具体描述
本书由三个部分组成。
第一部分论音乐美学，大多涉及中国古代音乐美学史与现当代音乐美学史，但侧重于现当代，意在“六经注我”，提出我自己对若干音乐美学重大问题的理解，对音乐与人的关系的理解，对音乐之道的探求，故可概括为“音乐与人”。
第二部分论中国文化，涉及中国古代文化与现当代文化，同样侧重现当代，而更关注文化与人的关系，意在探索中国文化怎样才能走向未来，中国知识分子怎样才能具有现代人格，故可概括为“文化与人”。
第三部分可视为全书的总结。
贯穿全书的思想是人本主义。
作者简介
蔡仲德，1937年生，浙江绍兴人。1960年毕业于华东师范大学中文系。现为中央音乐学院教授、博士生导师，全国音乐美学学会理事，冯友兰研究会理事。著有《中国音乐美学史论》、《中国音乐美学史资料注译》、《中国音乐美学史》、《冯友兰先生年谱初编》、《
〈乐记〉〈声无哀乐论〉注译与研究》、《解读冯友兰・亲人回忆卷》（与爱人宗璞合著）等。1993年获高校优秀教学成果国家级一等奖（与教研室同人合作），1996年所著《中国音乐美学史》获中国图书奖，1998年该书又获普通高校人文社会科学成果艺术类二等奖。
目录信息
阮籍嵇康音乐美学思想异同论――兼论其整体思想及人格之异同
青主音乐美学思想述评
聚讼千年的一桩公案――从韩愈听琴诗说到“平和”审美观
形象・意象・动象――关于“音乐形象”问题的思考
从李蛰说到音乐的主体性
《音心对映论》质疑
为李斯特一辩――就其音乐美学思想答李曙明君，兼与于润洋、关伯基君商榷
“和律论”质疑――兼论《乐记》
“和律论”再质疑――兼评李曙明君之东西方音乐美学比较研究及其方法
从“和律论”说到音乐作品及其存在方式
音乐创新之路究竟应该怎样走――从潭盾作品音乐会说起
答明言书
也谈“天人合一”――与季羡林先生商榷
回到蔡元培去――论蔡元培的思想与人格及其意义
士人格：一个世纪的回顾――与丁东的对话
也谈王国维的死因――与邓云乡、刘梦溪先生商榷，兼析陈寅烙的有关言论
否定“殉清”说着实不易――与邓云乡先生再论王国维的死因
“殉清”说难以否定――三论王国维的死因
关于中国音乐出路的人本主义思考
后 记
· · · · · · (收起)
读后感
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用户评价
这本书的语言风格极为精准，它避开了学术写作中常见的晦涩堆砌，转而采用了一种近乎诗意的、却又充满逻辑张力的叙述方式。例如，在讨论“静默”的社会功能时，作者并没有简单地说“沉默很重要”，而是描绘了一幅画面：在高度信息化的社会中，人为制造的“认知真空”如何成为一种新型的奢侈品，成为对抗信息泛滥的最后堡垒。这种描述手法极大地增强了文本的可读性和感染力。我特别留意到作者在处理美学判断上的态度：他很少下定论，更多的是提供一个“观看”或“聆听”的全新透镜。他引导我们去关注那些“不和谐音”和“边缘噪音”，去理解它们在整体文化肌理中承担的去中心化功能。读完后，我发现自己不再盲目追求那种悦耳、和谐的听觉体验，而是开始学着去倾听那些被主流文化排斥的声音，试图从中捕捉到未被驯服的生命力。这本书的成功之处，或许就在于它成功地将“聆听”从一种被动的接收行为，提升为一种主动的、带有批判性的存在方式。
评分这本书，光是拿到手里，那厚重的质感和泛着淡淡油墨香的气味，就让人忍不住想立刻沉浸其中。装帧设计透露着一种古典的、对知识的敬畏感，封面那种深邃的墨蓝配上烫金的书名，简直就像是邀请你进入一个精心构建的知识迷宫。我当时对“声音的社会建构”这个概念非常好奇，书中对早期人类如何将自然界的噪音转化为具有意义的符号系统进行了极其细致的剖析，它不是那种空泛的理论堆砌，而是穿插了大量人类学和历史学的实证案例，比如对某个偏远部落的祭祀仪式中，特定频率的鼓声如何被赋予了沟通神灵的权力。尤其令人印象深刻的是作者对“集体听觉经验”的论述，他探讨了广场音乐、工厂的机械轰鸣乃至城市交通噪音，在不同历史阶段如何塑造了个体的自我认知和社会归属感。这本书的厉害之处在于，它没有停留于对音乐本身的音乐学分析，而是将听觉现象视为理解人类文明演进的核心线索，引导读者去重新审视那些我们习以为常的声景。读完第一部分，我感觉自己对周遭的一切声音都有了全新的敏感度，仿佛世界突然被调高了清晰度。
评分这本书最让我感到震撼的，是它关于“记忆与失落”的章节。作者通过对“口传旋律”和“档案化缺失”的对比，提出了一个非常尖锐的问题：当一种音乐文化被完全数字化或符号化记录时，它是否同时丧失了其最核心的、依赖于身体在场和即时互动的生命力？书中对一些传统戏曲在现代剧场中上演时，那种“表演的贫瘠感”的分析，真是入木三分。他描述了那种感觉，即便是最精湛的技术还原，也无法替代祖辈在特定社会情境下，与观众共同呼吸、共同完成的那种不可复刻的能量场。这不仅仅是对传统流失的哀叹，更是一种对现代性如何无意识地阉割掉人类体验复杂性的深刻反思。阅读这部分时，我多次停下来，回忆起自己童年听到的那些模糊的、不再有人会唱的小调，那种混合着怀旧和无力感的体验被作者精准地捕捉并提升到了哲学高度，让人不得不正视我们正在以何种速度，将自身的听觉遗产拱手相让给冰冷的存储介质。
评分这本书的结构安排巧妙得令人称奇，它像一个不断收紧的螺旋，从宏大的历史背景一步步深入到微观的个体感知层面。我非常赞赏作者在理论构建中，对“具身性”（Embodiment）的强调。他认为，任何文化实践，尤其是听觉文化，都无法脱离身体的物质性而存在。比如，对喉咙共鸣、呼吸控制、乃至肌肉记忆在音乐生成中的作用的细致描绘，让人切实感受到，我们是通过身体在体验文化，而不是仅仅通过头脑。这使得原本抽象的文化理论，立刻获得了鲜活的触感和温度。读完最后一章关于“未来听觉伦理”的探讨时，我感到一种强烈的紧迫感，作者预言了在一个“超感知”技术时代，我们如何确保听觉体验的自主性和真实性不被算法进一步操控。这本书不是提供答案的，它更像是一张地图，标明了当前知识疆域的边界，并鼓励读者带着敬畏和警醒，去探索那些尚未被命名的声音大陆。它是一次对认知习惯的全面体检。
评分坦白说，这本书的论证密度着实不低，初读时需要极大的专注力，但一旦抓住了作者设定的逻辑主线，那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。我特别欣赏它在处理文化冲突时的那种审慎和克制。比如，在探讨西方古典音乐体系向非西方音乐体系传播时，作者并没有采取简单的“优越性”或“殖民化”的二元对立视角，而是精妙地分析了权力结构、媒介技术和听众接受心理是如何共同作用，导致了某种音乐“价值体系”的固化。书中引入了福柯的权力/知识概念来解构乐谱的权威性，指出乐谱本身就是一种对声音的“规训”工具，它如何将那些流动、即兴、依赖身体经验的音乐传统边缘化。这种跨学科的融合做得非常自然流畅，没有生硬的拼凑感，每一处引用和论证都像是为构建一个更宏大的哲学大厦添砖加瓦。对于那些习惯于快餐式阅读的读者来说，这本书或许会显得有些“沉重”，但对于真正渴望深挖事物根源的人来说，这种缓慢而坚实的推进感，恰恰是其魅力所在。
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