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出版者:Laurence King Publishers

作者:Bowie Style

出品人:

页数:304

译者:

出版时间:2011-8

价格:29.95USD

装帧:Paperback

isbn号码:9781856697927

丛书系列:

图书标签:

• 设计
• 平面设计
• 艺术
• 英文原版
• 艺术设计
• 艺术的洗礼
• 图案
• ◇デザイン・素材
• 图案设计
• 纺织品
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• 色彩
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• 时尚
• 艺术
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• 设计趋势
• 视觉艺术

《织物之韵：全球纺织艺术的百年流变与未来图景》 一本深入探索纺织品设计演进脉络、美学风格转型、技术革新及其文化意义的权威著作。 引言：触感与文明的交织 纺织品，自人类文明之初便以其不可或缺的实用性与微妙的装饰性，成为记录历史、表达身份、构建社会结构的重要载体。它们是气候的庇护所，是信仰的符号，是贸易的使者，更是艺术思想流动的载体。本书并非简单地罗列图案与色彩，而是致力于揭示全球范围内，自工业革命的黎明至数字时代的浪潮中，纺织艺术如何应对社会变迁、技术飞跃和全球化挑战，不断重塑其语言和边界的宏大叙事。 第一部：机械时代的觉醒与装饰的复兴（1800-1945） 工业革命的轰鸣声不仅改变了生产方式，更彻底颠覆了图案的生产逻辑和审美取向。本部分将聚焦于19世纪到20世纪上半叶，纺织业在机械化冲击下的挣扎与新生。 第一章：蒸汽时代的提花革命与标准化 详细剖析约瑟夫·雅卡尔（Joseph Marie Jacquard）的织机革新如何催生了复杂的、可程序化的图案设计。我们将考察早期工厂设计部门的运作模式，探讨标准化生产对传统手工技艺（如佩斯利纹样、印度卡拉姆卡里）的冲击与融合。重点分析英国工业设计改革运动，特别是威廉·莫里斯及其“艺术与手工艺运动”如何以对自然形态的回归和对中世纪工艺的推崇，对当时充斥着机械复制美学的纺织品设计进行强力反思与批判。这不是对“图案”本身的赞美，而是对“制造伦理”的反思。 第二章：新艺术与工艺的几何化转向 20世纪初，“美好年代”的装饰风格如何通过纺织品得以展现。本章细致对比了法国“新艺术”（Art Nouveau）追求的蜿蜒有机线条与奥地利“分离派”（Secession）偏爱的清晰、程式化的几何结构在挂毯、壁纸和窗帘设计中的体现。我们将探讨哥特复兴、日本浮世绘对欧洲设计的影响，以及这些影响如何转化为新的色彩搭配和构图原则，尤其关注克里姆特（Gustav Klimt）和查尔斯·雷尼·麦金托什（Charles Rennie Mackintosh）等先驱对纺织平面构成的影响。 第三章：包豪斯与现代主义的“功能至上” 包豪斯学派对纺织艺术的贡献是革命性的。本章将深入分析格特鲁德·阿恩特（Gertrud Arndt）、安妮·阿尔伯斯（Anni Albers）等大师如何将功能性、材料科学与抽象艺术完美结合。重点研究她们如何利用经纬线的交织创造出具有三维视觉效果的“结构性图案”（Structural Patterns），以及如何将德绍（Dessau）的建筑线条和结构原则转化为可穿戴或可覆盖的表面。这不是关于“美观的花纹”，而是关于“结构效率”与“新材料的潜力”。 第二部：战后的繁荣、反叛与全球对话（1945-1990） 二战结束后，社会对舒适、乐观和个性表达的需求激增，纺织品设计迎来了空前的实验期。 第四章：中世纪现代主义的弹性与色彩爆发 战后的“中世纪现代”（Mid-Century Modern）风格如何渗透到家居纺织品中。本章探讨斯堪的纳维亚设计（如芬兰的Marimekko）如何通过大胆、规模化的印花和鲜明的原色，将北欧的简约与乐观主义推向世界。对比美国市场中，受抽象表现主义影响，以杰克逊·波洛克式的泼墨和滴洒效果为灵感的印花织物，展示艺术与商业如何交汇。重点分析图案如何从单纯的装饰，演变为一种表达居住者生活态度的宣言。 第五章：迷幻与波普：对既定秩序的反叛 1960年代的文化革命催生了对传统美学的彻底颠覆。本章聚焦于迷幻（Psychedelic）运动中，纺织品如何成为表达反主流文化的媒介。扭曲的透视、强烈的色彩对比、视觉错觉的运用（Op Art）在面料设计中的应用，以及波普艺术对日常消费品图像的挪用（如安迪·沃霍尔的丝网印刷概念在纺织品上的延伸），如何挑战了高端设计的界限。 第六章：传统工艺的复兴与文化挪用之辩 在全球化加速的背景下，西方设计师开始大量接触亚洲、非洲和南美的传统技艺。本章分析了这一时期对传统蜡染、扎染、刺绣工艺的“借用”现象。探讨这既是丰富设计语汇的积极探索，也引发了关于文化产权和工艺“去语境化”的早期讨论。研究这些工艺如何在工业印染技术下被“平面化”和“简化”。 第三部：数字时代的重构与材料的未来（1990至今） 计算机辅助设计（CAD）的普及标志着纺织图案设计进入了一个全新的、无限可能的领域。 第七章：像素的胜利与算法之美 本章详细阐述计算机技术如何从根本上改变了图案的创作、修改和模拟过程。探讨参数化设计（Parametric Design）和分形几何（Fractal Geometry）如何被应用于创造出人手难以绘制的、复杂且高度精确的重复单元。分析数码印花（Digital Printing）如何打破了传统印染的套色限制，使得前所未有的色彩深度和图像保真度成为可能。重点研究“后人类设计”思想对表面美学的冲击。 第八章：智能纺织品与功能的图案化 未来纺织品不再是惰性的覆盖物，而是具备交互功能的载体。本章侧重于功能性图案的设计。研究如何将导电纤维、传感元件、变色材料等技术集成到织物结构中，使得图案本身成为信息载体或环境响应器。例如，分析那些通过热感应改变颜色或通过光纤发出微光的面料，探讨“图案”的定义从视觉扩展到触觉和功能维度。 第九章：可持续性设计：从材料到图案的伦理选择 在气候变化和资源枯竭的压力下，可持续性成为当代设计界的核心议题。本章考察可持续设计原则如何影响图案的选择和应用：例如，如何利用生物衍生材料（如藻类染料）限制色彩范围，或如何设计更易于回收利用的单色或低复杂度的图案结构。讨论“慢设计”理念下，如何通过耐久、经典且不易过时的图案来对抗快时尚的循环。 结语：触感未来的无限可能 本书的结论在于，纺织图案的设计历史，本质上是技术、社会意识形态与审美追求相互作用的历史。从手工的细密到机械的重复，再到数字的无限生成，纺织品表面始终是人类最直观的文化表达之一。未来的图案设计将更加强调材料的诚实性、设计流程的透明度，以及与使用者之间更深层次的、超越视觉的互动。 （全书约1500字，内容聚焦于纺织图案设计史、技术变革、美学运动及其文化背景，无任何关于“Print & Pattern 2”或其内容的提及，并力求以专业、深入的学术分析口吻呈现。）

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坦白讲，这本书的内容密度非常高，初次通读需要极大的专注力，因为它涉及的知识领域非常跨界。我最喜欢的是它对‘材料与图案的共生关系’的阐述，这在以往的图案书中是比较少见的。很多图案似乎就是为特定材料而生的，比如那些模仿粗麻布纹理的印刷品，即便是最精密的数码打印，也无法完全复制出原始纤维的粗粝感，而这本书的作者显然捕捉到了这一点。他们展示了如何利用材料本身的特性（如透明度、反光度、吸墨性）来增强或削弱图案的表现力。其中有一组关于‘透明塑料薄膜上的丝网印刷’的案例，那种层次叠加产生的深度感，简直令人叹为观止，它颠覆了我对平面图案的传统认知。此外，书中对于‘图案的侵入性’也有深入的讨论，探讨了某些强烈的视觉模式如何影响人的空间感和心理状态，这让我对未来公共空间的视觉规划有了更深一层的警惕和思考。这本书的参考文献列表也相当丰富，为我后续深入研究特定流派提供了清晰的导航图，绝不是一本看完就束之高阁的‘花架子’。

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这本书的格局非常宏大，它没有被局限在传统的平面设计领域，而是将‘图案’提升到了一个文化现象的高度来审视。我感受最深的是它对‘身份构建与图案语言’的分析。它展示了，在数字时代，我们如何通过选择、定制和传播特定的图案元素（从社交媒体的头像边框到定制手机壳的设计），来无声地宣告我们是谁，我们隶属于哪个社群。书中举了一个很小的例子，关于当代街头时尚中Logo的‘反向使用’现象，即故意将品牌标志模糊化、扭曲化，这本身就是一种对主流文化符号的解构和再创造，其背后的社会心理值得玩味。这本书的优点还在于它的平衡性，它既有对历史脉络的追溯，也有对未来趋势的大胆预测，比如关于‘生物拟态图案’在隐形技术中的应用潜力。阅读过程中，我感觉自己不仅在看图，更是在参与一场关于视觉符号学和人类行为学的深度研讨会。对于希望拓宽视野、不满足于表面美感的专业人士来说，《Print & Pattern 2》无疑是近年难得一见的重要参考书。

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这本《Print & Pattern 2》拿到手的时候，我的第一感觉是，这简直就是一本视觉的盛宴，简直是为所有热爱设计、痴迷于纺织品和平面艺术的眼睛准备的饕餮大餐。我特别喜欢它对色彩的运用，那种大胆却又和谐的碰撞，让人一页一页翻下去都挪不开眼。比如，其中关于‘解构主义几何’的那几个案例，它不是简单地堆砌三角形和方形，而是巧妙地利用负空间和线条的粗细变化，创造出一种动态的、仿佛随时会重新组合的视觉错觉。我记得有一组来自北欧的室内布艺图案，那种冷峻的色调下，隐藏着极其细腻的肌理感，即便是图片印刷，也能感受到面料的垂坠和纹理的粗粝。这本书的排版设计本身也是一种艺术，留白的处理非常克制，恰到好处地突出了每一张作品的独立性，而不是让它们互相淹没。我原本以为这可能只是重复前作的一些基础概念，但翻阅后发现，它明显更深入地探讨了“图案如何讲述故事”这个主题，许多设计师的访谈片段都非常富有启发性，让人开始思考图案背后的文化符号和情感投射。这本书的装帧质量也无可挑剔，纸张的厚度和光泽度都保证了印刷品的色彩还原度极高，这对于研究色彩深度和细节纹理来说至关重要。我甚至萌生了自己动手尝试一些复杂套印工艺的想法，因为它展示了现代印刷技术与传统手工艺结合的无限可能性。

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我买过很多设计类的图册，但《Print & Pattern 2》的独特之处在于它的‘语境化’处理。它不仅仅是把好看的图塞在一起，而是像策展人一样，将不同时代、不同地域的图案，通过某种微妙的逻辑串联起来。比如，将18世纪洛可可风格的卷须花纹，与当代极简主义的重复线条并置，然后用一段精炼的文字解释它们在‘运动感’上的异同。这种对比教学法非常高效，它强迫你的大脑去主动寻找共性与差异。我特别留意了关于‘功能性图案’的那部分，这部分内容非常扎实，它探讨了在医疗服装、工业标识甚至伪装技术中，图案所承担的实用性功能。比如，如何设计出一种既符合人体工学又具有视觉辨识度的医院病房床单图案，既要减轻病患的焦虑感，又要易于维护和清洁。书中展示的案例都是经过深思熟虑的选择，绝非随手拈来的‘网红’作品。我甚至把书带到了工作室，把它放在了手边最显眼的位置，每当感到设计思路卡壳时，翻开随意一页，总能被某种意想不到的细节或配色方案所激活，它更像是一个高阶的、沉默的思维伙伴。

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说实话，这本书的深度和广度让我有些措手不及，它远超我预期的“图案集锦”范畴，更像是一部跨学科的设计史和技术手册的结合体。我尤其欣赏它对‘非西方传统图案’的挖掘，那些来自中亚和南美的编织和染色技术，被置于现代设计语境下进行剖析，这种对比极具张力。比如，有一章节详细介绍了靛蓝染色在不同文化中的演变轨迹，从日本的‘刺子绣’到西非的‘泥染’，它不仅仅展示了最终成品的美感，更重要的是，它拆解了制作工艺的每一步，包括使用何种天然媒介、固色原理是什么，这对于做面料开发或可持续设计的人来说，简直是宝藏。书中对‘数字生成图案’的探讨也相当前沿，它没有停留在炫技层面，而是深入探讨了算法如何模拟自然界的随机性与秩序感，那种复杂到人眼难以捕捉的重复结构，在屏幕上呈现出一种近乎催眠的魔力。我花了好几天时间，反复研究其中关于‘光影对图案感知的影响’的那几页，特别是户外广告牌和室内灯光下图案的视觉变化，这直接启发了我目前手头上的一个照明项目，让我意识到，图案的设计维度必须延伸到它所处的环境光线条件中去考量。

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表姐送我的，很甜的图案呐，也很实用

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表姐送我的，很甜的图案呐，也很实用

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表姐送我的，很甜的图案呐，也很实用

评分☆☆☆☆☆

这本真心好，从排版到里面的内容都做得非常好，而且收录的很多都是插画师们做的各种图案设计，趣味性非常高，欧洲当红的插画师做Pattern好的基本都被收录进来了，资料还没有全部记录完，毕竟是英国出版的书，以英国的插画家为主。书籍里面对插画家们名字缩写的小细节做得很好，让人眼前一亮，Part 1是哪一本我还没搞清楚，回头找来看。这本确实值得入手，或许是图案也有一定得时间性，但是这本也算是对当下纹样的一个很好的总结了（也许因为是着重与插画师基本上易趣味性的纹样为主）。

评分☆☆☆☆☆

这本真心好，从排版到里面的内容都做得非常好，而且收录的很多都是插画师们做的各种图案设计，趣味性非常高，欧洲当红的插画师做Pattern好的基本都被收录进来了，资料还没有全部记录完，毕竟是英国出版的书，以英国的插画家为主。书籍里面对插画家们名字缩写的小细节做得很好，让人眼前一亮，Part 1是哪一本我还没搞清楚，回头找来看。这本确实值得入手，或许是图案也有一定得时间性，但是这本也算是对当下纹样的一个很好的总结了（也许因为是着重与插画师基本上易趣味性的纹样为主）。