具体描述
《色彩·写生·艺术》中我们将重点讨论写生中有关色彩原理和色彩具体应用方法,并结合范图介绍一些水粉画的常用技法。我们选择了许多大学低年级学生基础课程中的水粉画作品,将它们分类编排,供读者参考。这些作业虽然不能说尽善尽美,但都是基础课程中比较优秀的作品。我们确信,通过每一章节的理论引导和对画面、技巧、技法的分析,读者会顺着这个思路去了解范图中所体现出来的合理的色彩关系和正确的表现方法。
为了使读者在水粉画写生中不至于陷入单一的套路,我们提供给读者的是正确的认识方法和如何解决写生中常常遇到的问题,而不是写生的步骤和固定的模式。随着一个个问题的解决,读者在学习水粉画的实践中将逐渐被色彩诱惑,同时也将尝到玩味色彩的乐趣,因而会更加灵活地控制画面,久而久之也就积累了作画经验。我们希望读者在学完《色彩·写生·艺术》的每一个章节后,反复地去试着画几次,这样便可以很容易地掌握其中的规律,也就能够迅速地掌握技法。
作者简介
作者简介
王君瑞,1957年生于中国吉林省白山市,1984年毕业于鲁迅美术学院油画系并留校任教。主讲基
础和专业课程。1989年在鲁迅美术学院油画系教授素描、油画、文化考察、毕业论文和毕业创作等课
程。1994年任中央〔艺美术学院基础部讲师,主讲素描、色彩、风景写生等课程。
1991年油画《草原的秋天》获得日本东京“中国的四季”展铜奖并被收藏。1993年油画《森林中
的小溪》获“博雅油画大赛”优秀奖并被收藏,同年在中央美术学院美术馆举办“王君瑞油画展”。
1997年赴法国、英国等欧洲国家访问考察,并在巴黎国际艺术城举办“王君瑞油画展”。同年秋,
油画《牧牛》入选法国第108届独立沙龙艺术作品展。1998年油画《收》参加中央工艺美术学院赴法
国艺术作品展。1999年参加中国美术馆“学院化状态”八人展。
目录信息
第一章 选择对象和观察对象
一、选择画面的主题
二、两种不同的观察方法
第二章 色调
一、构成色调的方法
1色块的比例
2同类色
3色彩并置
二、色调的美感
第三章 对比
一、色彩的三个基本要素
二、冷与暖
三、纯与灰
四、繁与简
第四章 水粉画常用技法及应用
一、干、湿法
1干画法
2湿画法
二、视觉混色
1点彩
2色面推移
3并置法
4堆积法
三、肌理
1立粉法
2拼贴法
3刮法
四、笔触
1平涂
2顺笔
3逆笔
4拖笔
附图
参考图
· · · · · · (收起)
读后感
用户评价
坦白说,这本书的某些部分对于初学者来说,可能需要反复研读,因为它所探讨的维度已经超越了基础的“怎么调色盘”的层面,直抵色彩心理学和美学史的交汇点。其中对印象派、野兽派乃至后现代艺术中色彩语言的梳理,逻辑清晰,脉络分明,但其背后的洞察力需要读者具备一定的艺术史背景才能完全领会其精髓。例如,书中对梵高晚期作品中色彩振幅的分析,不再是简单地描述他用了多少镉黄,而是深入探讨了那种高饱和度色彩在当时社会背景下,如何成为一种强烈的个人宣言。这种宏大的视野,将技术层面的描绘提升到了文化批判的高度。虽然阅读过程需要投入较多精力,但它带来的知识复利是惊人的。它教会我的不是如何画出好看的颜色,而是如何通过颜色,去理解并参与到人类的审美进化史中。读完后,我对所有见过的艺术作品都会产生一种“回溯”的欲望,想重新审视那些曾经被我忽略的色彩细节。
我本来以为这是一本偏向技法讲解的工具书,毕竟书名听起来就带有很强的实践导向,但读完之后才发现,我大错特错了。它更像是一部关于“观察”哲学的散文集。作者并没有直接告诉你“你应该怎么画”,而是引导你如何“看见”这个世界。特别是其中关于“影子”的那一章,颠覆了我过去对阴影的刻板印象。过去我总是把阴影视为“没有光”的部分,但作者却细致入微地分析了不同光源下,物体边缘反射光和环境色是如何悄悄地在阴影中织就了一张五彩斑斓的网。我试着去户外写生时,按照书中的思路去捕捉那些微妙的灰色和紫色,结果画出来的作品立刻有了一种“呼吸感”。这本书的文字功底极其深厚,叙事节奏舒缓而有力,常常在不经意间,抛出一个极具穿透力的观点,比如“线条是疲倦的,只有色彩是永恒的自由表达”。对于长期在固定套路中挣扎的创作者来说,这本书简直是冲破桎梏的一股清流,它鼓励你犯错,鼓励你去探索色彩表达的无限可能性,而不是被既定的规则所束缚。
这本书最令我感到惊喜的,是其中关于“不确定性”的坦诚讨论。作者似乎并不害怕暴露自己在创作过程中的迷茫与挣扎,反而将其视为艺术的本质。在介绍几种高难度色彩调和技巧时,作者坦言,即便他自己也常常需要靠“运气”和“直觉”来完成最后一步的定调。这种近乎自传式的坦诚,极大地拉近了读者与作者之间的距离。它不是一本高高在上的理论圣经,而是一位经验丰富的老友,坐在你身边,和你一起面对画布上的困境。书中收录的那些作者自己的练习草稿和未完成的作品,比那些精修的成品更能给我力量,因为它们展示了“过程”的美丽,而非仅仅是“结果”的完美。我尤其喜欢其中关于“户外光线瞬息万变”的片段描述,寥寥数语,便描绘出在盛夏正午,色彩如何从强烈的对比瞬间滑向柔和的平铺,这种对时间流逝的捕捉能力,是通过文字和图像的完美结合实现的,令人拍案叫绝。这本书,是献给所有敢于在画布上面对混沌的实践者的礼物。
这本书的排版设计大胆得令人赞叹,它完全打破了传统美术书籍那种规矩对称的布局。有些页面,插图占据了三分之二的空间,而文字则像是一条蜿蜒的小溪,恰到好处地环绕其间,绝不喧宾夺主。更绝的是,它将一些极其复杂的理论,比如“互补色的张力”或“视觉残留效应”,用极其简洁、近乎数学公式般的美感呈现出来,既保持了学术的严谨性,又避免了晦涩难懂。我尤其欣赏作者对于“失真之美”的探讨。他没有一味地追求写实的完美复制,反而花了大篇幅论述在极端光照或强烈情绪下,色彩应该如何被“夸张”和“扭曲”,以达到更深层次的情感传递。这让我对“写生”的定义有了全新的理解——它不仅仅是对外部世界的忠实记录,更是对内心感受的诚实翻译。每一次翻阅,都像是在进行一次新的探索,总能发现之前因为过于专注于某一个细节而忽略掉的另一层深意,其信息密度之高,令人咋舌。
这本书的装帧设计简直是视觉的盛宴,那种纸张的质感,微微带着粗砺却又细腻入微,让人爱不释手。封面那几抹色彩的碰撞,不是那种张扬的炫目,而是一种沉静的对话,仿佛在低语着某种古老的秘密。我翻开第一页时,那种油墨散发出的淡淡清香,瞬间将我带入了一个完全不同的空间,一个没有时间流逝的、只专注于光影和笔触的宁静之地。作者对于色彩的理解,绝非停留在基础的红黄蓝三原色上,而是深入到了光线如何改变颜料本身的“情绪”。比如,某一章节对清晨薄雾中水彩晕染效果的描摹,那种湿润感几乎要穿透纸面,让人感觉指尖都能沾染到那份湿气。书中对不同媒介的探讨也极具启发性,尤其是在处理单一颜色时,如何通过笔法的变化赋予它生命力,简直是大师级别的展示。阅读过程中,我常常需要停下来,不是因为内容晦涩,而是因为某些画面或理论实在太过精妙,需要时间去消化,去感受那种“顿悟”的喜悦。这本书更像是一本邀请函,邀请你放下杂念,真正地用眼睛去“听”色彩的声音。