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出版者:上海教育出版社

作者:俞玉姿, 张援

出品人:

页数:265

译者:

出版时间:2011-1

价格:35.00元

装帧:

isbn号码:9787544430586

丛书系列:学校艺术教育研究丛书

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艺术的疆域：西方美学思想的流变与当代应用 本书内容简介 本书旨在全面梳理西方美学思想的演进脉络，重点剖析自古希腊哲学思辨肇始，历经中世纪的宗教沉思，文艺复兴的人文主义复苏，启蒙运动的理性光辉，直至康德、黑格尔的古典美学巅峰，以及尼采、海德格尔、德里达等后现代思想家对传统美学范式的颠覆与重构。本书不仅致力于对经典理论进行深入的文本解读，更着眼于探究这些美学观念如何在不同历史阶段影响着艺术实践、审美判断乃至社会文化结构。 第一部分：古典根基与中世纪的凝视 第一章：古希腊的“美好”与“真理”的统一 本章深入探讨柏拉图的“理念论”如何奠定西方美学的形而上学基础。我们分析了“理念世界”中的“美之理念”与感性世界的摹仿（mimesis）之间的关系，探讨了《理想国》中对诗歌艺术的保留态度所蕴含的道德伦理诉求。继而，重点阐述亚里士多德在《诗学》中对悲剧的经典界定——“情感的净化”（catharsis），解析其如何将美学从纯粹的形而上学探讨引向对艺术效果的经验性观察。本书将区分古希腊美学中对“善、美、真”三位一体的追求，并考察这种统一性在古典雕塑与建筑中所体现的理性秩序与和谐原则。 第二章：中世纪的“神圣之光”与象征主义 中世纪的美学思想被置于神学框架下进行审视。本章讨论了奥古斯丁对“内在之美”的强调，即将外部世界的和谐秩序视为上帝理性的显现。随后，焦点转向托马斯·阿奎那的经院哲学，解析其对“完满性”（integritas）、“比例”（consonantia）和“光辉”（claritas）三个美学范畴的构建，这些范畴构成了中世纪艺术（尤其是哥特式教堂建筑）的理论基础。本书着重分析了象征主义如何取代了古希腊的直接摹仿，成为中世纪理解艺术与世界的中介。 第二部分：理性与情感的碰撞：从文艺复兴到启蒙运动 第三章：文艺复兴的人文主义复苏与复古情结 本章考察了文艺复兴时期，随着人文主义的兴起，艺术家和理论家如何重新发掘和诠释古希腊罗马的美学遗产。重点分析了列昂·巴蒂斯塔·阿尔伯蒂关于“和谐”、“比例”的建筑学理论，以及达芬奇对手绘透视法和人体解剖学在艺术再现中的应用。本书将探讨文艺复兴对“天才”（Genius）概念的初步界定，强调了人作为创造性主体的回归。 第四章：巴洛克与古典主义的张力 本章对比分析了十七世纪欧洲两种对立的美学倾向。一方面，巴洛克艺术以其强烈的动感、戏剧性的光影和对情感的直接激发，挑战了古典主义的静穆与理性。另一方面，以布瓦洛为代表的法国古典主义，通过《诗艺》确立了以“理性、清晰、自然”为核心的审美规范，强调艺术创作必须遵循普遍的、永恒的法则。本书探讨了这种张力如何折射出欧洲社会在权威与个人自由之间的徘徊。 第五章：启蒙运动：审美判断的自主化 启蒙运动是美学从依附于宗教、伦理的地位中解放出来的关键阶段。本章聚焦于英国经验主义美学，如休谟关于“审美判断的相对性与普遍性”的讨论，以及柏克的“崇高与优美”理论，后者首次将审美体验与情感的生理反应紧密联系起来。本书强调了启蒙思想家对“自然”的重新定义，以及对艺术教育在培养公民理性基础中作用的重视。 第三部分：古典美学的巅峰与浪漫主义的转向 第六章：康德的审美判断：超越性的形式 康德的《判断力批判》被视为西方美学史的里程碑。本章详述了康德对“无利害的合目的性”的界定，解析了审美判断的四种“瞬间”——无概念的普遍性、无目的的合目的性、目的性与必然性，以及“自由的游戏”。本书着重讨论了康德如何将审美体验从知识论和实践理性中分离出来，确立了审美判断的独立地位。同时，也审视了康德对“崇高”的论述，及其在个体面对无限性时的精神张力。 第七章：德国唯心主义与艺术的绝对精神 本章探讨了谢林和黑格尔将美学提升至哲学最高层级的尝试。谢林在“艺术哲学”中，探讨了“自然中的自由体现”与“精神中的自由体现”的统一。黑格尔的“艺术精神论”是本书的重中之重，解析了他如何将艺术视为“绝对精神”自我显现的三个阶段：象征型艺术（如埃及）、古典型艺术（如希腊雕塑）和浪漫型艺术（如基督教绘画和音乐）。本书批判性地分析了黑格尔关于艺术终结的论断及其对后世历史观的影响。 第八章：浪漫主义的激情、独创性与民间性 与启蒙和古典哲学的理性秩序相对，浪漫主义强调个体情感的绝对性、想象力的无限力量以及对“神秘”和“异域”的向往。本章分析了德国浪漫主义者（如施莱格尔兄弟）对“诗歌的诗歌”的追求，以及英国浪漫主义诗人对自然作为精神家园的歌颂。重点探讨了“天才”概念的深化——从手艺人到具有先知性的创造者，以及对民间艺术、神话和中世纪精神的再发现。 第四部分：现代性的挑战与后现代的解构 第九章：十九世纪的艺术思潮：现实与现代性的焦虑 本章涵盖了现实主义、自然主义对浪漫主义主观性的反拨，以及印象派对光影瞬间的捕捉所带来的视觉革命。更重要的是，本章深入剖析了尼采对苏格拉底-柏拉图以来理性主义传统的颠覆。通过对“酒神精神”与“日神精神”的辩证分析，尼采为现代艺术中非理性、生命冲动和悲剧性体验的回归打开了通道。 第十章：先锋艺术与现代美学的形变 二十世纪初的先锋艺术运动（立体主义、未来主义、达达主义、超现实主义）对“什么是艺术”提出了根本性的质疑。本书探讨了这些运动如何直接挑战了艺术的再现功能、审美愉悦的传统定义以及艺术与日常生活的界限。重点分析了杜尚的“现成品”如何将艺术的关注点从“制作”转向“观念”，预示了当代艺术的转向。 第十一章：现象学、存在主义与符号学的美学转向 本章分析了二十世纪中叶美学思想的复杂化。现象学美学（如英伽登）如何将艺术作品视为特定意义的“结构”，强调观众在完成作品意义建构中的作用。存在主义美学（如萨特）则将艺术视为个体对自由与责任的承担。符号学和结构主义（如罗兰·巴特）则致力于揭示艺术作品内部的意义生产机制，剖析文化代码和神话的运作。 第十二章：后结构主义与美学边界的消融 本章聚焦于德里达的“解构”理论在美学领域的应用，考察其如何挑战了西方形而上学中对“中心”、“在场”和“原创性”的迷恋。我们探讨了福柯对知识、权力与美学话语建构关系的批判，以及利奥塔对“宏大叙事”的终结，这为当代艺术（装置、表演、观念艺术）的多元化发展提供了理论基础。本书最后总结了在后现代语境下，“美”与“艺术”的界限如何日益模糊，审美判断的评判标准趋于碎片化和情境化。 结语：跨越历史的审美视野 本书通过对数千年西方美学思想的梳理，旨在提供一个连续而深入的视角，理解“美”的概念是如何被建构、被质疑、被重塑的。它揭示了审美经验的核心矛盾：个体经验与普遍法则的冲突，理性与非理性的拉锯，以及艺术与社会结构的共生关系。读者将获得一个全面的理论工具箱，用以审视和理解当代艺术实践背后的深层哲学意涵。

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这本书的叙事风格非常独特，它不像传统学术著作那样刻板说教，反而带有一种娓娓道来的亲切感。作者的文笔流畅自然，即便是在讨论理论的宏大命题时，也穿插着一些富有哲理的思考和对现实的关照，使得阅读过程充满了情趣。它更像是一位经验丰富的学者在与你进行一场深入的、没有藩篱的对话，他不仅输出知识，更传递了一种思考问题的方式和人文关怀的精神。这种“润物细无声”的引导方式，极大地降低了学术阅读的门槛，让非专业人士也能从中汲取营养，感受到知识的魅力。整体的阅读体验是愉悦且富有启发性的，它成功地将学术的严肃性与文学的感染力巧妙地融合在了一起。

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这本书的装帧设计颇具匠心，封面采用了较为沉稳的墨绿色，搭配烫金的书名字体，散发出一种古典与现代交织的雅致感。纸张的质地也很考究，触感温润，没有一般平装书的廉价感。拿到手里分量十足，能感受到编辑团队在细节上的用心。内页排版清晰，字体选择得当，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅也不会感到视觉疲劳。我尤其欣赏它在设计中融入的留白，使得每一页都有足够的呼吸空间，不至于信息过载。这本书的装帧不仅仅是简单的包装，更像是一种对内容的尊重和致敬，让人在阅读之前就对即将展开的学术旅程充满了期待。这种注重质感的呈现方式，无疑提升了阅读体验的整体层次。

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这本书的内容深度和广度都令人称道，它如同一个精心构建的知识迷宫，引导读者一步步深入探索其核心议题。作者的论述逻辑严密，结构清晰，仿佛在搭建一座精密的知识大厦，每一个论点都是坚实的砖石，彼此支撑，层层递进。我特别欣赏作者在处理复杂概念时所展现出的非凡的驾驭能力，他总能用看似平实却蕴含深意的语言，将那些深奥的理论阐释得鞭辟入里，让人茅塞顿开。书中引用的材料和案例都经过了审慎的筛选和分析，极大地丰富了论证的说服力，让人感受到作者深厚的学养和扎实的研究功底。阅读过程中，我时常需要停下来细细品味那些精妙的措辞和独到的见解，这种智力上的“搏斗”过程，恰恰是阅读高峰体验的体现。

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对于这本书的参考价值和学术贡献，我持高度肯定的态度。它在现有研究的基础上，提出了许多具有前瞻性和批判性的新观点，这些观点无疑为相关领域的研究提供了新的视角和突破口。特别是书中对于某一关键历史节点的重新解读，颠覆了我以往的一些固有认知，展现出一种敢于质疑和勇于革新的学术勇气。书中详尽的脚注和引文系统，也体现了作者严谨的治学态度，为后续研究者提供了可靠的文献指引。这本书无疑将成为该领域内一部重要的参考工具书，它的价值不仅仅在于提供已有的知识，更在于激发读者进行进一步探究的内在动力，其对于推动学科发展的影响是深远的。

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选文范围其实可以再扩大一点

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