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出版者:江苏教育出版社

作者:苏学文

出品人:

页数:254

译者:

出版时间:1999-11

价格:13.20

装帧:软精装

isbn号码:9787534335907

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《画中有话：二十世纪中国现代艺术的流变与风骨》 一部深入剖析近百年中国现代艺术发展脉络的恢弘著作。 本书并非聚焦于某位艺术家的个人作品集或传记，而是以二十世纪中国艺术史为宏大背景，审视不同艺术流派、思潮及其代表人物之间的张力与对话。它试图构建一个多维度的观察视角，来理解那个波澜壮阔的时代，是如何在传统与现代、东方与西方的碰撞中，塑造出独一无二的中国现代艺术面貌。 全书分为四个主要部分，层层递进，结构严谨，内容充实而富有洞察力。 --- 第一部分：西风东渐与本土觉醒（1900-1937） 本部分探讨了中国艺术在面对西方文化冲击时的早期反应与自我重塑。这一时期是艺术观念的剧烈转型期，传统文人画的地位受到挑战，写实主义、印象派等西方技法开始涌入。 章节聚焦： “学院的建立与传统的挣扎”： 详细梳理了蔡元培倡导的教育改革对美育观念的颠覆性影响，分析了国立艺专等机构的建立如何为现代艺术教育奠定基础。重点剖析了早期艺术家如何在学习欧洲古典主义和现代主义技法的同时，试图保留中国艺术的精神内核。 “国画的现代性转向”： 深入分析了“折衷主义”的出现。这不是简单的中西融合，而是一种艰难的取舍与再创造。重点考察了以徐悲鸿为代表的画家，如何以素描为基石，改造传统笔墨，寻求“表现时代精神”的绘画语言。同时，也比较了林风眠在法国学习后，力图在油画与水墨之间开辟的“中西调和”的新天地，其对色彩和意境的独特处理方式。 “民间艺术与现代启蒙”： 探讨了在精英艺术圈之外，以木刻版画和民间年画为载体的艺术形式如何承担起启蒙和批判的社会功能。分析了新兴的左翼艺术思潮对艺术“为何而作”的深刻拷问。 --- 第二部分：战火中的坚守与变异（1937-1949） 这一时期的艺术创作，深受民族存亡的危机感所驱动。艺术不再仅仅是审美的追求，更成为一种战斗的姿态和精神的避难所。 章节聚焦： “流亡与写实”： 考察了抗战时期艺术家群体在后方（如重庆、成都）的艰难生存状态。笔墨的力度和题材的选择明显趋向沉重与写实。版画的力量在此时达到顶峰，成为最直接、最具穿透力的宣传工具。 “对历史题材的重构”： 分析了艺术家们如何运用现代绘画语言来诠释中国历史的宏大叙事与个体苦难。这不是对古典山水画的简单继承，而是带有强烈批判色彩和英雄主义情怀的“历史画”的尝试。 “城市知识分子的内心风景”： 探讨了在动荡中，部分艺术家转向对内心世界的挖掘，出现了更趋向象征主义和表现主义的风格，以隐晦的方式表达对时局的忧虑和对纯粹精神境界的向往。 --- 第三部分：新中国的定型与规范（1949-1976） 新政权建立后，艺术被赋予了明确的社会使命。“社会主义现实主义”成为指导方针。本部分着重分析了这种意识形态对艺术创作的结构性影响。 章节聚焦： “美学范式的确立：学习苏联的经验与中国的本土化”： 详尽分析了“社会主义现实主义”的具体表现手法，包括对工人、农民、士兵的形象塑造，以及对“高大全”人物形象的推崇。探讨了中国艺术家如何将苏联的教学体系与中国传统“人物画”的造型能力相结合。 “题材的革命与视觉的统一”： 考察了“歌颂”成为主题后，色彩和构图的规范化倾向。分析了这一时期宣传画、连环画在普及艺术教育和思想工作中的核心地位，以及它们所建立起的“人民喜闻乐见”的视觉标准。 “山水画的‘革命化’”： 重点研究了传统山水画如何被要求“脱胎换骨”。山峦必须巍峨，江河必须奔腾，不再是文人的独享清景，而是祖国宏伟蓝图的象征。分析了这一时期对传统笔墨技法的改造和重新阐释。 --- 第四部分：思潮的松动与多元的回归（1976-2000） “文革”结束后，艺术界迎来了空前的思想解放，艺术的“本体性”和个性表达重新获得空间。 章节聚焦： “星星之火与朦胧诗的视觉对应”： 详细论述了“伤痕艺术”的出现，它标志着对集体叙事的反思，转向对个体创伤和记忆的追问。分析了早期先锋艺术群体（如“星星美展”）如何挑战既有的审美规范。 “抽象的回归与形式的探索”： 探讨了在对外交流重启后，西方现代主义的各种流派（立体主义、抽象表现主义等）如何被重新引入，并引发了对绘画纯粹性、线条、色彩、肌理等“形式语言”的深层思考。 “当代水墨的困境与出路”： 考察了水墨画在这一时期面临的身份危机——是坚守笔墨的文人传统，还是大胆引入材料和观念进行实验？分析了老一辈和新生代艺术家对此问题的不同应对策略，如何为进入全球化语境下的中国艺术奠定基础。 --- 结语：世纪的回望与未来的张力 本书最后总结了二十世纪中国艺术在百年间完成的巨大跨越——从“手工业”到“现代艺术”的身份转变。它强调了中国现代艺术的根本特点在于其“强烈的社会介入性”和“对民族身份的持续追问”。本书旨在为读者提供一个清晰、深入且不带偏见的地图，理解那些塑造了我们今日视觉世界的艺术力量。它不仅是艺术史的梳理，更是对一个民族如何在动荡中寻求表达与精神家园的深刻记录。

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这本书的独特之处，在于它完美地平衡了“艺术性”和“通俗性”，做到了雅俗共赏的极致。我曾将它随意地放在客厅的茶几上，不经意间，来访的朋友，无论是从事金融行业的，还是教书育人的，都会被吸引过去。他们不会用复杂的术语去讨论笔法的提按顿挫，而是会直接被画面中的“故事感”所打动。这种直抵人心的力量，是很多当代艺术作品所缺失的。它没有刻意地去迎合时髦的审美趋势，而是坚守着自己独特的艺术语言。翻阅时，仿佛能听到木鱼声声，闻到墨香阵阵，那种穿越时空带来的文化冲击感非常强烈。这不仅仅是一本画册，它更像是一套精美的东方生活美学教材，教我们如何在日常琐碎中，发现诗意，提升生命的质感，让每一天都过得有滋有味。

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这本画集简直是心灵的栖息地，每一个笔触都像是老友的絮语，带着岁月的温情与智慧。我常常在忙碌一天后，翻开它，那些憨态可掬的人物和充满禅意的场景，总能瞬间将我拉回到一个慢下来的时空。特别是那些关于童年和自然的作品，画家对光影的把握细腻得让人心疼，仿佛能闻到夏日午后青草的味道。他笔下的小和尚，有时顽皮得像个孩子，有时又深沉得像个哲人，那种矛盾的统一性，让人不禁反思自己日渐麻木的心境。记得有一幅画，画的是一个孩子在雨中撑着小伞，伞沿垂下的雨滴形成了一道晶莹的帘幕，背景是朦胧的水墨，寥寥数笔，却描绘出了“大珠小珠落玉盘”的意境，那种宁静致远的东方美学，远非那些喧嚣的现代艺术可比拟。阅读的过程，更像是一次精神的洗礼，它没有说教，却处处是哲理，让人在会心一笑中，领悟到生活的至简与至美。

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我向来对那些过于严肃的艺术评论敬而远之，总觉得它们将艺术置于一个高不可攀的架子上。然而，这本画册的呈现方式，却让人感觉无比亲切和自然。它的装帧设计极其讲究，纸张的纹理触感温润，即便是普通读者，也能感受到制作者的匠心独运。不同于那种将作品堆砌在一起的图册，这里的排版充满了呼吸感，每一页留白都恰到好处，使得那些看似简单的线条，拥有了广阔的想象空间。我尤其欣赏其中对不同时期作品的甄选和编排，可以看到画家心境的微妙变化，从早期的清新明快，到中后期的沉静内敛，像是在翻阅一部无字的自传。每一幅画的旁边，如果配有简短的解读或是创作手记，哪怕只是寥寥数语，都会极大地增强作品的感染力，让欣赏者不再是旁观者，而是仿佛走进了那个特定的创作瞬间，分享那份纯粹的情感流淌。

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老实说，我最初拿起这本书时，是抱着一种“了解一下中国传统绘画”的功利心态。可随着阅读的深入，我发现自己被深深地吸引住了，这是一种源自本能的审美共鸣，与学识高低无关。画中的“人”——无论是农夫、学童还是隐士，都带着一种特有的“气韵生动”，他们的喜怒哀乐都凝聚在那几笔松弛有度的笔墨之中。最让我感到惊喜的是，它成功地将古典的意境与现代人对简单生活的向往做了连接。在充斥着焦虑和物质至上的当下，这些画作仿佛是一剂清凉散，提醒我们，真正的富足，在于内心的丰盈和对周遭细微之处的察觉。那些对四季更迭、光影流转的描摹，精妙到令人惊叹，简直就是中国式“慢生活”的最佳注脚，让我在阅读时，忍不住停下来，仔细端详每一个细节，体会那种含蓄而深厚的情感张力。

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作为一名对传统文化有一定涉猎的读者，我必须说，这本书在对画家作品的诠释上，展现出了一种罕见的克制与尊重。它没有过度阐释，让画面本身成为主要的对话者。这种“留白”的处理方式，恰恰体现了对艺术作品深度和广度的信任。每一幅画的构图，都充满了东方哲学的辩证思想，阴阳相济，虚实相生，让人在欣赏画面内容的同时，也在不知不觉中接受了一次关于平衡与和谐的熏陶。我特别喜欢其中对“童真”的描绘，那份未被世俗污染的纯净，是任何高明的技巧都无法模拟的。它让我重新审视了自己对待孩子的态度，不再是要求和规范，而是引导和陪伴，去守护那份宝贵的天然好奇心。这本书的价值，不在于它展示了多少作品，而在于它能唤醒读者心中沉睡已久的、对美好、对纯粹的渴望与理解。

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图很好，注不喜欢。

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漫画5星，品读煞风景，给3星

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阿宝赤膊

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漫画5星，品读煞风景，给3星

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品读一般