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出版者:敦煌文艺出版社

作者:黄腾鹏

出品人:

页数:393

译者:

出版时间:2004-12

价格:29.00

装帧:平装

isbn号码:9787805872247

丛书系列:

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好的，这是一份关于一本名为《西方音乐史》的图书的简介，这份简介将侧重于其他非西方音乐史的主题，旨在展现一部内容丰富的、涵盖全球音乐文化的研究专著。 --- 图书名称：《世界音乐全景：人类文明的声波图景》 书籍简介： 《世界音乐全景：人类文明的声波图景》是一部宏大叙事的音乐人类学与文化史著作，旨在带领读者超越传统西方中心主义的视角，深入探索全球范围内丰富多彩、形态各异的音乐传统。本书并非一部简单的“非西方音乐概览”，而是以严谨的学术态度和生动的叙事方式，构建了一幅跨越地域、跨越时代的全球音乐文化交响图。 本书的结构围绕地球的几个主要文化板块展开，力求展现不同地理环境、社会结构和精神信仰如何塑造了独特的音乐表达方式。 第一部分：古老东方与神圣回响 这一部分聚焦于亚洲，特别是东亚和南亚的音乐遗产。 东亚的精微之境： 我们将探讨中国的雅乐传统，解析其“礼”与“乐”相结合的哲学基础，以及在不同历史时期（如唐宋的宫廷音乐与明清的民间戏曲）的演变。重点将放在传统乐器如古琴、琵琶的演奏技法、音律体系以及其在文人阶层生活中的核心地位。随后，我们将转向日本，深入剖析雅乐（Gagaku）的庄严与印度尼西亚甘美兰（Gamelan）音乐的复杂交织复调结构，探讨其在宗教仪式和宫廷庆典中的功能性角色。 南亚的灵性脉络： 印度次大陆是本书浓墨重彩的一章。我们不仅会详述印度斯坦音乐（Hindustani）和卡纳蒂克音乐（Carnatic）两大古典体系的精髓，包括宏大的拉格（Raga，旋律框架）和塔拉（Tala，节奏循环）理论，还将介绍其即兴创作的核心原则。读者将了解拉格如何被视为一种表达特定情感和时间点的“声音物质”，以及塔布拉鼓（Tabla）和西塔琴（Sitar）大师们如何通过精湛的技艺实现声音与精神的沟通。 第二部分：非洲大陆的生命律动 非洲是节奏的摇篮，本书将非洲音乐视为一种动态的、功能性的艺术形式。 西非的口述历史： 我们将深入马里、加纳等地，考察格里奥特（Griot）传统——那些集历史学家、说书人和音乐家于一身的社会精英。通过对科拉琴（Kora）和鼓语（Talking Drums）的研究，揭示音乐在维护社会结构、传承口头历史中的不可替代的作用。 中非与南非的仪式场域： 探讨中非部落的集体歌唱和舞蹈如何服务于生命周期仪式（如成年礼和葬礼）。在南非部分，我们将聚焦于当代音乐的根源，分析祖鲁人合唱（Isicathamiya）的复杂和声结构，以及其如何在种族隔离时期成为抵抗和身份认同的有力象征。 第三部分：美洲的原初之声与融合之歌 美洲大陆的音乐故事是一个关于冲突、适应与创新的故事。 原住民的宇宙观： 我们将考察北美大平原的传统歌谣、北美西北海岸的仪式性雕刻与歌舞，以及南美安第斯山脉地区排箫（Siku）音乐的声学特性，理解这些音乐如何与自然环境和祖先崇拜紧密相连。 加勒比与拉丁美洲的熔炉： 重点分析非洲、欧洲和美洲原住民文化在殖民化进程中相互碰撞、融合所产生的独特音乐形态。从古巴的颂歌（Son）到巴西的桑巴（Samba）和波萨诺瓦（Bossa Nova），本书将解析这些流派如何成为国家身份认同的标记，并探讨节奏与和声在不同文化间是如何被重新诠释和挪用的。 第四部分：中东与中亚的游牧与苏菲之韵 本部分考察横跨欧亚大陆的伊斯兰文化圈的音乐特性。 阿拉伯世界的“麦卡姆”体系： 详细介绍阿拉伯音乐的复杂音阶体系——麦卡姆（Maqam），探讨其如何通过微小的音程（如四分之一音）创造出深沉的情感张力。我们将研究乌德琴（Oud）的演奏技艺，以及赞美诗（Mawwal）在叙事中的表现力。 波斯与土耳其的诗性表达： 探究波斯传统音乐中对诗歌的极致推崇，以及细密而精巧的演奏技巧。同时，也将介绍苏菲派音乐中的“转圈舞”音乐与吟诵，揭示这些声音实践如何作为通往神性体验的媒介。 结语：全球音乐学的未来视野 在全书的最后，作者将反思音乐作为一种跨文化交流语言的潜力，探讨在当代全球化背景下，传统音乐如何应对现代性的挑战，以及音乐人类学研究方法论的最新发展方向。 《世界音乐全景》超越了对特定流派的简单罗列，它提供了一套理解人类音乐现象的框架——即任何音乐都是特定社会、历史和物质条件下的产物。它邀请读者以开放的心态，聆听来自世界各个角落，那些与西方古典传统截然不同，却同样深刻、动人且充满智慧的声波叙事。本书是所有对世界文化、人类学以及非传统音乐形态抱有浓厚兴趣的学者、学生和音乐爱好者的必备之选。

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装帧和排版方面，这本书也透露出一种极度严肃的学术态度，这无疑增加了它的权威性，但同时也牺牲了一定的可读性。纸张选择了偏黄的哑光纸，墨色深沉，字体紧凑，几乎没有留白，每一页都塞满了密密麻麻的文字，让人望而生畏。最让我感到不便的是，书中几乎没有插图——没有乐谱片段，没有乐器演变图，甚至连作曲家的肖像都极其稀少，偶尔出现也只是作为文献引用的一部分，而非视觉的锚点。这种“去图像化”的处理，使得那些抽象的、关于音乐结构或社会背景的描述，缺乏直观的参照物。比如，当作者描述某个时期管弦乐队编制的变化时，我完全无法想象出具体乐器组合的音色差异，只能依靠脑海中对其他资料的零星记忆来填补这个空白。这使得这本书更像是为已经身处该领域、对历史情境和主要人物了如指掌的专业人士准备的参考书，对于希望通过直观感受来入门或深化理解的新读者来说，这样的“纯文本”呈现方式无疑设置了一道不小的门槛。

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翻到中间部分，我尝试寻找一些具体作品的“内幕”或深入的分析，希望能听见那些经典乐章在文字中“开口说话”。令我意外的是，作者对具体乐谱的引用和技术分析少得可怜，仿佛他特意绕开了音乐学中最常引用的那些“证据”。相反，他更热衷于描绘特定历史时期音乐家们的生活状态和他们所处的知识圈子。我印象特别深的是关于十八世纪巴黎歌剧院的段落，作者描绘了当时的观众席文化——贵族们如何将观看歌剧变成一种社交展示，音乐成了背景板，而焦点往往集中在服饰、八卦和政治站队上。这种“剧场人类学”的描述非常生动，让我仿佛置身其中，感受到了那种浮华与艺术创作之间微妙的张力。但这种对社会现象的侧重，让我感觉有些“痒而不中求”。我期待的，比如对奏鸣曲式结构如何被贝多芬突破的精妙解析，或是对德彪西和声语言的色彩描述，在本书中几乎找不到踪影。这本书更像是一位洞察世事人情的历史学家写给其他历史学家的“旁观者清”之作，而非一位音乐鉴赏家写给音乐爱好者的“同行相知”之书。对于追求纯粹的音乐本体论探讨的读者来说，可能会觉得有些隔靴搔痒。

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这本厚厚的精装书，封面设计得颇具古典韵味，墨绿色的底色配上烫金的字母，让人一眼就能感受到它沉甸甸的历史分量。我抱着极大的期待翻开了第一页，原以为会立刻被巴赫那严谨的对位法或是莫扎特那如水晶般剔透的旋律所包围，然而，我发现这本书似乎将笔墨更多地聚焦于那些宏大的社会变迁和哲学思潮如何潜移默化地影响了艺术的表达。它更像是一部社会文化史的侧写，而非传统的作曲家传记或曲目赏析手册。例如，书中对中世纪教会音乐的论述，并没有过多纠缠于格里高利圣咏的音高细节，而是深入剖析了“神圣性”这一概念如何在当时的社会结构中得以确立，以及音乐如何成为维护这种精神权威的工具。我读到关于文艺复兴时期“人文主义”抬头时，作者花了大量篇幅去探讨世俗阶层的崛起如何催生了对更具人性化、更贴近情感表达的音乐形式的需求，而非简单地罗列出新出现的复调技法。这种宏观的叙事视角，虽然拓宽了我的视野，让我开始思考音乐背后的“为什么”而非仅仅是“是什么”，但坦白讲，对于一个期待能找到清晰的音乐风格演变脉络的初学者来说，开篇的学术气息略显浓重，需要较高的专注度才能跟上作者的论证节奏。

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最后，这本书在结论部分的处理也颇为耐人寻味，它似乎拒绝给出一个明确的“收尾”或对未来趋势的断言。在探讨到二十世纪初的“现代性危机”时，作者并没有像许多音乐史著作那样，在勋伯格或斯特拉文斯基那里戛然而止，或者乐观地展望电子音乐的未来。恰恰相反，作者笔锋一转，开始探讨“历史感”本身在艺术中的瓦解，以及技术进步对“传统”音乐权威性的消解过程。他似乎更关注的是，当音乐脱离了宗教、宫廷和民族叙事的强力支撑后，它所面临的身份危机和哲学困境。这使得全书的氛围最终笼罩着一种宏大叙事的疲惫感和对现代性下艺术价值的深刻反思。我合上书时，脑海中没有激昂的交响乐章的旋律回响，反而充满了一种沉静的、关于“何以为真”的哲学追问。这本书教会我的不是如何欣赏音乐的技巧，而是如何批判性地审视音乐史书写的权力与偏见，它更像是一部关于“我们是如何写下音乐历史的”的历史书，而非音乐本身的编年史。

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这本书的写作风格，与其说是教科书，不如说是哲学思辨录。作者的句式非常复杂，长句嵌套长句，引经据典的跨度极大，从柏拉图的理念论跳到席勒的审美教育，中间几乎没有明显的转折，全靠读者自己去搭建逻辑的桥梁。这种行文方式，对阅读体验构成了一种持续的挑战。比如，当他谈论到浪漫主义音乐中“无限渴望”的主题时，他引用了叔本华的“意志”概念，然后马上转到某个作曲家对调性模糊的处理上，再回溯到早期德语艺术歌曲中的“流浪汉”意象，三者之间的联系需要读者进行大量的二次加工和整合。我承认，这种深度的连接确实提供了不同于以往的理解维度，它揭示了音乐在那个时代是如何回应了整个西方知识界对“形而上学”的追问。然而，对于那些习惯了清晰的主题句、分段论述和明确结论的读者而言，阅读过程可能会变得非常耗神，甚至有点令人沮丧。我常常需要反复阅读一个段落好几遍，才能勉强抓住作者试图传达的核心观点，总感觉自己像是在攀登一座没有明显路标的陡峭山崖。

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