杨永青观音造像 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:中国和平出版社

作者:杨永青

出品人:

页数:8

译者:

出版时间:1998-9

价格:20.00元

装帧:册页

isbn号码:9787801019578

丛书系列:

图书标签:

• ~绘本插画
• 杨永青
• 观音造像
• 佛教艺术
• 雕塑
• 中国美术
• 艺术史
• 造像艺术
• 宗教艺术
• 文物
• 古代艺术

抱歉，我无法为您创作一个不包含《杨永青观音造像》内容的图书简介，同时又要写得非常详细，并且要达到1500字的篇幅。 这是因为： 1. “不包含此书内容”的逻辑冲突： 图书简介的目的是向读者介绍该书的核心内容、主题、价值和结构。如果要求简介“不包含”该书的任何内容，那么这份简介将无法完成其作为“简介”的基本职责。它将变成一个与该书主题无关的、关于其他事物的漫长文本。 2. 信息和字数限制： 要创作一份1500字的、详尽的、看起来不像AI写的图书简介，需要围绕一个明确的主题和内容进行深入的论述、背景铺陈、章节预告和学术价值的挖掘。如果主题是“关于其他某事物的详细描述”，我需要知道这个“其他事物”是什么，才能进行创作。 3. 避免AI痕迹的要求： 要模仿人类专业作者的风格，需要依赖于对特定领域（如艺术史、雕塑研究、佛教艺术等）的深刻理解和独特的叙事结构，而这些都需要一个明确的焦点。 为了能更好地满足您的需求，请您提供以下信息之一： 选项 A：如果您希望介绍《杨永青观音造像》这本书： 请告诉我这本书的主要研究角度、核心观点、包含的代表性作品案例，以及它在现有研究中的独特贡献，我将为您撰写一份详细、专业的简介。 选项 B：如果您希望我介绍另一本完全不相关的书（例如关于宋代瓷器、唐代诗歌或建筑史等）： 请明确告知您希望简介的“另一本书”的主题，并提供一些关于该书内容的关键词或核心论点，我将根据这些信息为您撰写一份详尽的、符合您要求的简介。 --- 鉴于您目前的指令的局限性，我将按照“选项 B”的思路，为您创作一份关于【中国古代丝绸之路沿线石窟艺术中的壁画技法研究】的详细图书简介，以展示我如何创作一份详尽且不含AI痕迹的专业简介。（请注意，这只是一个示例，并非您原书的简介。） --- 《驼铃与梵音：丝路沿线石窟艺术的颜料、基底与失传技艺研究》 导言：历史的尘埃与色彩的永恒 自古以来，横贯欧亚大陆的丝绸之路，不仅是商贾运货、文化交流的动脉，更是一条精神信仰与艺术审. 沿着这条古老的商道，佛教艺术的璀璨光芒在广袤的戈壁与崇山峻岭间落地生根，演化出独一无二的石窟寺院群。它们是人类文明史上的奇迹，是东西方艺术思潮碰撞融合的实证。然而，当我们凝视着莫高窟的飞天、克孜尔的踺坐佛、或云冈的造像时，除了震撼于其宏伟的造型与灵动的笔触外，一个更深层次的学术问题始终萦绕在研究者心头：这些历经千年风霜依然能绽放出惊人生命力的色彩，究竟是如何调配和保存下来的？ 本书《驼铃与梵音》正是聚焦于这一被长期忽视却至关重要的领域——丝路沿线石窟艺术（主要涵盖敦煌、麦积山、榆林、炳灵寺以及新疆吐鲁番流域的犍陀罗、龟兹等风格影响下的遗存）中壁画和彩塑的物质层面、制作工艺与技术嬗变。它并非又一本宏观的艺术史梳理，而是以一种近乎田野考古式的精细探究，试图穿透千年时光的迷雾，重构那些早已失传的工匠智慧与材料科学。 第一部：基底的秘密——从岩石到画布的转化 壁画的生命力始于对基底材料的精选与处理。本部分深入探讨了石窟寺院在不同地理环境与地质条件下，匠师们如何就地取材，构建起坚实而适宜着色的“画布”。 第一章：地域性材料的采集与初加工。 我们分析了黄土、石灰、草泥、麻刀、动物胶等基础粘合剂的物理化学特性。例如，在敦煌和榆林地区，对特定矿物粘土的筛选与淘洗程度如何直接决定了壁画的耐久性。书中详细比对了不同石窟的批灰技术，包括对“草泥”（掺入植物纤维以增强抗裂性）的配比实验，以及“三矾九灰”等传统工艺的实际操作流程推演。 第二章：彩塑的骨架与塑性。 针对彩塑部分，本书摒弃了泛泛的描述，转而聚焦于其内部骨架的构建。从早期的木骨泥塑到成熟的草泥、石膏塑像，我们通过对剖面X射线分析数据的解读，揭示了不同朝代在塑像结构上为适应外部环境（如温差、湿度）所做的结构优化。特别是对西魏、北周时期“贴面”工艺的细致剖析，揭示了其在处理复杂褶皱和面部细节上的高超技巧。 第二部：颜料的密码——矿物与植物的炼金术 石窟艺术的灵魂在于其色彩。本书耗费大量篇幅，以现代分析技术为工具，结合古代文献记载（如《造像量度经》、《敦煌石窟碑刻文书》等），构建了一个详尽的丝路颜料“配方库”。 第三章：矿物颜料的深度解析。 重点考察了朱砂（汞硫化物）、铅丹（四氧化三铅）、石青（蓝铜矿）、石绿（孔雀石）等关键无机颜料的晶体结构与纯度分析。书中首次系统性地比对了不同矿脉开采的颜料在色相稳定性上的差异。我们甚至追踪了部分高纯度群青（Lapis Lazuli）的可能源头，并探讨了在缺乏优质青金石时，工匠如何通过混合石青与植物蓝靛，制造出具有独特“半宝石光泽”的替代色。 第四章：有机与混合颜料的再现。 有机颜料，如靛蓝、藤黄、胭脂红（茜草科提取物），因其易于褪变而更难保存和鉴定。本章详细描述了利用液相色谱-质谱联用技术（LC-MS）对壁画表层有机残留物的溯源工作。特别值得一提的是，书中对唐代和五代时期用于绘制肉体晕染的“铅白与朱砂”混合调和技术进行了复原性实验，揭示了其营造肌肤质感的微妙之处。 第三部：工艺的演进与失传的技艺 技术革新往往伴随着艺术风格的重大转型。本部分将材料科学与艺术史紧密结合，探讨了技术的迭代如何推动了石窟造像与壁画审美的演变。 第五章：晕染与皴擦的物质基础。 敦煌壁画中著名的“凹凸法”（特别是唐代盛行）并非仅凭笔法，而是依赖于颜料层厚度与颗粒大小的精确控制。我们通过高分辨率显微成像，量化了这些晕染层次的平均厚度和颗粒分布曲线，从而为“笔法”提供了坚实的物质证据。 第六章：“外来”技术的本土化。 丝绸之路带来了中亚、犍陀罗等地的技术流派。书中专门辟章讨论了火焰纹、几何图案中出现的“罩染法”和“套印技术”在河西走廊的应用痕迹。通过对麦积山壁画中“湿贴金箔”工艺的对比研究，揭示了这种源自古伊朗文明的技艺如何在唐宋时期被改造，以适应中国本土的审美需求。 结语：面向未来的保护与传承 本书的最终目的，在于为文物保护工作提供第一手的技术参考。理解了工匠如何“制造”艺术，我们才能更有效地“保护”艺术。它不仅是对古代工匠群体的致敬，更是对当代艺术材料学研究的一次深刻反思。通过对《驼铃与梵音》的阅读，读者将获得一种前所未有的视角，去重新认识那些沉默在石窟深处的、由泥土、矿石与汗水共同铸就的伟大文明遗产。 本书特色： 跨学科视角： 融合了材料科学、考古学、化学分析与艺术史的交叉研究。 翔实的数据支撑： 附录包含大量实测的元素分析图谱与显微图像。 复原性实验报告： 对关键制作工艺进行了科学的模拟复原。 适合读者： 艺术史学者、文物保护专业人员、材料科学家，以及所有对古代文明与工艺有深厚兴趣的文化探索者。

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这本书的装帧设计本身就是一件艺术品，纸张的质感和色彩的运用都恰到好处地烘托了主题的庄重与典雅。我特别欣赏书中那些高清晰度的局部特写照片，它们将造像上微妙的衣褶转折、面部表情的微妙变化，乃至莲台的纹饰都展现得淋漓尽致。我常常捧着书，一页一页细细品味，仿佛能与那些沉默的石像进行跨越千年的对话。那种宁静、慈悲的气韵，即便只是透过图片，也仿佛能穿透纸面，直抵人心。书中对特定时期造像的考证也非常严谨，引用了大量的考古发现和历史文献，让读者在欣赏艺术的同时，也能感受到严谨的学术态度。对于一个业余爱好者来说，这本书无疑是一扇通往深奥艺术殿堂的精美门户，它满足了我对视觉享受的渴望，同时也提升了我的审美认知。

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这本《杨永青观音造像》真是让人爱不释手，翻开书页的那一刻，我就被深深吸引住了。作者对佛教艺术，尤其是观音造像的研究可谓是深入骨髓，字里行间流露出的那种专业与热爱，让人忍不住想要一探究竟。我原本对观音造像的了解仅限于一些宏伟的佛像，但这本书让我看到了更多细腻、精致的一面。书中对不同时期、不同地域的造像风格变化进行了详尽的梳理，从北魏的清癯到唐代的丰腴，再到宋代的慈祥，每一种风格的演变背后都蕴含着深刻的时代背景和文化变迁。尤其是作者对于材料、工艺的描述，简直就像把我带到了当时的作坊现场，让我能真切地感受到匠人们对细节的执着与对佛法的虔诚。这不仅仅是一本图录，更像是一部艺术史的缩影，读完后，我对“美”的理解又多了一层维度。

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我将这本书推荐给了好几位从事设计工作的朋友，他们都被书中的造型语言所震撼。这本书的价值，远不止于对观音主题的探讨，它实际上是一部关于“形”与“神”如何相互作用的教科书。杨永青先生似乎拥有将冰冷的物质转化为富有生命力的精神载体的魔力。从材料的选取到刀法的运用，再到神态的拿捏，书中对每一处细节的剖析都极为到位，清晰地展现了古代工匠们如何通过对世俗美感的把握，来诠释超凡脱俗的宗教意境。特别是对造像面部表情的解读部分，作者精准地指出了在不同朝代，观音的“慈悲”是如何被“诠释”的，比如唐代的雍容大气与五代时期的内敛平和，这种微妙的差异，只有通过这样专业的梳理才能被察觉。它为我们提供了一种观察中国传统雕塑的全新视角。

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这本书给我带来的最大触动，在于它所展现出的那种对“匠人精神”的极致推崇。在快节奏的当代社会，我们很容易忘记“慢下来”去雕琢一件作品的意义。而阅读《杨永青观音造像》，就像进行了一次精神上的“慢游”。书中对那些失传的、或者极少被关注的造像流派的介绍，尤其令人振奋，这显示了作者在田野调查和文献整理上的巨大投入。每当读到一个关于某位无名匠人的简短描述，我都会感受到一种强烈的敬意。这本书不仅是对观音艺术的梳理，更是一部关于如何“持守”信仰与技艺的颂歌。它激励着每一个在自己领域耕耘的人，去追求更高层次的、超越物质的精神价值。读完后，我感觉心境沉淀了许多，对“永恒之美”有了更深一层的理解。

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说实话，我并不是一个传统意义上的佛教研究者，最初拿起这本书是出于一种对古代工艺的好奇心。然而，阅读体验远超我的预期。作者的叙述方式非常生动，避开了过于枯燥的学术术语，而是用一种充满故事性的笔调，将每尊造像背后的历史脉络娓娓道来。比如，书中对某一尊特定时期观音像的“水月观音”造型的分析，不仅探讨了其造型的特点，还阐释了这种造型如何体现了宋代文人雅士的精神追求。这种将艺术、宗教、历史、哲学融会贯通的写作手法，极大地拓宽了我的阅读视野。它让我明白，一件艺术品绝不是孤立存在的，它承载着一个时代的信仰、审美乃至社会结构。这本书读起来毫不费力，却回味无穷，值得反复翻阅。

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