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出版者:商务印书馆

作者:欧阳中石

出品人:

页数:186

译者:

出版时间:1997-09

价格:13.00元

装帧:平装

isbn号码:9787100022316

丛书系列:中国文化史知识丛书

图书标签:

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《西方油画的兴衰：从文艺复兴到现代主义的视觉变革》 内容提要： 本书是对西方油画艺术发展历程进行的一次全面而深入的学术梳理与鉴赏之旅。我们聚焦于油画媒介自其在欧洲大陆的成熟与确立，直至二十世纪现代主义浪潮冲击下其传统体系的瓦解与重塑。全书以时间为轴线，结构清晰地勾勒出欧洲艺术史中几个关键转折点上，油画技术、主题内容、审美范式与社会功能所发生的深刻变化。 本书摒弃了纯粹的断代史罗列，而是着重探讨了“为什么”——即在特定的历史、哲学、科学和社会背景下，画家们是如何选择并革新他们的工具（油画颜料、画布、光线处理）和表达方式（透视、色彩理论、构图）。 第一部分：曙光的奠基——文艺复兴的黄金时代（约1400-1600年） 本部分深入探讨了油画技术在意大利和尼德兰地区的萌芽与飞速发展。从早期佛兰德斯画派对油性媒介的实验性运用，到佛罗伦萨和威尼斯画派对光影、空间和人体解剖学的科学探索，我们详细分析了凡·艾克、提香、达·芬奇等大师如何通过油画媒介实现前所未有的细腻质感和色彩的深度。 技术革新与媒介哲学： 油画如何取代蛋彩画成为主流？颜料的层叠技法（如“薄涂”与“罩染”）如何改变了色彩的视觉效果和持久性？ 人文主义与主题重塑： 肖像画的兴起，神话题材如何被“世俗化”处理，以及油画在表现宏大叙事时的结构性优势。 威尼斯画派的色彩革命： 对“线条（Disegno）”与“色彩（Colore）”的争论，以及提香如何以自由奔放的笔触预示了后世的绘画方向。 第二部分：巴洛克与洛可可的戏剧性与感官愉悦（约1600-1780年） 这一时期，油画成为绝对的权力工具和宗教宣传的载体。本书将详细分析巴洛克艺术中光线和动感的极端运用。 卡拉瓦乔的“黑暗革命”： 深入解析其“明暗对照法”（Tenebrism）在心理刻画和社会批判上的巨大威力。 鲁本斯的活力与感官冲击： 分析其对油画厚涂技法的掌握，如何通过饱和的色彩和动态的构图来表达强烈的生命力。 北方（荷兰）的“小画派”： 重点研究伦勃朗如何运用油画的丰富层次来表现内在精神世界，以及维米尔如何通过对室内光线的精确捕捉，将日常场景提升到近乎宗教般的永恒感。 洛可可的柔情蜜意： 探讨华托、布歇等人如何利用柔和的色彩和细腻的笔触，来迎合贵族阶层的感官需求，以及油画在材质表现上的登峰造极（如丝绸、皮肤的表现）。 第三部分：启蒙、学院与沙龙体制的束缚（约1750-1850年） 在启蒙思想的推动下，艺术试图回归古典的理性与道德。本书探讨了古典主义和浪漫主义运动中，油画作为官方艺术语言的规范化过程。 大卫的“冰冷精确”： 分析学院派对清晰轮廓、严谨构图和历史主题的推崇，油画如何被要求服务于道德教育。 浪漫主义的颠覆与情感的释放： 德拉克洛瓦和戈雅如何打破既定的色彩规则，使用更自由、更具表现力的笔触来传达激情、恐惧与异域风情。油画的“完成度”标准开始松动。 风景画的独立： 英国和德国的风景画家（如透纳、卢梭）如何将油画的视觉效果提升到与历史画相媲美的地位，特别关注他们对大气效果的模拟。 第四部分：现代主义的前夜——媒介的解放（约1850-1900年） 这是油画历史上最关键的转折点。工业革命、摄影术的诞生以及科学色彩理论的成熟，彻底动摇了传统油画的根基。 现实主义的直接观察： 库尔贝拒绝“美化”，直接以厚重的油彩描绘粗粝的现实生活。 印象派的革命： 深入解析莫奈、雷诺阿等人如何将油画颜料直接应用于画布，捕捉瞬间光影，笔触变得不再“隐藏”，而是成为画面结构的一部分。色彩理论（如补色关系）如何被直接应用于油画实践。 后印象派的结构回归： 塞尚对油画结构和几何基础的重构，梵高对颜料的狂热堆积（Impasto）所带来的强烈主观性，以及高更对纯粹色彩的运用，为立体主义和野兽派铺平了道路。 结论：油画的终结与转向 本书最后总结了二十世纪初期，当油画媒介被完全“解构”后，它如何被其他媒介（如装置艺术、摄影）所挑战。传统油画作为“再现世界”的主要工具的使命基本完成，其核心关注点转向了媒介本身（画布、颜料、笔触）的物质性，最终导向抽象表现主义的爆发。 本书特点： 1. 技术与理论并重： 不仅介绍画家，更解析其使用的颜料配方、画布准备和笔触技巧。 2. 跨文化比较视角： 适时引入日本浮世绘对欧洲绘画的影响，以展示油画演变并非孤立事件。 3. 学术严谨性： 基于最新的艺术史研究成果，对长期存在的艺术史误解进行审视和修正。 本书适合所有对西方艺术史、绘画技法、视觉文化研究有深厚兴趣的读者、专业学生和油画创作者。它提供了一个清晰的脉络，理解油画这种媒介如何在近六百年的历史中，从一种服务于宗教和王权的工具，演变为承载现代个体意识和视觉哲学的载体。

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读完这本书，我最大的感受是，它真正做到了“以文载道”。作者在阐述书法技法的同时，巧妙地融入了大量的历史背景和哲学思考。比如，在解析颜真卿的楷书时，书中没有简单地描述其“雄强”或“端正”，而是深入挖掘了盛唐气象对颜体风格形成的影响，将书法视为特定时代精神的载体。这种深度的解读，使得原本枯燥的笔画练习变得富有生命力。我以前总觉得书法是一种纯粹的技能，但这本书让我明白，每一个转折、每一个钩挑，都蕴含着书写者的人生阅历和心性修养。特别是关于“气韵生动”的探讨，书中引用了大量古代文人的论述，结合现代美学的视角进行重新诠释，让“道”与“法”的界限变得模糊而又和谐。这对我个人而言，不仅是学习了一门技艺，更是一次对中国传统文人精神的深度精神洗礼。

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如果要用一个词来形容这本书的阅读体验，我会选择“沉静”。全书的文字风格非常内敛、克制，没有华丽辞藻的堆砌，更没有空泛的赞美，一切都以严谨的学术态度和深厚的文化底蕴为支撑。阅读时，我的心绪也自然而然地被这种沉静的氛围所感染，仿佛能感受到古人临帖时的那种“心无旁骛，唯见笔下”的状态。这种风格的形成，想必是作者本人长期浸润于传统文化之中的结果。书中对于“静气”在书法创作中的重要性有着精妙的论述，强调外在形式的完美最终要归于内在精神的统一。对于当代社会中浮躁的我们来说，这本书提供了一个难得的“慢下来”的契机，它教导的不仅是写字的方法，更是如何通过一笔一划，构建起内心的秩序和宁静。这是一种无声的教诲，比任何说教都来得更为有力。

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这本书在实用性上做得极为到位，特别是对于像我这样想从零开始练习的“小白”而言，简直是救星般的存在。它不是那种高高在上、只展示大师作品的画册，而是非常贴心地提供了分步骤的教学指导。比如，在学习“永字八法”时，书中不仅展示了范例，还配有细致入微的讲解，从执笔的力度、腕部的转动到指法的配合，描述得如同手把手教学一般清晰。我试着按照书中的建议调整了我的握笔姿势，立刻感觉到对毛笔的控制力增强了不少。更难能可贵的是，它对不同书体（如篆书的圆转、隶书的蚕头燕尾）的起笔收笔细节捕捉得极其精准，甚至连墨色的浓淡变化对整体效果的影响都有提及。这种详尽到近乎苛刻的讲解，极大地减少了初学者走弯路的时间，让人感觉学习书法不再是一件遥不可及的挑战，而是一条清晰可见的成长路径。

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这本书的文献资料搜集和考据工作令人赞叹，其广度和深度，完全超越了我对一本常规教材的预期。它不仅仅停留在对“王羲之”和“苏轼”的简单介绍上，而是将大量的篇幅用于探讨不同朝代书风的流变，以及地域性对书法风格的影响。我特别留意了关于魏晋南北朝时期碑学与帖学分野的章节，作者通过对比不同出土墓志铭的拓片，清晰地勾勒出了当时书法从注重“法度”向追求“意趣”转变的微妙过程。书中还穿插了许多鲜为人知的小故事，比如某位书法家因为某种生活变故而导致的笔法突变等，这些细节极大地丰富了历史的立体感，让枯燥的史料变得生动起来。阅读过程中，我感觉自己像是在一位博学多识的学者带领下，系统地梳理了中国书法艺术数千年的发展脉络，对整个艺术史的认知有了质的飞跃。

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这本《中国书法》的装帧设计简直是艺术品！封面采用了仿宋体的烫金工艺，在柔和的米白色封面上散发出低调而又不失庄重的光泽，初次捧在手里，就有一种对中华文化的敬畏感油然而生。内页的纸张选择也颇为考究，那种略带粗粝感的宣纸质感，即便是用普通铅笔在旁边做笔记，都能感受到墨香似乎要渗透出来。我尤其欣赏它在排版上的用心，每一幅名家碑帖的复制都力求还原原作的神韵，留白恰到好处，既保证了视觉的舒适度，又使得观者能够将全部注意力集中于笔画的提按顿挫之中。书中的字体选择跨越了篆、隶、楷、行、草五体，从甲骨文的古朴到现代书法的洒脱，仿佛进行了一场穿越时空的对话。对于初学者来说，它提供的不仅仅是范本，更是一种沉浸式的文化体验，让人在欣赏美的同时，也被这种对线条的极致追求所深深吸引。它成功地将一本严肃的艺术理论书籍，变成了一件值得珍藏的工艺品，光是放在书架上，都觉得整个房间的文化气息都提升了好几个档次。

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扫盲普及本。有机会还是要去西安看碑林呐！

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一本书法简史。很多见解给不写书法的朋友看还是很不错。

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扫盲普及本。有机会还是要去西安看碑林呐！

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