具体描述
《手绘技法》介绍了水粉画的技法，讲述了风景色彩，详细讲述了常用的绘画技法，结合专业重点讲解了手绘技法在平面专业、环境艺术设计专业、动漫设计与制作专业中的应用，着重讲解了结合软件和手绘板绘制花卉、绘制动漫人物的技法。
《手绘技法》紧密结合高职高专人才培养的需求，精心筛选内容，整体结构清晰，层次分明，系统性、逻辑性、针对性强；内容由浅入深，逐步深入，循序渐进，便于教师讲解、学生学习；书中引用了优秀作品，供学生欣赏、临摹、仿效、练习，便于教师教学讲解；另外，还选取了部分学生的作品，供学生分析、练习，便于调动学生学习的积极性、主动性，提高学生的想象力和创作能力。
《手绘技法》不仅可作为高职高专电脑艺术类、美术类人才培养的专业教材，也可作为大专、本科生的教学、参考用书，还可作为绘画爱好者的自学用书。
作者简介
目录信息
读后感
这种书，按说不能只是“看”，需要按照书中的指导练习，只是因为我是借自图书馆，要还，所以就是浏览一下，这说来不是科学的使用工具书的办法。 做为教材，这本书中规中矩，从中可以了解基础画法、种类等知识，如果真做练习的话，倒也的确还有不足之处。 我近来因为学习绘画...
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评分这种书，按说不能只是“看”，需要按照书中的指导练习，只是因为我是借自图书馆，要还，所以就是浏览一下，这说来不是科学的使用工具书的办法。 做为教材，这本书中规中矩，从中可以了解基础画法、种类等知识，如果真做练习的话，倒也的确还有不足之处。 我近来因为学习绘画...
用户评价
手捧着《手绘技法》，我仿佛置身于一个充满灵感和创意的宝库之中。我一直以来都对奇幻世界的描绘抱有浓厚的兴趣，想象着那些只存在于脑海中的生物和场景，却苦于无法将其转化为具象的画面。这本书中关于“想象力的释放与具象化”的章节，为我提供了宝贵的启示。作者并非鼓励我们凭空想象，而是强调要将想象力建立在对现实世界的观察和理解之上。他以大量的奇幻生物和场景为例，深入讲解了如何将现实中的元素进行组合、变形、夸张，从而创造出独特而富有想象力的画面。例如，关于“生物的造型与解剖”，作者并未局限于现实中的动物骨骼，而是引导我们去思考，如果一个生物拥有翅膀，它的骨骼结构会是怎样的？如果它拥有坚硬的鳞甲，它的肌肉又是如何分布的？这种基于逻辑的想象，让我的创作不再是天马行空的乱画，而是有了坚实的根基。我开始尝试着去拆解和组合现实中的动植物，去想象它们在不同的环境下会呈现出怎样的形态，并尝试将这些想象通过绘画表现出来。书中关于“环境与氛围的营造”的讲解，也让我受益匪浅。作者指出，一个好的奇幻场景，不仅仅是画出主角，更重要的是要通过背景、光影、色彩来营造出独特的氛围，让观者身临其境。他指导我们如何运用昏暗的光线、诡异的色彩、破碎的景物来表现阴森恐怖的场景，如何运用明亮的色彩、壮丽的风景、飞舞的光点来表现梦幻美好的世界。
评分《手绘技法》这本书，在我看来，绝对是一本值得反复品读的艺术指南。我一直以来都对漫画角色的设计和创作充满热情，但总觉得自己的角色不够有辨识度，造型单一，缺乏吸引力。这本书中关于“角色设计的原则与技巧”的章节，为我提供了巨大的帮助。作者并非简单地教授如何画出五官和发型，而是深入到如何通过角色的外形、服饰、配饰来展现其性格、职业、背景故事。他强调，每一个设计元素，都应该服务于角色的整体塑造。书中关于“角色的外形比例与风格化”的讲解，让我受益匪浅。作者指出，不同的角色比例，可以赋予角色不同的气质，例如修长的比例可以表现优雅，矮胖的比例可以表现可爱或憨厚。他鼓励我们去尝试不同的风格化处理，例如写实的、卡通的、Q版的等等，从而找到最适合角色的表现方式。我开始尝试着去为同一个角色设计不同的比例和风格，去感受它们带来的不同效果。关于“服饰与配饰的设计”，书中更是进行了细致的讲解。作者认为，服饰不仅仅是遮蔽身体的衣物，更是角色性格和身份的延伸。他指导我们如何根据角色的设定，来设计符合其身份和性格的服饰，例如，一个勇士的铠甲应该是什么样的？一个魔法师的长袍又有什么特点？我开始尝试着去深入研究不同职业和时代背景下的服饰特点，并将其运用到我的角色设计中，这让我的角色造型更加丰富和有层次感。
评分当我拿到《手绘技法》这本书时，我正处在一个绘画的瓶颈期，感觉自己的作品总是缺乏灵气，停滞不前。《手绘技法》如同一场及时雨，彻底颠覆了我原有的认知。书中关于“结构与比例”的讲解，并非枯燥的几何理论，而是充满了生动的比喻和巧妙的示范。作者以生活中的实例，比如建筑的黄金分割、人体的骨骼比例，来解释这些看似抽象的法则如何融入到我们日常所见的万物之中。他鼓励我们去拆解事物的内在逻辑，理解它们是如何“构建”起来的，而不是仅仅模仿表面的形态。这一点对我尤其重要，我常常因为无法准确把握物体的三维感而感到困扰，但通过作者的讲解，我开始明白，只要理解了其内在的结构，即便从不同的角度观察，也能绘制出真实可信的形象。书中还提到了“透视原理”的应用，这部分内容对于初学者来说通常是晦涩难懂的，但作者用通俗易懂的语言，配合清晰的插图，将复杂的二维画面如何表现三维空间的效果解释得淋漓尽致。我尝试着按照书中的方法，去绘制一些简单的几何体，然后逐渐过渡到更复杂的场景，惊喜地发现，画面的空间感和立体感有了显著的提升。这种循序渐进的学习方式，让我逐渐克服了对透视的恐惧，并开始享受其中带来的乐趣。此外，书中对于“光影的塑造”也进行了深入的探讨。作者不仅仅讲解了光源的类型和方向如何影响物体的明暗，更重要的是，他阐述了光影如何能够引导观者的视线，如何塑造物体的体积感和材质感。他用生动的例子说明，即使是同一物体，在不同的光线下也能呈现出截然不同的视觉效果和情感氛围。我开始尝试着去观察日常生活中的光影变化，并尝试将这些观察到的细节运用到我的绘画中，这让我的作品更加富有层次感和表现力。
评分当我翻开《手绘技法》这本书时，我原本以为它会像其他绘画教程一样，充斥着枯燥的理论和刻板的示范。然而，这本书却给了我截然不同的体验，它更像是一位经验丰富的画匠，在毫无保留地分享他的创作心得和独到见解。我一直对建筑的描绘很感兴趣，但总是难以准确捕捉建筑的结构和比例，画出来的作品显得呆板而缺乏生气。书中关于“建筑与透视”的章节，简直是为我量身打造的。作者并非简单地讲解透视的基本原理，而是将复杂的透视法则融入到实际的建筑描绘中，让我们理解透视是如何影响建筑的形态和空间感的。他用生动的案例，展示了如何运用一点透视、两点透视来表现不同角度下的建筑，如何通过线条的收缩和汇聚来营造画面的深度感。我曾经对透视感到十分头疼，但通过书中清晰的讲解和丰富的插图，我逐渐掌握了透视的奥秘，并开始享受用透视来表现建筑的乐趣。书中对“建筑细节的表现”也进行了深入的探讨，例如窗户的形状、屋顶的纹理、墙壁的材质等等。作者强调，正是这些细节，才赋予了建筑独特的个性和生命力。他指导我们如何用不同的笔触和技法来表现这些细节，例如用细腻的线条刻画窗户的轮廓，用粗犷的笔触表现墙壁的斑驳，从而让建筑画面更具质感和层次感。
评分初次翻开《手绘技法》这本书，我原本只是带着一种模糊的期待，想着或许能学到一些基础的绘画技巧，让我的涂鸦不再那么“业余”。然而，书页翻动间，一种意想不到的惊喜悄然滋生。作者并非简单地罗列线条、色彩的组合，而是像一位循循善诱的老师，将绘画的灵魂注入到每一个字里行间。他以一种近乎诗意的语言，描绘了如何捕捉光影的微妙变化，如何用简单的笔触勾勒出事物的生命力。我尤其对其中关于“观察力”的章节印象深刻。作者强调，绘画并非仅仅是手的工作，更是眼睛与心灵的对话。他引导我们去“看见”物体表面的纹理，去感受空气中流动的气息，去体会不同材质带来的触感。这种观察方式，极大地拓展了我对周围世界的感知。书中举例的许多小物件，从一杯水到一片落叶，都被赋予了独特的生命和故事。我开始尝试着在生活中，以一种新的视角去审视这些平凡的景物，仿佛它们都在向我诉说着自己的秘密。这种从“看”到“理解”的升华，是我之前从未曾想过的。而且，书中对于不同绘画工具的讲解，也并非停留在表面的介绍，而是深入到它们的特性、最佳使用时机以及如何通过它们来表达不同的情感。例如，关于铅笔的软硬程度如何影响线条的质感，水彩的晕染效果如何营造朦胧的美感，甚至是一支普通的中性笔，在作者手中也能挥洒出独特的韵味。我曾一度认为自己与绘画无缘，总觉得是天赋不足，但这本书让我明白，真正的技法，往往隐藏在对细节的极致追求和对情感的真挚表达之中。它不仅仅是一本教授绘画技巧的书，更是一本关于如何重新认识世界、如何与世界对话的书。我迫不及待地想将这些心得应用到我的实践中，去描绘我心中那些鲜活的画面。
评分拿起《手绘技法》这本书，我仿佛开启了一场奇妙的绘画之旅。我一直以来都对静物写生的表现形式情有独钟，但总觉得自己的作品缺乏生命力，画面显得呆板而缺乏温度。这本书中关于“捕捉事物的灵魂”的章节，为我提供了全新的视角。作者并非仅仅教授如何精确地描绘物体的外形，而是引导我们去“感受”物体本身所蕴含的生命力和故事。他以一系列生动的案例，展示了如何通过对光影、色彩、纹理的细致观察和刻画，来赋予物体独特的个性和情感。例如，关于“光影的戏剧性表现”，作者强调，光影并非只是简单的明暗对比，它可以是舞台上的聚光灯，可以是被时间打磨的痕迹，更可以是隐藏在事物深处的灵魂。他指导我们如何利用光影来塑造物体的体积感、材质感，以及如何通过光影的变化来营造画面的氛围和情感。我开始尝试着去观察日常生活中的光影变化，去感受它们带来的温暖、冷冽、神秘等不同情绪，并尝试将这些情绪运用到我的静物画中，这让我的画面充满了生命力和感染力。书中关于“色彩的情感表达”的讲解，也让我受益匪浅。作者认为，色彩不仅仅是视觉的呈现，更是情感的语言。他指导我们如何运用色彩的冷暖、饱和度、明度来表达不同的情绪，例如，温暖的色彩可以表现热情和喜悦，冷峻的色彩可以表现宁静和忧伤。我开始尝试着去理解不同色彩的组合所产生的化学反应，去感受它们在画面中碰撞和交融所带来的丰富情感，这让我的静物画作在情感表达上有了显著的提升。
评分《手绘技法》这本书，在我看来，不仅仅是一本关于如何画画的书，更是一本关于如何“感知”和“表达”的书。我一直以来都觉得自己的绘画基础薄弱，对于色彩的运用更是捉襟见肘，总是调不出自己想要的颜色，画出来的作品也显得灰蒙蒙的。这本书恰恰满足了我在这方面的迫切需求。书中关于“色彩的和谐与对比”的章节，简直是为我量身定做的。作者并非简单地罗列色轮和色彩搭配公式，而是深入浅出地讲解了色彩的情感属性，以及如何通过色彩的冷暖、明暗、饱和度来营造不同的氛围和情绪。他用许多极具说服力的范例，展示了如何在画面中运用色彩来增强视觉冲击力，如何利用色彩的对比来突出主体，以及如何通过色彩的微妙变化来传递细腻的情感。我曾一度认为，色彩的运用全凭感觉，但这本书让我明白，色彩背后有着深刻的规律和原理。我开始尝试着去理解不同颜色之间的相互关系，去感受它们在画面中碰撞和融合产生的化学反应。书中关于“色调的统一”的讲解，更是让我豁然开朗。我之前常常因为色彩过多而导致画面混乱，但作者提供的方法，让我学会如何运用统一的色调来营造画面的整体感和协调性。我发现，即使使用许多不同的颜色，只要处理好它们之间的关系，也能让画面显得和谐而有秩序。此外，书中还提到了“材质的表现”这一重要技巧。作者通过细腻的笔触和丰富的案例，展示了如何运用不同的绘画手法来表现不同的材质，例如丝绸的光泽、金属的冰冷、木头的纹理、布料的柔软等等。他强调，对材质的准确描绘，能够极大地增强画面的真实感和触感。我开始尝试着去观察和模仿不同材质的视觉特征，并运用到我的绘画中，这让我的作品在质感上有了明显的提升。
评分《手绘技法》这本书，我只能说，它彻底刷新了我对“学习绘画”的认知。我一直以来都认为，绘画是一种天赋，要么有，要么没有，而且我总是觉得自己的手不够灵活，大脑的想象力也受限，画出来的东西总是不尽如人意。但这本书，它让我明白，绘画更像是一种“语言”，一种可以通过学习和练习来掌握的表达方式。作者在书中，并非仅仅教授绘画的技巧，更是引导我们去“读懂”生活中的各种“符号”。例如，关于“物体形态的概括与提炼”，作者以非常有趣的方式，让我们看到，一个复杂的物体，都可以被简化成最基本的几何形体，而这些形体之间相互组合的关系，构成了物体的整体。他用一系列的案例，从简单的水果到复杂的交通工具，都进行了细致的分解和概括，让我开始学会用一种更为宏观的视角去看待事物。这一点对我来说非常重要，我之前常常陷入到对细节的纠结中，反而忽略了整体的形态。通过作者的引导，我开始学会“抓住重点”，先用简单的线条勾勒出物体的基本轮廓，再逐步添加细节，这样大大提高了我的绘画效率。此外，书中关于“线条的运用”的讲解，也让我受益匪浅。作者不仅仅讲解了直线、曲线、折线等基本线条的形态，更重要的是，他阐述了线条所蕴含的情感和表现力。例如，流畅的曲线可以表现柔美和优雅，粗犷的折线可以表现力量和刚毅，而虚实的结合，则可以营造出空间的深度和层次感。我开始尝试着去探索不同线条的组合方式，去感受它们在画面中产生的不同效果，这让我的画作在表现力上有了显著的提升。
评分《手绘技法》这本书，如同一本精心打磨的艺术宝典，让我看到了绘画的无限可能性。我一直以来都对风景的描绘情有独钟，但总觉得自己的画作缺乏意境，画面显得平淡乏味，无法真正传达出大自然的壮丽和细腻。这本书中关于“自然元素的表现”的章节，恰恰弥补了我的不足。作者并非简单地教授如何描绘树叶、云朵、水流，而是深入到如何捕捉自然界中最微妙的光影变化，如何表现不同天气下的天空色彩，以及如何运用线条和笔触来塑造景物的质感和空间感。书中对“天空与云彩”的描绘，让我印象尤为深刻。作者指出，天空并非单调的蓝色，而是充满了丰富的光影层次和色彩变化，例如日出日落时的霞光，阴雨天时厚重的云层，甚至是微风拂过时云朵的动态。他指导我们如何用不同的笔触和颜色来表现这些变化，让天空的画面更具生命力和感染力。我开始尝试着去观察不同时间、不同天气下的天空，去感受其中色彩的微妙变化，并尝试将这些观察到的细节运用到我的风景画中，这让我的天空画面不再是简单的背景，而是成为了画面的重要组成部分。关于“水与植被的描绘”，书中也进行了细致的讲解。作者强调，水的光泽、涟漪、倒影，以及植物的枝叶、花朵、草地，都有其独特的形态和质感，需要用不同的笔触和技法来表现。他指导我们如何用流畅的线条表现水流的动态，如何用细腻的笔触刻画植物的细节，从而让画面更具真实感和生动感。
评分收到《手绘技法》这本画册，我最先被吸引的是其封面设计——简洁而富有力量，仿佛预示着这本书将带我进入一个充满创造力的世界。我一直以来都对人物的描绘充满兴趣，但总觉得自己的作品人物表情僵硬，肢体比例失调，缺乏生命力。这本书中关于“人物的动态与表情”的章节，为我打开了一扇新的大门。作者并非简单地教授解剖学知识，而是将复杂的骨骼和肌肉结构，用一种更为直观和艺术化的方式呈现出来。他强调，要理解人物的动态，关键在于捕捉其内在的“动势”和“节奏”，而不是死记硬背人体比例。书中通过大量的写生示范，展示了如何通过人物的姿态、身体的倾斜、四肢的舒展来表现人物的情绪和性格。我开始尝试着去观察街上行人的姿态，去体会他们肢体的语言，并尝试将这些观察到的动态运用到我的绘画中。这一点对我帮助很大，我发现，只要抓住人物最关键的几个动态点，即使细节不够完美，画面也能立刻生动起来。关于“面部表情的刻画”，书中更是进行了细致入微的讲解。作者详细分析了眼睛、眉毛、嘴巴等五官的细微变化如何组合成丰富多样的表情，例如喜悦、悲伤、惊讶、愤怒等等。他强调，表情并非仅仅是五官的简单堆叠，而是情感在面部神经上的自然流露。我开始尝试着去观察和模仿自己和他人的面部表情，并用不同的笔触和力度来表现这些细微的变化，这让我的画作人物的面部表情更加富有层次感和感染力。
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