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出版者:THE BRITISH MUSEUM PRESS

作者:Ellis Tinios

出品人:

页数:144

译者:

出版时间:2010-11

价格:210元

装帧:Paperback

isbn号码:9780714124537

丛书系列:

图书标签:

• 艺术
• 浮世绘
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浮世绘的流光溢彩：江户时代风俗画的百年回眸 图书名称： 《江户风情：浮世绘大师的审美与技艺》 图书简介： 本书并非聚焦于单一的“Japanese Prints”这一主题，而是旨在为读者构建一个更为宏大、细致入微的江户时代（1603-1868）视觉文化图景，深入剖析支撑起“浮世绘”这一艺术形式的社会土壤、审美变迁、技术革新及其对后世艺术的深远影响。它是一部关于日本如何通过木刻版画这一媒介，记录、美化并最终定义了自身“庶民文化”的详尽研究。 本书将时间线拉伸至江户时代初期，探讨浮世绘如何从早期的肉笔画（手绘）向成熟的木刻版画（Nishiki-e，锦绘）过渡，并详细解析了这一转变背后的商业逻辑与技术挑战。我们首先进入江户的市民生活，深入理解“浮世”——这个词汇本身所蕴含的“现世享乐主义”哲学。这种哲学是理解所有题材（美人画、役者绘、风景画乃至肉笔画）创作动机的基石。 第一部分：时代的脉搏——浮世绘的诞生与繁荣 本部分重点阐述浮世绘如何从一个相对边缘的艺术门类，成长为占据市场主导地位的大众艺术。 菱川师宣的开创性： 剖析菱川师宣如何确立了“浮世绘”的基本范式，尤其是他将女性形象从传统的雅致审美中解放出来，赋予她们更贴近现实的时尚感与生活气息。 色彩的革命：菱川派到鸟居派的过渡： 详细描绘了从早期的墨黑单色版画（墨摺絵）到加入红色印章（丹絵），再到明朝中后期实现多色印刷（肉红版画）的技术突破。这不仅仅是技术的进步，更是市场对“更丰富视觉体验”需求的直接反馈。 政治与赞助的力量： 探讨了幕府的文化政策，以及出版商（绘元）在驱动艺术家创作、控制题材内容方面所扮演的核心角色。我们会审视早期题材的保守性，以及它们如何逐渐转向更具争议性的主题。 第二部分：题材的殿堂——风俗的镜像与理想化的再现 本书的重心在于对浮世绘主要题材的深度解读，超越简单的“图鉴式”罗列，力求揭示题材背后的文化密码。 倾城之美（美人画）： 区别于京都的古典美学，江户的美人画（如喜多川歌麿的杰作）聚焦于“时尚”而非“永恒”。我们将分析吉原游廓文化如何为这些女性形象提供了独特的造型语言，从发型、服饰的细微褶皱到脸部的“狐狸眼”化妆技巧，这些都是当时时尚潮流的活化石。 舞台上的英雄（役者绘）： 役者绘（演员肖像画）的兴盛，标志着歌舞伎戏剧对大众娱乐的巨大吸引力。我们将细致考察东洲斋写乐如何以其极端的、近乎漫画式的笔触，捕捉了演员在特定角色中的“神韵”与“瞬间爆发力”，以及这对传统肖像画观念的颠覆。 风景的觉醒： 葛饰北斋和歌川广重的登场，标志着浮世绘题材的最终成熟。广重的《东海道五十三次》并非简单的旅行记录，而是将日本的地理空间纳入一种高度风格化的、富有情感的视觉叙事中。我们将分析北斋《富岳三十六景》中对透视法和西方绘画元素的巧妙吸收，以及他如何通过对自然力量的描绘，触及更深层的“侘寂”美学。 第三部分：技艺的精雕细琢——从画稿到锦绘的漫长旅程 本部分聚焦于浮世绘生产链中的幕后英雄——雕刻师（彫師）和印刷师（摺師），并详细解析了锦绘（Nishiki-e）的复杂工艺。 三位一体的合作： 清晰界定画家（原画）、雕刻师（雕刻木版）和印刷师（上色与印刷）各自的专业分工与艺术贡献。强调雕刻师在转化二维线条为三维凹槽时的艺术创造力，这往往决定了最终成品的质感与生命力。 色彩的科学与艺术： 详细介绍多版印刷的流程，包括如何通过“见当”（定位标记）确保不同色彩版面能够精确重叠，避免套色偏差。分析植物染料和矿物颜料（如著名的“贝紫”）在色彩饱和度和耐光性上的差异。 特殊技法的发展： 探讨如“络印”（Klimane-zuri，用工具摩擦产生纹理）、“空摺”（Karakizuri，无色压印以产生浮雕感）等复杂工艺，它们是如何被用来增加画面的触感和层次感，以满足高端市场的需求。 结语：东方的回响 本书最后一部分将讨论浮世绘的衰落——随着幕府的瓦解和西方摄影术的传入——以及它在十九世纪后期对欧洲艺术的巨大冲击（Japonisme）。我们将分析印象派和后印象派画家（如梵高、莫奈）如何从浮世绘的平面化构图、大胆的色彩分割和非传统的视角中汲取灵感，完成对西方传统绘画的革新。 通过这部详尽的论述，读者将不再仅仅把浮世绘看作一组美丽的图像，而是理解其作为江户时代社会变迁、商业运作和技术巅峰的综合性文化产物。本书旨在揭示，这些纸上的瞬间，如何捕捉了一个时代对“美”的定义与追逐。

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说实话，我最初对这本书的期待值并不高，因为市面上关于日本艺术的读物实在太多了，很容易陷入华丽辞藻堆砌而内容空洞的陷阱。然而，当我深入阅读《Japanese Prints》后，才发现它的独特之处在于其近乎学术性的严谨与极强的可读性达到了完美的平衡。这本书最大的亮点，在于它构建了一个庞大而精密的知识体系，而非零散的知识点集合。作者似乎对每一个主题都进行了地毯式的扫荡式研究，比如在讨论风景版画时，他不仅仅提到了广重（Hiroshige）的“东海道五十三次”，而是将这套系列与当时日本的交通、商业和地方文化发展紧密联系起来。书中对地理、气候、甚至旅行者心理的描写，都让人感到作者的研究是多么的扎实和立体。更重要的是，作者的写作风格非常克制，用词精准，避免了过度渲染的感性描述，而是用逻辑清晰的论证来引导读者得出结论。这对我这样的理性型读者来说，简直是福音。我尤其欣赏书中对“批量生产的艺术品如何成为大众文化符号”这一命题的探讨，它触及了艺术史中一个非常核心且常常被忽视的议题。这本书绝对不是那种读完就扔在一边的快消品，它更像是一本可以随时翻阅、每次都能发现新层次的案头参考书。

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这本书的阅读过程对我而言，更像是一场充满惊喜的寻宝之旅。我原本以为它会是那种枯燥乏味的图录性质的书籍，但它的叙事线索设置得极其巧妙，完全颠覆了我的预期。作者采用了一种非常“故事化”的结构，仿佛在讲述一个关于美学如何渗透到日常生活的史诗。比如，书中对“春画”的探讨，处理得既专业又得体，没有落入猎奇的俗套，而是将其置于当时社会对生命力表达的文化语境中进行分析，探讨了其在构图、色彩运用上对后世西洋艺术，特别是印象派的影响，这种跨文化、跨时代的联系性探讨，极大地拓展了我的视野。再者，书中对“色彩”的分析达到了令人叹为观止的程度。它没有简单地列举蓝色、红色，而是详细介绍了当时矿物颜料的来源、稀有程度，以及不同色彩在日本传统审美中的象征意义，比如靛蓝色的使用频率与社会阶层之间的微妙关联。阅读时，我感觉自己不仅仅是在看图片，而是在“听”作者用文字为我“调色”。这种对细节的极致关注，使得整本书的质感立刻提升了一个档次。它让我开始重新审视自己过去对日本艺术的理解，明白很多我们习以为常的“日式风格”，其实都源自于这些精妙的早期版画作品中蕴含的深刻智慧。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对“物哀”（Mono no aware）这种概念非常着迷的读者，总是希望能找到能够体现这种转瞬即逝之美感的艺术载体。《Japanese Prints》在这一点上，可以说是做到了极致的表达。它成功地捕捉到了浮世绘艺术中那种对瞬间的捕捉和对生命短暂的喟叹。这本书的行文风格非常具有感染力，虽然表面上在讨论技术和历史，但字里行间却弥漫着一种对逝去时光的温柔缅怀。作者对于“役者绘”中演员瞬间表情的捕捉，以及对季节更迭场景（如雪景、雨景）的描绘，都赋予了作品一种超越平面媒介的生命力。书中甚至有一章专门讨论了版画的“磨损”——随着时间推移和多次印刷，原版木刻的线条是如何逐渐变得柔和、模糊，从而产生一种独特的“时间美学”。这种对“不完美”和“流逝”的肯定，让我深有感触。它让我意识到，艺术品的美，不仅在于其初始的完美，更在于它如何承载和记录时间的痕迹。这本书的排版也深谙此道，大量的留白和恰到好处的插图比例，营造出一种宁静致远的阅读氛围，非常符合东方审美的意境。读完合上书本的那一刻，心中久久不能平静，仿佛经历了一场与古代匠人精神的深度对话。

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拿到这本书时，我最直观的感受是它的“重量感”——不仅是实体上的分量，更是内容上的厚重感。我是一个对图像分析相对比较敏感的读者，期望能从书中找到更深层次的符号学解读，而《Japanese Prints》恰恰满足了这一点。它并没有满足于简单的图像再现和风格归类，而是着力于剖析这些版画作品中蕴含的权力结构和意识形态。例如，在探讨歌川派的作品时，作者并没有停留在对“役者绘”（演员画）的表面赞美上，而是深入挖掘了歌舞伎文化与幕府官方审美之间的微妙张力，以及艺术家如何在迎合市场需求的同时，巧妙地进行着某种程度的隐晦批判。这种批判性的视角，让阅读体验变得非常富有思辨性。书中对构图的分析尤其精妙，经常会用几何学的原理来解构画面的平衡与失衡，比如如何利用对角线和留白来引导观者的视线，制造出动态或静谧的氛围。阅读过程中，我不得不频繁地查阅一些相关的历史文献来佐证作者的观点，这无疑大大拓宽了我对日本艺术史的认知边界。总而言之，这是一本需要“慢读”的书，每一页都像是布满了需要解密的线索，读完后感觉自己的思维被重新梳理和激活了一遍，从一个纯粹的“欣赏者”进阶到了一个“解读者”。

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这部名为《Japanese Prints》的书籍，从我打开它看到第一页开始，就带给我一种穿越时空的奇妙体验。装帧设计本身就透露着一股典雅的气息，那种略带粗粝感的纸张和内敛的排版，让人忍不住想用指尖去触碰，感受历史的纹理。我原本是抱着学习艺术史的角度来翻阅的，但很快发现它远不止于此。作者的叙事方式非常独特，他没有采用那种平铺直叙的编年史写法，而是像一位经验丰富的导游，带领读者在江户时代繁华的浮世绘世界里漫步。书中对不同画派的兴衰、主要艺术家的生平和创作理念的探讨，都融入了大量细腻的社会文化背景分析。比如，关于喜多川歌麿的人物刻画，书中不仅仅罗列了他的代表作，更深入挖掘了当时町人阶层的审美趣味和对“美人画”的痴迷程度，甚至连当时的服装面料和妆容细节都被描绘得栩栩如生，仿佛我能闻到空气中混合着脂粉和烟草的气味。更让我惊喜的是，作者对版画制作工艺的详尽描述，从木刻、雕版到着色的每一个步骤，都配有清晰的图解和深入的见解，这让我对“艺术品”背后的匠人精神产生了更深的敬意。阅读过程中，我时不时会停下来，反复对比书中的文字描述和插图，那种将视觉艺术与文字解读完美结合的体验，实在令人着迷。它不仅仅是一本关于“版画”的书，更是一扇深入了解那个时代精神面貌的窗口。

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2017.6购于京东，75RMB。大英图书馆收藏浮世绘的目录和介绍，文字量较大，很详实。但开本较小，图幅更小。

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