、情感与哲思的细致剖析。 第一章:源远流长——诗歌的萌芽与奠基 本章追溯诗歌的源头,从《诗经》的“风、雅、颂”入手,解读民间歌谣中蕴含的质朴生命力与社会百态。我们探讨《国风》如何成为古代社会最真实的缩影,展现了劳动、爱情、战争与祭祀的原始情感。随后,笔锋转向《楚辞》,解析屈原“香草美人”的政治抱负与浪漫主义的先声。重点分析《离骚》的宏大叙事结构、瑰丽的想象力,以及它如何塑造了中国文人特有的“忠愤”情怀。通过对比《诗经》的写实与《楚辞》的浪漫,奠定中国古典诗歌的两大基石。 第二章:汉魏风骨——建安之声与五言的成熟 进入汉代,乐府民歌的兴盛标志着诗歌语言的通俗化与题材的广阔化。本章细致梳理汉乐府在民间叙事上的成就,如《孔雀东南飞》对婚姻悲剧的深刻描摹。转入建安时期,曹操、曹丕、曹植“三曹”的横空出世,带来了“建安风骨”。这一时期的诗歌,在丧乱之世中展现出慷慨悲凉的气质,语言刚健,情感激越,为后世的英雄主义诗歌树立了标杆。紧接着,我们探讨了正始、正始之音的玄学影响,以及竹林七贤如何将个人情感的抒发提升到哲学思辨的高度。五言诗的格律在此期逐渐成熟,为唐诗的繁荣铺平了道路。 第三章:六朝流转——田园与山水诗的诞生 南北朝时期,战乱频仍,士人转向内心寻求慰藉。本章聚焦于诗歌题材的转向——由关注社会政治转向对自然景物的描摹和个人隐逸情怀的抒发。陶渊明是绕不开的高峰,他的田园诗以平淡自然的语言,构建了一个与世无争的精神家园,其“采菊东篱下”的境界成为后世隐逸诗人的终极向往。同时,谢灵运开创的山水诗派,注重写景的细致与空间感的营造,标志着中国山水文学的自觉。本章深入探讨了宫体诗的衰微与玄言诗的局限,最终落脚于永明体对声律的初步探索,为唐代格律诗的形成提供了技术储备。 第四章:盛唐气象——律诗的辉煌与浪漫的巅峰 唐代是中国古典诗歌的黄金时代,本章以大气磅礴的笔触描绘了这一时期的文学图景。我们将唐诗分为初唐的承接、盛唐的鼎盛和中唐的变革。重点剖析盛唐双璧——李白与杜甫。李白的诗歌,是浪漫主义的极致,其豪迈飘逸、想象奇绝,是对个体生命自由的极致赞颂。杜甫则被誉为“诗史”,其沉郁顿挫,将个体命运与国家兴衰紧密相连,体现了深厚的人文关怀与现实主义精神。此外,王维的禅意山水、孟浩然的恬静自然,以及边塞诗派(高适、岑参)的雄浑壮阔,共同构成了盛唐多元而辉煌的文学面貌。格律诗(律诗和绝句)的规范化,使得形式美与内容深度达到了完美的统一。 第五章:中晚唐的转折与深化——从革新到晚唐的精致 进入中唐,韩愈、白居易等人倡导“古文运动”,诗歌开始寻求革新,力图恢复汉魏风骨,注重议论与说理,形成“韩孟诗派”的奇崛。白居易提倡“新乐府运动”,诗歌更贴近民生,语言通俗易懂,影响深远。中晚唐时期,诗歌开始向内省与精微处发展。李商隐与杜牧的并称(小李杜),展现了晚唐诗歌的精致唯美与含蓄蕴藉。李商隐的“无题”诗,以其朦胧的意象和深邃的情感纠葛,成为后世解读的永恒谜团。本章旨在展现唐诗并非一成不变,而是在继承中不断自我超越的动态过程。 第六章:宋词的崛起——“别是一家”的婉约与豪放 随着“词”这种更适应音乐歌唱的文体兴起,宋代文学格局发生了根本性变化。本章详细阐述了词体如何从花间派的绮靡艳丽,逐渐发展为可以承载大题材的文学形式。首先剖析柳永的铺叙与市井气息,他将词的题材拓展到更广阔的世俗生活。随后,进入宋词的“双峰并峙”——苏轼与辛弃疾。苏轼以其旷达的胸襟和对哲理的探讨,开创了豪放词派,使词的境界上承唐诗,下启文人精神的自由表达。辛弃疾则将爱国情怀与军事理想融入词中,将豪放词推向极致。同时,李清照的婉约词,以其女性特有的细腻笔触和对个体情感的精准捕捉,成为闺阁词的典范。 第七章:词学与诗学的余晖——元曲的兴盛与最后的绝唱 元代,由于文人在政治上的失意,文学的重心进一步转向通俗化和戏剧化,以“曲”(元曲:杂剧与散曲)取代了诗词的主流地位。本章分析了关汉卿、王实甫等人的杂剧成就,探讨了散曲在继承词体的基础上,如何以更自由的句式和口语化的表达,更直接地反映民间疾苦与世俗情趣。在诗歌方面,明清时期,虽然格律的恪守使得创新空间变小,但仍有“后七子”的复古运动与袁枚的“性灵说”,展现了文人在既定规范下对个性解放的持续探索。本书在明清诗词的流变中收尾,总结了中国古典诗词在近千年中的美学演变脉络。 结语:千古绝唱的现代回响 全书最后总结了古典诗词对后世文学、艺术乃至民族精神所产生的深远影响,探讨了在现代语境下,我们应如何理解和欣赏这些凝结着古代智慧与情感的文学遗产。它是一部关于审美愉悦、历史沧桑和人类共通情感的宏大叙事。

作者简介

目录信息

自序
中国艺术市场的形势与走向(代序)-冯远访谈录
画画就是我的生活和乐趣-阳太阳访谈录
京城文化标志性人物-启功访谈录
书法的本质是表现中华文化的“精气神”-周汝昌访谈录
画坛师友共沧桑-黄苗子访谈录
国学和见物是鉴定的基础-史树青访谈录
多点中国文化的内涵-崔子范访谈录
中国人在文化上要自信自强-林凡访谈录
中国画的基础是书法和古典文学-王学仲访谈录
我在艺术上是比较开放的-张仃访谈录
平生所好是书画-徐邦达访谈录
工笔画最受群众欢迎-喻继高访谈录
爱好就是最好的老师-周韶华访谈录
附录一 搞书画最重要的是眼力-黄君实访谈录
附录二 书画是最理想的投资-刘文杰访谈录
附录三 �真卿、吴昌硕以及古墨收藏-朱关田访谈录
· · · · · · (收起)

读后感

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用户评价

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这部作品的问世,无疑为我们这些沉浸在艺术殿堂中的探寻者,投下了一枚深水炸弹。它不像某些理论著作那样高高在上,动辄搬出晦涩的术语,而是以一种近乎对话的方式,将那些看似遥不可及的艺术精髓,用一种润物细无声的姿态,渗透到读者的心底。我尤其欣赏作者在阐述创作心路历程时的那种坦诚与克制。他没有陷入自夸的泥潭,也没有用过度的煽情来堆砌情感,而是像一位经验丰富的老船长,平静地描绘着他航行过的风暴与宁静的海域。那些关于“灵感乍现”的瞬间,在书中被解构得极其细致,让人恍然大悟,原来那些看似神来之笔的杰作,背后是无数次日复一日的打磨与对材料近乎偏执的尊重。读完后,我拿起手边的工具,感觉空气中的阻力都变得不同了,仿佛被赋予了一种新的、更深刻的理解世界的视角。这不再仅仅是一本书,更像是一份来自前辈的、沉甸甸的“行路指南”。

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我是在一个连绵阴雨的周末,抱着一种“姑且一读”的心态翻开这本书的。最初,我对于这种带有“录”字的书名总抱持着一丝警惕,担心内容会过于零散、缺乏系统性。然而,随着阅读的深入,我发现自己完全被那种内在的韵律感所吸引住了。作者对“意境”的探讨,简直达到了出神入化的地步。他不是在解释意境是什么,而是在引导你如何“感受”意境。比如他描述一幅画作完成后的那种“空”,那种“留白”,简直让人仿佛能闻到画布上颜料散发出的微弱气息,能感受到画中人物未言之语的重量。更让我震撼的是,他对传统技法的坚持与创新之间微妙的平衡的论述。他毫不留情地批判了那些徒有其表、缺乏内核的浮躁之作,同时也为新生代的探索者指明了方向:真正的突破,永远建立在扎实的根基之上。这本书对我最大的影响是,让我开始重新审视自己过去习以为常的一些创作习惯,并勇敢地去质疑它们是否真的经得起时间的考验。

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这本“录”读起来,有着一种奇妙的年代感和历史厚重感,但奇怪的是,它一点也不过时。它仿佛是一座精心搭建的桥梁,连接着古典的严谨和当代的迷惘。我特别喜欢其中穿插的几段作者与同行之间关于艺术市场和商业化的辩论片段。在那个语境下,艺术家们对于如何保持创作的纯粹性与如何在现实世界中生存下去的挣扎,被描绘得淋漓尽致。这种“烟火气”的介入,让整本书的格调一下子变得立体而真实。它没有给我们提供任何廉价的“成功学”秘诀,反而更加强调了艺术家的孤独和责任。作者毫不避讳地展示了自己年轻时如何为了一个细节熬红双眼,如何因为理念不合而与人断交。这种真实展现出来的“痛点”,反而比那些完美的成功案例更能激励人。它告诉我,伟大并非天赐,而是千锤百炼的自我选择和坚守。

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从文学角度来看,作者的叙事功力也值得称赞。他对于“物”的拟人化描述,达到了近乎诗歌的境界。比如他谈论一块木料的纹理时,用的词汇是“它隐藏了百年的记忆,此刻正向我低语”。这种将无生命物体赋予灵魂的笔法,让读者在学习技法的同时,也接受了一场关于万物有灵的哲学洗礼。全书的结构安排也是大师级的,它不是线性的时间轴,而是螺旋上升的螺旋体,每一个章节看似独立,却又在更深的层次上互相呼应、彼此佐证。当我合上书本,映入眼帘的还是我那间熟悉的画室,但我的心境却仿佛刚刚结束了一次漫长而艰苦的朝圣之旅。这部作品的价值,在于它提升了阅读的门槛,它要求读者带着思考和敬畏去靠近,而它给予的回报,将远远超过读者付出的心力。这绝对是我近年来读到的,对专业领域最有启发性的一部文献。

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说实话,我是一个极其注重“实操性”的读者,理论对我来说往往是空中楼阁。但我发现,这本书的厉害之处就在于,它将那些高悬的理论,全部熔铸成了可以拿在手里的“工具”。作者谈到他对色彩的理解时,绝不是停留在“冷暖对比”这种基础概念上,而是深入到特定媒材在特定光线下,其分子层面的反射规律,以及这种物理现象如何影响观者的情绪感知。这种细腻入微的观察,简直像一位生物学家在解剖一只蝴蝶的翅膀。尤其是一章关于“节奏与停顿”的论述,让我茅塞顿开——原来艺术创作中的呼吸感,并非抽象的文学修饰,而是可以被精确计算和控制的结构要素。看完这一部分,我立刻去工作室重新审视我正在进行的一件雕塑作品,发现自己先前对节奏的处理过于急促和单调。这本书的价值,就在于它能让你在阅读后,立即产生一种“非改不可”的冲动,并清晰地知道应该如何去改。

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