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出版者:光文社 (2009/12/17

作者:関 和亮

出品人:

页数:144P

译者:

出版时间:2009/12/17

价格:JPY 3000

装帧:30.4 x 21.6 x 2 cm

isbn号码:9784334901615

丛书系列:

图书标签:

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• 感官体验
• 生活艺术

好的，以下是一份关于其他书籍的详细简介，不包含您提到的《Perfume Livefolio》的内容，旨在提供丰富、深入的阅读导向，并保持自然流畅的叙述风格。 --- 《镜面迷宫的构建者：中世纪建筑的哲学与空间叙事》 作者：阿莱斯特·麦克尼尔 译者：林晓薇 出版社：宏文书局 页码：680页 (精装) 导言：光影、信仰与石头的对话 阿莱斯特·麦克尼尔的这部巨著，并非仅仅是对中世纪欧洲教堂和城堡的年代学梳理，而是一次对人类精神史与物质文化深度交织的考察。他将建筑视为一个活生生的文本，是那个时代信仰、权力、工程学以及日常感知力的集中体现。本书的核心论点在于：中世纪的石砌结构，尤其是哥特式大教堂，并非是单纯的向上堆砌，而是一种精心设计的“光学哲学”与“心理剧场”的物理投射。 麦克尼尔拒绝了将中世纪建筑简单归类为“蒙昧”或“纯粹宗教象征”的传统二元对立，而是深入探究了建造者——从石匠行会（Masons’ Guilds）到主教、赞助人——在面临技术局限、宇宙观限制以及社会结构重塑时，如何通过材料和空间来编码信息，构建一个既能承载神圣启示，又能安抚俗世焦虑的“镜面迷宫”。 第一部分：罗马式的坚固与地方的根源 本书的开篇追溯了罗马帝国衰落后，早期基督教建筑如何从遗迹中汲取营养，并融入地方性材料和习俗。麦克尼尔细致分析了加洛林文艺复兴时期，建筑语汇如何从拜占庭的集中式穹顶转向更具线性叙事感的巴西利卡形制。 他特别关注了“地方性”对建筑风格的影响。例如，在诺曼底和英格兰地区，厚重的墙体、小而深的窗户和强烈的水平感，如何反映了军事防御的需要和对“坚固”这一概念的执着。他引入了“物质记忆”（Material Memory）的概念，探讨了当地石材的纹理、颜色乃至采石场的传说，如何潜移默化地塑造了建筑的最终形态和地方信徒的感官体验。在对克吕尼（Cluny）修道院的遗址重建分析中，他展示了大型修道院如何成为早期中世纪知识和工程技术的保存中心，其建筑体量本身就是一种跨越地域的权力宣言。 第二部分：哥特式的突破：理性、结构与光线的炼金术 本书的中心篇章聚焦于12世纪中期在法兰西岛（Île-de-France）兴起的哥特式建筑革命。麦克尼尔将这一时期视为一场“结构性的哲学辩论”。他认为，飞扶壁（Flying Buttresses）、肋拱（Rib Vaults）和尖拱（Pointed Arches）的发明，不仅仅是技术上的胜利，更是对“自然光”——即神圣启示的媒介——的积极追求。 麦克尼尔花费了大量篇幅来解构圣丹尼（Saint-Denis）修道院的翻修过程，将其视为从“坚固的庇护所”向“透明的容器”的范式转变。他引入了“静力学美学”的概念，解释了哥特式建筑师如何将原本隐蔽的结构力学，转化为可见的、装饰性的元素。墙体被“解放”出来，让位于玻璃彩绘。 彩绘玻璃（Stained Glass）在本书中被提升到与结构同等重要的地位。麦克尼尔借鉴了光物理学的早期观念，探讨了中世纪神学家如何看待彩色光线穿过玻璃后，对“灵魂的净化作用”。他深入分析了沙特尔大教堂（Chartres Cathedral）的色彩序列，揭示了不同颜色（特别是蓝色和红色）在特定的光照角度下，如何影响会众的情绪状态和对神迹的认知。这部分内容极大地挑战了传统上将中世纪艺术视为“平面化”的解读，强调了其对深度感知和瞬间体验的操纵能力。 第三部分：空间叙事与权力编织 麦克尼尔将中世纪建筑视为一个多层次的叙事场域。他分析了中殿（Nave）的长度如何象征着从尘世到天堂的朝圣路径；束柱（Compound Piers）如何从坚实的柱体演变为引导视线的向上线索；以及耳堂（Transepts）如何形成十字形的空间节点，强制性地改变了参观者的移动轨迹。 他特别关注了“世俗化”的建筑空间，例如城市市政厅（Hôtel de Ville）和大学建筑的兴起。他指出，随着商业和学术力量的增强，建筑语言开始借鉴宗教母题，但其核心信息转变为公民的骄傲和知识的权威。在对佛兰德斯（Flanders）的钟楼（Belfries）的考察中，他论证了这些世俗的高塔，如何在物质上与教堂的尖顶形成竞争，成为城市自治权的具象化象征。钟楼的内部结构，往往揭示了市民阶层在消防、储存和集会组织方面的工程智慧。 结论：未完成的整体与持续的解读 麦克尼尔总结道，中世纪建筑的伟大之处，恰恰在于它的“不完备性”。许多建筑终其一生都未曾达到最初的设计蓝图，这使得它们成为一个持续演变、被后世不断修补和解释的活化石。 本书的最后章节回归到现代视角，探讨了 19 世纪的哥特复兴运动（Gothic Revival）如何误读或重塑了中世纪的意图。他强调，只有理解了中世纪建造者在技术、神学和日常感知上的“框架”，我们才能真正欣赏这些石砌的宇宙观是如何在漫长的岁月中，不断地与我们进行着跨越时代的对话。 本书特色： 跨学科研究： 融合了工程学、符号学、光物理学以及中世纪神学史。 丰富图示： 包含超过三百幅由作者团队重新测绘的平面图、剖面图及结构应力模型图。 档案挖掘： 首次公开展示了数份来自法国和意大利地区修道院的早期石匠手稿拓片分析。 --- 读者群体推荐： 本书适合对建筑史、中世纪文化、艺术哲学以及工程美学有浓厚兴趣的专业人士和资深爱好者。阅读它需要一定的耐心，但将获得对中世纪宏大叙事结构前所未有的洞察力。

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说实话，我最初对这种类型的“纪念册”是持保留态度的，总觉得很多都像是为了圈钱而草草出版的。但《Perfume Livefolio》彻底颠覆了我的看法。这本书的深度远不止于华丽的照片堆砌。它更像是一份详尽的技术和概念解构报告。我被那些关于演出制作幕后细节的描述深深吸引住了——他们是如何将虚拟与现实无缝融合的？那些复杂的动作捕捉系统是如何与音乐同步的？书中对于创意团队的访谈和设计草图的展示，揭示了Perfume音乐背后那套严谨的、近乎偏执的工程美学。这种对“制作过程”的透明化处理，让普通观众也能一窥顶尖艺人是如何将抽象的音乐概念转化为具体可感的舞台体验的。这种对细节的痴迷，正是Perfume能够持续引领潮流的关键所在。我花了好几个小时来研究那些分层的设计图，简直像是在拆解一个精密的瑞士钟表，每一次翻页都带来新的领悟。它展现了一种对艺术完整性的极致追求，远超出了传统流行音乐范畴的界限。

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作为一名长期关注现代视觉艺术和现场体验媒介的观察者，我必须承认，《Perfume Livefolio》为同类型的“巡演纪念物”设定了一个极高的标准。它不再满足于做一个简单的回顾，而是试图定义“现场艺术记录”的未来方向。这本书的编排逻辑，与其说是线性的时间轴，不如说是一种多维度的概念地图。它让你在同一页上，可以同时看到概念草图、舞台分解图以及最终呈现的观众视角，这种信息密度的叠加处理，需要读者具备一定的背景知识，但也因此带来了极大的信息回报。它强迫你重新思考：一场成功的现场演出，其“本体”究竟存在于当下的空气中，还是可以被这种精心制作的媒介物所承载和永恒化？这本书无疑是后者的一次有力论证。它不是一个简单的纪念品，而是一份严肃的、具有收藏和研究价值的艺术文献，它本身就具有超越其记录对象的独立艺术价值。

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这个“Perfume Livefolio”的出版真是太棒了！我得说，这本书完全超出了我的预期。光是拿到手的那一刻，那厚实的纸张和精美的印刷质感就让人爱不释手。我本以为这会是一本流水账式的记录，结果翻开后才发现，它简直是一部精心策划的视觉盛宴。每一页的设计都充满了巧思，色彩的运用大胆而和谐，完全捕捉到了Perfume现场演出的那种梦幻感和未来感。我尤其欣赏他们对舞台布景和灯光效果的呈现方式，那些复杂的机械结构和光束交织的瞬间，通过高清的摄影技术被完美地定格了下来。阅读过程中，我仿佛能再次听到那些电子乐的脉动，感受到汗水和激情的碰撞。这不仅仅是一本关于演唱会的书，更像是一部凝固的时间胶囊，把那些稍纵即逝的艺术瞬间转化成了可以反复摩挲的实体。对于任何一个从她们早期巡演一路走来的乐迷来说，这都是一份无价的珍藏，它让你意识到，原来每一次的现场演出，都是一场精心编排的、转瞬即逝的艺术品。这本书成功地架起了一座桥梁，连接了舞台上的高光时刻和我们这些场外的观众，让那种现场的震撼感得以延长。

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我发现这本书最令人惊喜的一点是，它成功地捕捉到了Perfume成员之间那种微妙的、非语言的互动。在那些看似高度同步、机械化的舞台表演背后，书中的一些抓拍瞬间，捕捉到了あ～ちゃん、かしゆか和のっち之间一个眼神的交汇，或者是一个不易察觉的身体姿态的倾斜。这些瞬间，对于死忠粉来说，比任何精心摆拍的合影都要珍贵得多。它们暗示了在这层冰冷的电子外壳之下，依然流淌着真实的人类情感和长久建立的默契。这种“人性化”的呈现，平衡了整本书偏向技术和概念的冷峻感。它提醒我们，无论技术如何进步，艺术的内核永远是创作者与表演者之间的连接。这本书的编辑团队显然花了大量时间在海量的素材中筛选，挑选出了那些最能体现“人”的温度的片段，使得整本书的叙事更加立体和丰满，避免了成为一本纯粹的“硬壳技术手册”。

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这本书的排版和装帧风格，简直就是对“极简主义”的最好诠释，但又绝不枯燥乏味。它用最克制的设计语言，反而最大化了内容的冲击力。我特别喜欢它在文字和图像之间的留白处理，那种大量的负空间运用，让每一张照片都有足够的呼吸感，不会让人感到信息过载。文字部分的选择也十分精准，没有太多煽情的辞藻，而是用一种冷静、近乎学术的口吻来描述她们的艺术演变历程。这种风格与Perfume本身那种疏离而又精准的电子美学高度契合。它不是在讨好读者，而是在邀请你进入一个更深层次的思考空间。对于那些关注设计美学和视觉传达的人来说，这本书本身就是一本极佳的案例研究。它证明了“少即是多”在大型演出记录中同样适用，甚至能产生更持久的回味。每一次翻阅，都能发现之前忽略掉的细微光影和布局上的巧妙安排，这是一种需要静下心来慢慢品味的体验。

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