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出版者:人民邮电出版社

作者:MCOO动漫

出品人:

页数:332

译者:

出版时间:2011-1

价格:49.00元

装帧:

isbn号码:9787115240934

丛书系列:

图书标签:

• 漫画
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纸上流光：古典油画修复与保护的艺术 本书导言：时间的印记与艺术的重生 油画，这一诞生于中世纪晚期，并在文艺复兴时期达到巅峰的伟大艺术形式，以其深邃的色彩、细腻的质感和永恒的生命力，承载了人类文明的诸多重要瞬间。然而，时间是所有物质的敌人。光照、湿度、温度的变迁，以及人为的疏忽，都会在画布与颜料层上留下不可磨灭的痕迹——龟裂、变色、霉斑、颜料脱落。 《纸上流光：古典油画修复与保护的艺术》并非探讨如何用铅笔或数位板在纸上描摹影像，而是深入剖析一门结合了严谨科学、精湛手工艺与深厚艺术史知识的专业领域：古典油画的修复与保护。 本书旨在为艺术史学者、博物馆策展人、艺术品收藏家，乃至对材料科学与传统工艺有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的视角，了解这些跨越了数百年历史的杰作是如何被精心呵护、重现光芒的。我们将彻底摒弃对素描技巧的讨论，聚焦于实体艺术品的物质性干预与科学维护。 --- 第一部：油画的物质基础与病理学诊断 要修复一幅画，首先必须深刻理解它的构成与“病症”。本部分将完全侧重于油画的物理与化学结构，而非绘画的造型或线条训练。 第一章：油画的解剖结构：多层复合体的科学 古典油画并非单一的涂层，而是一个复杂的“三明治”结构。我们将详尽分析： 1. 基底的考察（Support Analysis）: 无论是木板（如橡木、杨木）还是画布（如亚麻、大麻），其纤维的特性、老化过程中的张力变化，以及应对虫蛀和腐蚀的传统加固方法。木板的“开裂”与画布的“松弛”处理是修复的起点。 2. 底层准备层（Ground Layer）的奥秘: 剖析石膏（Gesso）、白垩、动物胶等传统配方，它们对颜料层的附着力和色彩表现的影响。为何不同的历史时期对底层材料的选择有显著偏好？ 3. 颜料层与媒介剂的化学作用: 深入探讨亚麻籽油、核桃油等媒介剂的聚合过程，以及不同矿物、有机颜料的化学稳定性。例如，铅白颜料的硫化变黑现象及其在修复中的应对策略。 第二章：油画的“病历”：常见退化模式的识别 修复始于精准诊断。本章将详细分类油画在长期保存中出现的物理和化学损伤： 1. 机械性损伤: 贯穿性的穿孔、撕裂、刮痕，以及颜料层因碰撞或振动导致的“起翘”和“剥落”（Cleavage）。 2. 环境性病变: 湿度波动引起的“起鼓”与“起泡”，霉菌和真菌对有机胶质的侵蚀，以及污染物（如烟雾、酸雨）对表层油膜的化学侵蚀。 3. 历史性改动与老化: 明确区分“原真性损伤”与“早期拙劣修复”造成的二次损害。重点分析油画清漆（Varnish）因氧化而产生的“黄变”与“雾化”现象，以及传统油画媒介剂的老化龟裂（Craquelure）形态学分类。 --- 第二部：修复的哲学与科学实践 修复工作绝非简单的“补色”或“描摹”，它遵循一套严格的伦理准则和科学流程。本部分完全聚焦于干预的技术与方法论。 第三章：修复伦理：真实性与可逆性的辩证统一 修复的核心在于对艺术品历史地位的尊重。我们将探讨国际修复界的主流哲学： 1. 维也纳宪章（The Vienna Charter）与最小干预原则: 为什么现代修复倾向于“减法”而非“加法”？如何平衡“可见性”与“可逆性”？ 2. 保留“时间层”的重要性: 区分需要移除的有害物质（如陈旧的清漆）与需要保留的历史痕迹（如特定时期的修补层）。 3. 文献记录与科学佐证: 每一项修复干预都必须有详尽的记录，包括所用材料的化学成分分析报告。 第四章：结构性加固：从支撑层到颜料层的“手术” 这是最考验技艺的部分，涉及对物理结构的恢复： 1. 背板加固技术（Cradling and Consolidation）: 如何为木板画建立新的、具有适应性的支撑结构，以缓解木材的内在应力。 2. 颜料层粘合（Re-adhesion of Flaking Paint）: 使用低温加热台配合特定溶剂或动物胶溶液，将松动的颜料层重新压实固定于底层。详细介绍注射法、涂覆法在不同病灶中的应用。 3. 画布的张力恢复与“补洞”: 传统方法的画布修补技术，包括纤维的缝合与新补片的无缝嵌入，以及重新上浆和打底的过程。 第五章：表面处理与视觉平衡：去污与再着色 修复的最后阶段，旨在恢复画作的视觉清晰度，同时不侵犯原作者的意图。 1. 选择性去漆（Selective Varnish Removal）: 这是一个高风险、高技术含量的步骤。深入探讨使用不同类型的有机溶剂（如醇类、酮类、酯类）对老旧、变黄清漆的溶解特性，以及如何通过精确的溶剂混合比来控制溶解速度，避免伤害下方的原画颜料层。 2. 污垢与变色的清除: 针对性处理霉斑、烟熏沉积物以及先前修复留下的不当色块。 3. 视觉整合（Inpainting/Retouching）: 解释“可逆性着色”的技术，如“网点法”（Stippling）和“线条法”（Tratteggio）。强调再着色区域必须在技术上与原作的材料和光泽度保持一致，但必须在视觉上清晰可辨别，以符合现代修复标准。 --- 第三部：保护性科学与未来展望 本部分超越了对特定画作的干预，探讨如何通过科学手段预防未来的损害，确保艺术品的长期存续。 第六章：环境控制：博物馆级别的气候管理 油画的“健康”取决于其所处的环境。本书将介绍： 1. 温湿度动态平衡的建立: 讲解相对湿度（RH）的理想范围（通常在45%至55%之间）如何影响木材和画布的吸湿膨胀与收缩。 2. 光照辐射的控制: 详细阐述紫外线（UV）和可见光对颜料和油膜的老化速度，以及博物馆照明设计中滤光材料的应用。 3. 污染物监测: 介绍空气质量对画作的潜在威胁，如二氧化硫、臭氧等，以及保护性隔离技术。 第七章：无损检测技术在修复中的应用 现代修复依赖于尖端科技来“看透”画作的表层，从而做出更科学的决策： 1. 红外反射摄影（IRR）: 如何利用红外线穿透颜料层，揭示画家的底层草稿（Underdrawing）。 2. X射线荧光光谱（XRF）: 快速、无损地分析画面中特定元素的分布，从而确定颜料的化学成分和层间结构。 3. 多光谱成像: 结合紫外光、可见光和红外光，构建画作的“物质身份档案”，用于区分不同时期的修复层。 结语：守护人类的视觉遗产 《纸上流光》是一部关于耐心、科学严谨性和对历史敬畏的著作。它展示了修复艺术如何将“损坏”转化为“历史信息”，将“衰败”转化为“持续的生命力”。每一笔成功的修复，都是一次与时间进行的精妙对话，确保这些沉默的色彩和光影，能够继续向后世诉说它们跨越时空的宏大叙事。我们所守护的，是人类创造力的不朽见证。

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对于很多喜欢漫画的朋友来说，最大的障碍可能就是觉得“画不好”。《超级漫画素描技法从入门到精通》这本书，在我看来，就是为我们这些“想画又不敢画”的人量身打造的。它打破了很多人对漫画学习的刻板印象，将复杂的技巧分解成一个个小步骤，而且每个步骤都配有清晰的图解和详细的文字说明。我印象最深的是关于表情的讲解，书中列举了各种各样的表情，从喜怒哀乐到惊讶、恐惧，每一种表情的细微变化都讲得非常清楚，而且还给出了不同侧脸和仰视、俯视角度下的表情画法。这让我以前总是在画人物表情时感到束手无策，现在有了这本书，感觉自己能够驾驭各种情绪的表达了。而且，这本书在讲解人体比例的时候，也特别强调了夸张和变形的处理，这正是漫画的魅力所在。它教会我如何在写实的基础上进行艺术加工，让画面更有张力和感染力。总之，这本书让我对漫画素描产生了前所未有的自信，也让我开始享受绘画的乐趣。

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作为一名资深的漫画读者，我一直对漫画家们笔下那些栩栩如生的人物和充满想象力的世界充满好奇。《超级漫画素描技法从入门到精通》这本书，可以说是满足了我多年来对幕后创作过程的好奇心。它不仅仅是一本绘画教程，更像是一本关于漫画创作的“百科全书”。我特别欣赏书中关于“漫画语言”的阐述，比如如何通过线条的粗细、顿挫来表现人物的动感，如何通过不同的网点和分镜来营造画面的节奏感和情绪。这一点让我以前在欣赏漫画作品时，有了更深的理解和感悟。书中还分享了很多关于角色创作的理念，比如如何塑造具有辨识度的外形，如何赋予角色独特的个性和背景。这让我明白，一个精彩的漫画作品，背后是无数细节和心血的积累。而且，书中还提及了一些关于漫画行业的经验分享，比如创作流程、投稿建议等，虽然不是纯粹的技术指导，但对于 aspiring 漫画家来说，无疑是非常宝贵的。这本书让我从一个单纯的读者，开始对漫画创作有了更全面的认识和更深的敬意。

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这本《超级漫画素描技法从入门到精通》真是让我大开眼界！我一直是个漫画爱好者，也尝试过自己画，但总是不得要领，画出来的线条僵硬，比例失调，脸部表情更是惨不忍睹。收到这本书后，我迫不及待地翻开。一开始，它就用非常直观的方式讲解了漫画人物的结构，从最基本的几何体到复杂的骨骼肌肉，每一个步骤都清晰明了，配图也非常生动，不像有些教程那样枯燥。我特别喜欢它关于头部绘制的部分，讲解了不同角度、不同情绪下脸部的变化，还有眼睛、鼻子、嘴巴的画法，真是太详细了！以前我画眼睛总是画成豆豆眼，现在才知道原来眼睛的形状和眼睑的厚度对表达情绪那么重要。而且，它还提到了不同风格漫画人物的画法差异，这一点对我帮助很大，让我意识到原来不是所有的漫画人物都用同一种方式去画。它不仅仅是教你画，更是让你理解“为什么”要这么画，这种深入浅出的讲解方式，让我这个零基础的初学者也能很快上手。我每天都会抽出时间来练习，感觉自己的进步真的很大，以前觉得遥不可及的漫画世界，现在仿佛触手可及了。

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我是一名正在准备艺考的美术生，虽然专业基础还算扎实，但对于漫画这种风格化的表现形式，总感觉抓不到精髓。《超级漫画素描技法从入门到精通》这本书，给我带来了很多启发。它在讲解人物动态和场景构图方面，有着独到的见解。我尤其欣赏它关于透视原理在漫画中的运用，以及如何通过构图来营造氛围和引导读者视线。很多时候，画面的精彩程度，不仅仅取决于角色本身，更在于它们所处的环境和动态的安排。书中提供了大量的案例分析，从简单的行走、奔跑，到复杂的打斗、飞跃，每一个动作都分解得非常细致，并且给出了不同视角的参考。这一点对于提升我的画面表现力非常有帮助。此外，书中对于服装褶皱的处理，以及不同材质的纹理表现，也给了我不少新的思路。以前我画衣服总是画得死板，现在看了这本书，才知道如何通过光影和褶皱的变化来赋予衣物生命力。这本书不仅是技术上的指导，更是在艺术理念上的一次洗礼，让我对漫画创作有了更深层次的理解。

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一直以来，我都对二次元人物有着浓厚的兴趣，也希望能亲手创造出属于自己的动漫角色。《超级漫画素描技法从入门到精通》这本书，在我看来，绝对是“干货”满满。它从最基础的线条运用、明暗关系，到更复杂的角色设计、色彩搭配，都做了详尽的阐述。我最喜欢它在角色设计部分的讲解，不仅讲了如何设计角色的外观，还探讨了如何通过角色的服装、配饰来体现其性格和背景故事。这让我明白，一个成功的漫画角色，不仅仅是画得好看，更重要的是有灵魂。书中还分享了一些非常实用的上色技巧，包括不同颜色组合的运用，以及如何通过阴影和高光来增强画面的立体感和质感。这一点对于我这种颜色搭配“小白”来说，简直是雪中送炭。而且，书中提供的素材库和参考图，也非常丰富，为我的创作提供了源源不断的灵感。这本书让我看到了漫画创作的无限可能，也让我更加坚定了自己在这条道路上走下去的决心。

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翻了一遍，结论就是画画还是要多练（喂）

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前四章是精华。

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我有电子版，感兴趣可豆，有偿

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翻了一遍，结论就是画画还是要多练（喂）