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出版者:安徽美术

作者:常俊

出品人:

页数:196

译者:

出版时间:2011-8

价格:88.00元

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isbn号码:9787539828138

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笔尖下的众生相：从速感到精修的肖像与动态捕捉技法 本书简介 本书聚焦于人物绘画基础理论的深度剖析与多元化场景下的动态捕捉实践，旨在为绘画学习者提供一套系统、实战性强、且富含艺术洞察力的技法指南。我们不关注单一系列或特定风格的重复案例堆砌，而是着重于“观察、理解、转化”这三大核心步骤在人物速写与精修过程中的应用。 第一部分：解构人体——结构与比例的精确理解 (Anatomical Foundation) 本部分是建立扎实绘画基础的关键。我们不满足于表面的人体轮廓，而是深入探讨骨骼、肌肉群的起止点、受力关系，以及它们如何影响身体表面的体积感和动态张力。 骨骼系统在动态中的透视： 详细分析头骨、胸腔、骨盆这三大核心“稳定器”在不同姿态下（如扭转、倾斜、负重）的透视变化。重点讲解十字线与中轴线如何在复杂的动态中保持其稳定性和引导性。 肌肉群的体积塑造与简化： 探讨如何将复杂的人体肌肉分解为易于理解的几何体块，并学习如何根据光影关系来定义肌肉的“隆起”与“凹陷”。书中提供了大量的“肌肉简化图谱”，展示了如何用最简洁的线条概括出肩胛肌群、背阔肌、大腿前侧肌群的体积感，而非仅仅临摹其表皮形状。 比例的弹性与艺术处理： 摒弃一成不变的“标准比例”，转而研究不同年龄、性别、体态（如健美、柔弱、老年）下的人体比例差异。我们提供了一套“可变比例参考系统”，指导读者在保持人体结构合理性的前提下，如何通过对躯干、四肢长度的调整，来塑造特定的人物性格或增强画面的戏剧性。 第二部分：动态的捕捉与生命力的注入 (Capturing Movement and Energy) 速写的精髓在于“快”与“准”，但更深层次在于捕捉“动态的意图”。本部分将训练读者从观察者转变为动态的“能量接收器”。 线条的叙事性： 分析不同线条特质（如粗细变化、力度、流畅度）如何传达动作的速度、重量和情绪。探讨“韵律线”的运用，即如何用一根贯穿整体的抽象线条来定义整个动作的流动方向，避免人物姿势的僵硬。 瞬间的凝固与时空感： 讲解如何分析一个动作的“起势、高潮、收尾”三个阶段，并学习如何在“高潮”瞬间截取最具张力的结构。书中提供了大量关于跑步、跳跃、跌倒、平衡等高难度动态的瞬间力学分析图解，重点在于如何用夸张或精炼的手法，使静止的画面依然充满运动的惯性。 环境对动态的影响： 探讨风力、重力、接触面（如湿滑地面、不平坦的台阶）如何作用于人物，并使姿态发生微妙的变化。学习如何通过环境的反馈来增强人物动作的真实感和说服力。 第三部分：面部与神态的深度刻画 (Facial Expression and Psychological Depth) 人物的灵魂在于面部表情。本部分侧重于如何超越五官的描绘，直达人物内心的挖掘。 表情肌的运作与组合规律： 详细分解“喜、怒、哀、惧”等基本情绪下，额头、眼周、口周的肌肉群的协同运动。提供了表情的“模块化分析”，使读者能够将复杂的、混合的情绪（如“带着讽刺的微笑”）进行拆解和重组。 头部的透视与角度： 深入讲解“三庭五眼”在极端仰视、俯视、侧视等复杂角度下的结构变化，重点在于眼眶、颧骨、下颌角在不同角度下对光影的遮挡与反射。 眼神与心理暗示： 分析瞳孔、虹膜、眉毛与眼睑之间的微小互动如何构建人物的内心世界。探讨如何通过眼神的聚焦与涣散来暗示角色的专注度或迷茫感。 第四部分：光影、材质与场景融合 (Light, Texture, and Environment Integration) 一个成功的人物速写或精修作品，必须能与环境和谐共存。本部分关注如何利用光影和材质感来增强人物的立体感和故事性。 光影对体积的定义： 系统讲解固有色、环境光、轮廓光三者如何共同作用于人体表面。重点分析在特定光源下（如侧逆光、顶光），身体关键部位（如脖颈下方、关节凹陷处）的阴影如何准确地揭示结构转折。 材质的表现： 探讨如何用不同的笔触和色阶变化来区分不同材质——例如布料的褶皱、皮肤的光滑、金属的反光——在人体上的附着效果。特别训练了皮革、粗麻布料在人体动态拉伸下的纹理变化。 从单体到群像的构图逻辑： 讲解如何处理多个人物在同一场景中的空间关系、视觉焦点引导和虚实处理，确保群像作品中每个角色都能清晰有效地传达其在故事中的作用。 本书旨在提供一个“思维工具箱”，而非单纯的“临摹范例集”。通过对人体的结构、动态的本质、表情的深度以及光影关系的透彻理解，读者将能够应对任何未知的写生或创作挑战。

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说实话，当我拿到这本书时，我有些担心它会是那种充斥着大量重复性、缺乏新意的“凑数”作品集，但事实证明我的担忧是多余的。这本书的编排逻辑非常清晰，它从基础的形体结构出发，逐步过渡到复杂的情绪表达和环境互动。我特别喜欢它在“环境与人物关系”的处理上所下的功夫。很多速写书只关注人本身，但这本书会让你思考：这个人是站在拥挤的街道上，还是在空旷的公园里？光线是从头顶的太阳直射下来，还是透过树叶斑驳地洒在他身上？书中给出的范例，通过背景线条的疏密和地面投影的延伸，完美地将人物融入了场景之中，极大地丰富了画面的叙事性。对于我个人而言，我一直很难解决人物动作的连贯性问题，总觉得画出来的人“僵硬”不自然。但这本书提供的几个“运动轨迹分析图”简直是醍醐灌顶，它用最简洁的线条标示出人体运动时主要关节的旋转轴心和受力方向，一下子就让原本复杂的动态变得可以预测和把握。它教你如何“思考”着去画，而不是盲目地“描摹”，这一点对提高我的绘画思维帮助巨大。

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这本画册简直是艺术学习者的福音，尤其是对于那些刚刚踏入人物速写这个领域的同学来说，它提供的视角和深度是空前绝后的。我最欣赏它的一点是，它并没有陷入那种程式化的、僵硬的教学模式。相反，作者非常注重捕捉“瞬间”的精髓。每一页的示范都不是那种摆拍式的、完美无瑕的姿态，而是充满了生活气息和动态感。比如，在处理“动态捕捉”这部分时，它展示了如何在几秒钟内抓住一个行走、奔跑或者交谈的人的重心和主要轮廓。这对于培养“眼到手到”的反应速度至关重要。而且，书中对光影的运用也极其巧妙，它不是简单地教你怎么画明暗交界线，而是通过光影的疏密变化来暗示人物的情绪和环境氛围。我记得有一组关于老年人侧面像的练习，仅仅是用几条有力的线条和几块对比鲜明的阴影，就把那种饱经风霜的沧桑感表现得淋漓尽致，那种对细节的取舍和提炼，是真正体现了“大写意”的功力。这本书真正做到了把理论知识融入到实践案例之中，让读者在模仿中理解更高层次的造型规律，而不是死记硬背解剖结构，这绝对是一本值得反复翻阅的宝典。

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我是一个对细节有着强迫症的画者，过去画速写总是陷入细节的泥潭，时间一长，原有的动态感和新鲜感就全没了。这本书简直是为我这样的“细节控”开出的良方。它明确提出了一种“由大到小，层层深入”的速写策略。第一层是抓住整体的“气”和动态的“势”，通常只用一两笔线稿完成；第二层是在保持第一层的基础上，加入主要的形体结构和关键的轮廓线；第三层才是进行必要的体积塑造和光影处理。最棒的是，很多例图后面都标注了“用时参考”，这让我能清晰地看到，一个优秀的速写作品，在不同时间限制下应该达到的信息量和完成度。特别是关于“面部表情”的练习，它没有去抠每一个五官的细节，而是着重分析了眉弓、眼睑和嘴角这三个关键区域的微小变化如何影响整个面部的情绪传达，这种提炼和概括的能力，是任何死记硬背解剖图谱都无法替代的宝贵经验。

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这本书带给我的最大震撼，在于它对“人体比例的弹性”的深刻理解。我们都知道标准的人体解剖比例，但真正画起来，为了表现人物的特点——比如一个强壮的运动员，一个瘦弱的诗人，或者一个正在弯腰劳作的工人——比例就必须进行有意识的夸张和调整。这本书在这方面的引导非常到位，它不是简单地告诉你“拉长腿部”或者“加宽肩膀”，而是通过对比分析，展示了不同职业、不同年龄层在相同基础比例下的微妙变化是如何影响整体气场的。比如，书中有一组关于“手部动作”的特写，从抓握、提拉到放松，每一个手势的骨骼结构变化都被分析得极其透彻，而且最关键的是，它没有画出骨骼的细节，而是用极其简练的线条概括了关节的转折点，这对于追求效率的速写练习者来说是无价之宝。它教会我，速写要抓住的是“神似”而非“形似”，要敢于在瞬间做出取舍，将精力集中在最能体现人物特征的几个关键点上。

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从教学方法的角度来看，这本书的创新性非常值得称赞。它不像传统的教材那样只提供“范画”供人模仿，而是更像一个高明的“教练”在旁边指导你如何思考。书中穿插了大量关于“观察角度”和“视角转换”的分析图，这对解决我长期以来画人像时“平面化”的弊病起到了决定性作用。比如，如何从仰视角度表现人物的压迫感，或者从俯视角度凸显人物的渺小感，书中通过不同视平线设置的引导线和透视点，展示了这些效果是如何通过线条的汇聚和分散来实现的。更让我觉得贴心的是，它没有回避“人体结构中的难点”，例如手、脚和头部的复杂交接处。它没有用复杂的解剖图来吓唬人，而是用非常流畅的、符合速写特点的线条语言，将这些难点部位简化成了几个可识别的几何体和曲线组合，极大地降低了学习的心理门槛。这本书让我意识到，速写不是“草稿”，而是一种高度概括和精准表达的艺术形式，它真正做到了将“实用”与“艺术”完美地结合起来。

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