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《中外神话故事(注音版)》内容简介：神话反映了远古人类的生活与思想，是一个国家和民族的宝贵精神财富，推动了后世文学和艺术的发展。尤其是神话丰富奔放、瑰丽多彩的想象和对大自然形象化、艺术化的表达手法，对孩子们从小培养热爱大自然、热爱生命的人文精神具有非常有益的作用。
世界各国、各民族都有自己的优秀神话故事，《中外神话故事(注音版)》从趣味性、文学性、知识性等角度出发，精心选择了其中的几十篇。这些故事具有鲜明的感情色彩，赞颂了真、善、美，鞭挞了假、恶、丑，讴歌了智慧、善良、勤劳、勇敢、坚毅等人类的崇高品质，将使少年朋友们如踏入一片生机盎然的百花园，心智得到启发，人格得到完善。
《光影浮世绘：二十世纪电影艺术的流变与审美嬗变》 一、 序章：银幕之上，时代之镜 本书并非一部传统的电影史编年录，而是试图以一种更具个人化和审美批判的视角，对二十世纪这一波澜壮阔的电影艺术发展历程进行一次深度的回溯与剖析。我们不再满足于简单梳理流派更迭和技术革新，而是将目光聚焦于光影如何捕捉、折射和重塑特定时代的社会心理、哲学思辨以及人类情感的复杂面向。二十世纪，是人类历史上技术爆炸、社会剧变与文化冲突最为激烈的百年，而电影——这项诞生于世纪之交的新兴艺术——恰如一面灵敏的镜子，忠实地映照出时代的焦虑、希望与幻灭。 本书将主要围绕“现代性危机”、“媒介的革命”、“身体与凝视的权力”以及“后现代的解构与回归”这四大核心议题展开，选取那些在美学上具有开创性、在思想上具有深刻穿透力的作品作为切片，深入剖析其背后的文化语境、导演的个人意志，以及它们如何共同构建起一个丰富、矛盾而又迷人的电影世界。 二、 第一部分：默片的宏大叙事与蒙太奇的暴力美学（约 1900-1927） 本部分将聚焦于默片时代，探讨其在缺乏声音的情况下，如何通过纯粹的视觉语言达到了叙事的极致。我们将探讨梅里爱（Georges Méliès）的奇幻实验如何奠定了电影的魔幻基础，以及格里菲斯（D.W. Griffith）的叙事技巧如何确立了经典好莱坞的语法框架。 核心分析将集中在苏联蒙太奇学派的颠覆性贡献。普多夫金（Vsevolod Pudovkin）的“平行剪辑”如何暗示着意识形态的构建，而爱森斯坦（Sergei Eisenstein）的“碰撞蒙太奇”（即辩证蒙太奇）则不仅仅是一种剪辑技巧，更是一种强有力的、带有哲学意味的暴力美学。我们分析《战舰波将金号》中敖德萨阶梯一幕，并非仅仅赞叹其节奏的精准，而是探讨这种“刺激-反应”的剪辑方式，如何直接作用于观众的生理和政治情感，实现艺术对现实的干预。同时，我们也将审视德国表现主义电影（如《卡里加里博士的小屋》）如何通过扭曲的布景和夸张的表演，直观地描绘出第一次世界大战后欧洲知识分子对理性秩序崩塌的深层恐惧。 三、 第二部分：有声时代的语法重建与“作者论”的兴起（约 1927-1950） 有声电影的出现，并非仅仅是技术的升级，而是一次对电影本体论的剧烈冲击。声音的加入，一方面加深了现实的模仿性，另一方面也迫使电影人重新思考“画面-声音”之间的张力关系。 本章将深入探讨好莱坞黄金时代的类型片如何成熟定型，并分析这些看似程式化的类型片（如黑色电影、西部片）内部潜藏的对美国梦的质疑与反思。尤其是黑色电影（Film Noir），我们将从弗洛伊德的潜意识理论和战后退伍军人的创伤中，解读其标志性的低角度布光、阴影和蛇蝎美人形象，视为对战后社会道德松动的一次艺术化表达。 更重要的是，我们将引入法国“作者论”（Auteur Theory）的诞生。作为对传统制片厂制度的反叛，作者论将电影视为导演的个人表达，强调导演对影片风格、主题和内在哲学的绝对控制。从让·雷诺阿（Jean Renoir）的温和人道主义，到奥逊·威尔斯（Orson Welles）的惊世之作《公民凯恩》，我们探讨了这种理论如何为电影艺术赋予了文学和绘画同等的严肃性，并确立了电影评论和研究的新范式。 四、 第三部分：战后反叛与现代主义的自我审视（约 1950-1970） 二战后的世界，在物质重建的同时，也面临着精神和意义的真空。电影作为反思的媒介，开始向内收缩，转而关注个体经验、异化与非理性。 意大利新现实主义（Italian Neorealism）的出现，以其对非职业演员、实景拍摄和日常琐碎的关注，是对好莱坞宏大叙事的一次有力“去魅”。它宣告了艺术的回归——回归到普通人的生存困境中。随后，法国新浪潮（Nouvelle Vague）则继承了作者论的精神，但采取了更为激进的实验手法。特吕弗（François Truffaut）的“电影万岁”，戈达尔（Jean-Luc Godard）的“跳切”和对传统叙事弧线的粗暴打断，不再是为了表达清晰，而是为了凸显电影制作行为本身——“电影是关于电影的艺术”。我们分析这种对叙事完整性的破坏，实则是对僵化社会结构和传统文化权威的反抗。 与此同时，东欧和日本的电影巨匠们，如安东尼奥尼（Michelangelo Antonioni）对“现代人失语症”的描绘，以及黑泽明对人性中原始冲动与道德困境的挖掘，共同构筑了一个充满疏离感和哲学思辨的电影景观。 五、 第四部分：后现代的解构、娱乐的回归与媒介的未来（约 1970 至今） 随着大众媒体的普及和消费主义的盛行，电影艺术在七十年代进入了一个审美的转折点。一方面，以新好莱坞（New Hollywood）为代表的导演们（如科波拉、斯科塞斯）将作者论的个人探索与商业片的巨大潜力结合，创造出既有深度又具爆炸力的作品。 另一方面，我们目睹了后现代美学在电影中的全面渗透。后现代电影不再相信宏大叙事和绝对真理，转而拥抱拼贴、戏仿（Parody）、互文性（Intertextuality）和元叙事（Metafiction）。昆汀·塔伦蒂诺（Quentin Tarantino）对类型片元素的肆意挪用和重组，是这种美学趋势的典型体现。电影从“再现世界”的工具，变成了一个自我指涉、游戏性质的符号系统。 本书的收尾部分，将探讨进入新千年后，数字技术对电影本体的进一步挑战与重塑。特效的普及如何模糊了奇观与现实的界限，以及流媒体平台崛起后，电影的“仪式感”是否正在消亡。最终，我们试图探讨，在这样一个信息爆炸、媒介交融的时代，电影艺术的“未来”将不再是单一的银幕，而是无数种观察、体验和叙事可能性的集合。 结论：凝视的终结与无限的开端 本书旨在提供一个复杂、多层次的二十世纪电影地图，它承认电影的艺术成就，也正视其作为意识形态工具的复杂性。通过对光影、剪辑、声音和叙事结构的层层剥茧，我们希望能引导读者超越“喜欢”与“不喜欢”的层面，去理解电影是如何在一百年的时间里，深刻地塑造了我们理解自身、理解时代的方式。
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