视唱练耳高考模拟试题集 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:冯往前 编

出品人:

页数:231

译者:

出版时间:2010-11

价格:39.00元

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isbn号码:9787564803094

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音乐理论与实践探索：一部跨越时代的经典乐理教程 书名：《和声的艺术：从巴赫到德彪西的演变》 作者：[虚构作者姓名，例如：亚历山大·维特曼] 出版日期：[虚构年份，例如：2023年春] --- 内容概述：对西方音乐核心构建的深度剖析 《和声的艺术：从巴赫到德彪西的演变》并非仅仅是一本关于音符组合规则的教科书，而是一部深度挖掘西方音乐自文艺复兴晚期至印象主义思潮之间，和声语言如何发展、演变、甚至被颠覆的学术专著。本书旨在引导读者，无论是音乐学院的学生、专业的作曲家，还是对古典音乐有着深刻热爱的听众，去理解那些看似抽象的和声进行背后所蕴含的历史必然性与美学追求。 本书的结构清晰，逻辑严谨，从基础的和弦构建单元入手，逐步攀升至复杂的多声部织体与调性边界的探索。它避开了单纯的“套路化”练习模式，转而强调对和声功能与色彩的审美感知。 第一部分：根基的巩固——古典主义的严谨与逻辑（约400字） 本部分聚焦于十七世纪末至十八世纪末，以巴赫、莫扎特、海顿为代表的调性音乐的黄金时代。 第一章：功能和声的建立 详尽阐述了大小调体系的音级功能（主、属、下属）在稳定音乐结构中的核心作用。重点分析了级进终止式、进行终止式以及它们在乐段划分中的不可替代性。我们深入探讨了如何利用声部进行来塑造和声的清晰度与逻辑性。书中不乏对巴赫赋格曲中特定声部如何巧妙地暗示或隐藏功能转移的细致剖析。 第二章：协和与不协和的辩证统一 超越简单的“七和弦”概念，本章探讨了不协和音程（如经过音、装饰音、准备与解决）在古典语境下如何被“驯服”并用于增强音乐的表达力。通过对奏鸣曲乐章的分析，展示了高潮前的和声紧张如何服务于宏大的结构设计。特别提及了对位法在和声语汇中的渗透，强调了横向思维对纵向稳定性的支撑。 第三章：调性色彩的初探 虽然调性尚未完全“瓦解”，但本章已开始关注同主音大小调的转换、远关系调的暂时引入，以及这些色彩变化如何为音乐注入情感深度。书中通过对几首钢琴奏鸣曲慢乐章的对比分析，揭示了作曲家如何在遵循严格规则的同时，实现个性化的情感表达。 第二部分：浪漫主义的扩张——情感的解放与边界的试探（约550字） 十九世纪是和声语言爆炸式增长的时期，情感表达的需求开始冲击既有的古典框架。 第四章：半音化的深化与调性模糊 本章的核心在于半音化和弦的广泛应用。详细研究了如那不勒斯六和弦、减七和弦的“多功能性”。我们着重分析了舒伯特、肖邦的音乐中，通过模糊主和弦的明确性，来营造漂浮感和强烈的内省情绪的手法。书中配有大量实例，展示了如何通过声部平行移动和不解决的属和弦，来延长情感的悬置。 第五章：李斯特与瓦格纳：和声的极限挑战 这是全书最具争议性也最精彩的部分之一。深入剖析了瓦格纳在《特里斯坦与伊索尔德》中“特里斯坦和弦”的结构及其对调性中心的持续削弱作用。我们探讨了这种和声语言如何不再服务于旋律或结构，而是成为表达“渴望”与“永恒”的纯粹媒介。同时，对李斯特晚期作品中出现的、接近无调性的和声预兆进行了前瞻性的考察。 第六章：民族乐派的和声语汇 本章扩展了视野，考察了德彪西、德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何将民族调式与传统和声进行融合。讨论了纯五度、四度和弦在非功能性语境中的运用，以及如何利用这些“异域”色彩来丰富十九世纪末的音乐图景。 第三部分：现代的曙光——调性的瓦解与新体系的构建（约550字） 二十世纪初，音乐进入了前所未有的实验阶段。本书最后一部分将重点放在“革命者”们如何彻底重塑了听觉体验。 第七章：印象主义的和声“光影” 专门探讨德彪西的革新。重点分析了全音音阶、五声音阶、以及九和弦、十一和弦的非功能性使用。这些和弦不再强调“解决”，而是被用作色彩的渲染和瞬间氛围的捕捉。书中通过分析《亚麻色头发的少女》等作品，阐释了如何通过和声的“悬浮”来模拟自然光影的变化。 第八章：序列主义与无调性音乐的逻辑 转向勋伯格、贝尔格的第二维也纳乐派。详细介绍了十二音体系（Dodecaphony）的严格规则——如何通过音组的排列来确保所有音高的平等性，从而彻底打破了大小调的等级制度。本书力求清晰地解释这种“自觉的无调性”背后的哲学基础和严密的操作流程。 第九章：对位法与和声的新结合 本书的收尾回归到一种更高层次的综合。探讨了二十世纪作曲家如何重新审视对位法，将其与新的和声材料（如音高集合理论）相结合，以构建更加复杂的音乐结构。例如，布里顿和巴托克的作品中，如何将古老的对位手法与现代的调式、增值和弦并置，创造出既有历史根源又充满现代张力的织体。 --- 读者对象与价值体现： 本书的价值在于其深度与广度兼备。它要求读者具备扎实的初步乐理知识，但提供的分析框架远超一般的考级或入门教材。它不提供大量“视唱练耳”或“听觉辨识”的练习，而是致力于提升读者的“听觉想象力”和“和声分析能力”。通过对历史脉络的梳理，读者能够理解每一个和声选择背后的文化与技术驱动力，从而将枯燥的理论转化为生动的音乐语言。它是一本对声音本质不断追问的音乐美学指南。

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这本书的实用性体现在其对学习过程的友好度上。我发现它在讲解一些复杂的听觉概念时，所采用的语言方式非常“接地气”，没有过多晦涩难懂的学术术语，而是通过形象的比喻和直接的对比，帮助我们快速建立起声音和理论之间的联系。比如，在解释某些不协和音程听感差异时，作者的描述就极具画面感，让我一下子就抓住了那种“错位”的感觉。这种将抽象的音乐概念转化为可感知的学习体验的设计思路，对于那些在理论学习中感觉吃力的学习者来说，简直是如获至宝。它不仅仅是给出题目和答案，更是在潜移默化中教授如何“有效”地聆听和思考，这才是真正的教学价值所在。

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我必须说，这套题集的难度设置非常贴合实际的考试要求，它并非那种只有理论上的高难度挑战，而是紧密围绕着音乐学院入学考试的实际能力标准来设计的。无论是视唱部分对音准的细致要求，还是练耳中对各种调式、变音、节奏模进的精准捕捉，每一道题都像是为应试者量身定做的“体检项目”。更难得的是，它没有陷入过度简单化的窠臼，而是设置了梯度，从基础巩固到高级的技巧考察，循序渐进，让人在攻克不同难度的题目时，能切实感受到自己听觉和视觉的飞速进步。对于那些自学或者缺乏专业陪练的考生而言，这套资料提供的模拟环境，几乎可以媲美一次正式的模拟测试，极大地增强了临场应变能力。

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与其他同类书籍相比，我注意到这本题集在对节奏部分的训练上投入了极大的精力，这一点非常值得称赞。节奏的稳定性和准确性往往是很多考生的软肋，而这套资料通过设计一系列巧妙的听写和视奏练习，有效地强化了对复杂拍号、附点音符以及切分节奏的掌握。它迫使学习者必须在听觉和肢体协调上都达到高度同步。我个人在使用过程中，感觉自己的节奏感有了质的飞跃，不再是仅仅依赖节拍器机械地敲击，而是真正将节奏的脉络内化到了身体里。这种由内而外的提升，是单纯背诵理论知识所无法企及的，它为我接下来的专业训练打下了极其坚实的基础，让我对即将到来的考试充满了信心。

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这套练习册的印刷质量相当扎实，纸张的厚度和触感都让人感到愉悦，即便是长时间对着五线谱和音符进行抄写或听写练习，眼睛也不会有明显的疲劳感。装帧设计也比较简洁大方，封面色彩搭配得宜，没有那种廉价感，放在书架上也是一件赏心悦目的物品。翻阅全书时，可以清晰地感受到编辑在排版上的用心，字体大小适中，行距和字间距都考虑到了视觉的舒适度，尤其是在处理那些复杂的节奏型和和声进行时，清晰的标注能极大地帮助学习者快速定位和理解。这种细节上的打磨，对于一个需要高度集中注意力的音乐学习者来说，是至关重要的加分项。它不仅仅是一本工具书，从实体感受上来说，更像是一件制作精良的文具，让人愿意时常拿起它来投入学习，而不是仅仅束之高阁，等待需要时才勉强翻阅。

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从内容覆盖的广度来看，这本集子展现出了极高的专业度。它似乎涵盖了近几年所有主流音乐院校在视唱练耳方面考察的知识盲区和重点难点。我特别欣赏它在处理那些“怪异”的节奏型时所表现出的耐心和细致，很多教材往往一笔带过的内容，在这里却被拆解成了可操作的练习模块。而且，它对和声听辨部分的考量也十分到位，不只是停留在简单的三和弦判断，而是深入到了七和弦的转位、增减和弦的辨识，甚至是特定风格乐段的和声色彩把握，这对于提升考生的音乐感受力是莫大的助益。可以说，这本汇编真正做到了“面面俱到”，少有遗漏，是备考阶段不可或缺的“百科全书式”参考资料。

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