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出版者:講談社

作者:奥泉光

出品人:

页数:322

译者:

出版时间:2010年7月26日

价格:JPY1,680円（税込）

装帧:単行本

isbn号码:9784062163446

丛书系列:

图书标签:

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好的，这是一部关于欧洲早期音乐史，特别是中世纪晚期到文艺复兴早期，圣歌与世俗音乐交织的学术专著的简介。 --- 书名：和声的黎明：从格里高利圣咏到奥兰多·迪·拉索的音乐演进 内容提要 《和声的黎明：从格里高利圣咏到奥兰多·迪·拉索的音乐演进》是一部深入探究公元 1100 年至 16 世纪末西方音乐思想与实践变革的鸿篇巨制。本书摒弃了传统音乐史中常见的、以特定作曲家个人传记为中心的叙事模式，转而聚焦于音乐结构、记谱法发展、以及教会与宫廷赞助体系如何共同塑造了音乐的社会功能与审美取向。 全书共分为六个相互关联的部分，通过对大量一手文献的细致考证和创新的音乐分析方法，揭示了多声部音乐如何从早期的平行音程演变为复杂的对位织体，并最终在文艺复兴盛期达到其结构上的巅峰。 第一部分：单音的遗产——格里高利圣咏与早期记谱的局限 本部分首先回溯了欧洲音乐的基石——格里高利圣咏（Gregorian Chant）。我们不满足于对圣咏曲目的简单罗列，而是着重分析了墨相（Neume）记谱法的地域性差异（如圣加伦、Arezzo 等学派的对比），以及这些早期的符号如何反映了口头传统对音高准确性的挑战。重点探讨了“定高”（Diafonia）观念的萌芽，特别是对早期奥尔加农（Organum）的结构解析，关注巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）的领军人物莱奥宁（Léonin）和佩罗坦（Pérotin）如何首次系统化地将时间维度引入到音乐结构中，实现了对节奏的量化控制。这一时期的音乐是神学思想的直接载体，其对位规则的建立，本质上是对神圣秩序的模仿与构建。 第二部分：世俗之声的崛起——吟游诗人的世界与世俗歌曲的规范化 随着中世纪晚期城市经济的发展和宫廷文化的兴盛，一股强大的世俗音乐力量开始挑战教会的主导地位。本书详尽考察了行吟诗人（Troubadour）、宫廷诗人（Trouvère）以及后来的游吟乐师（Minnesinger）的作品。分析的重点在于他们的诗体结构与音乐形式的对应关系（如：Ballade, Rondeau, Virelai 的早期形态）。这一部分的特殊价值在于，我们引入了对残存世俗手稿中“不协和音的使用频率”的统计分析，以量化世俗音乐在情感表达上对教会严格和声规范的突破程度。我们揭示了世俗音乐如何通过更具叙事性、更注重人际情感的文本，为后来的“人本主义”音乐美学奠定基础。 第三部分：文艺复兴的开端——“新艺术”与奥尔加农的终结 本部分聚焦于 14 世纪的“Ars Nova”（新艺术）。本书提出了一个鲜明的论点：Ars Nova 的核心并非仅仅是节奏上的复杂化，而是对“完美分割”的哲学追求。我们对纪尧姆·德·马肖（Guillaume de Machaut）的弥撒曲进行了深入的结构图解分析，展示了他是如何将世俗音乐中成熟的复调技术，首次系统地应用于大型宗教文本的统一创作中。同时，本书详细对比了法国的 Ars Nova 与意大利的 Trecento 音乐（特别是巴尔迪（Jacopo da Bologna）的作品），强调了地理和语言差异如何催生了不同侧重点的和声语言。 第四部分：中欧的交汇点——勃艮第乐派的黄金时代与风格的融合 15 世纪，音乐的中心从巴黎转移到了勃艮第公国。本书将勃艮第乐派（Burgundian School）视为“多声部织体成熟的孵化器”。重点分析了吉约姆·杜法伊（Guillaume Dufay）的作品，特别是他对“不规则音程”的处理以及如何将英格兰引入的陆地唱法（Contenance Angloise）的简洁、甜美和声融入到复杂的法国结构之中。通过对比杜法伊早期与晚期的作品，我们得以观察到作曲家如何有意识地调整和声色彩，以适应宫廷庆典和宗教仪式的不同需求。对本诺瓦·季尔曼（Binchois）的香颂分析，则揭示了如何用高度精炼的对位手法来表达细腻的、近乎个人化的情感。 第五部分：对位艺术的巅峰——罗马的典范与伊丽莎白时代的扩展 文艺复兴盛期是复调艺术的黄金时期，本书将此阶段划分为“结构纯粹化”和“情感表达深化”两个子阶段。 在“结构纯粹化”方面，我们详细剖析了若斯坎·德普雷（Josquin des Prez）的创新。他如何通过主题的模仿与变奏，在保持文本清晰度的同时，构建起宏大而逻辑严密的音乐建筑。本书引入了关于若斯坎晚期“人声平衡”的声学模型研究，以解释其作品中声音如何达到“天人合一”的境界。 在“情感表达深化”方面，本书将目光投向了后期“第二维也纳乐派”的先驱——帕莱斯特里纳（Palestrina）及其所代表的罗马画派。通过对《教宗马尔切卢弥撒》的逐个声部拆解，我们阐释了特伦特会议后，教会如何通过严格的《对位法教科书》来规范音乐，确保宗教文本的清晰性，从而使帕莱斯特里纳的和声语言成为后世模仿的“完美典范”。同时，本书也考察了英国作曲家托马斯·塔利斯（Thomas Tallis）在面对英国国教改革时，如何在一首作品中巧妙地融合了罗马的严谨与本土的色彩。 第六部分：风格的转折点——对位法的世俗化与巴洛克的阴影 本书的收官部分探讨了 16 世纪末，音乐在走向巴洛克前夜所展现出的巨大张力。重点考察了奥兰多·迪·拉索（Orlande de Lassus）和卡洛·杰苏阿尔多（Carlo Gesualdo）。拉索的作品展示了如何将佛兰德斯的严谨对位与意大利的戏剧性文本表现力完美结合，其作品中频繁出现的色彩性半音阶，预示着调性体系的瓦解。而对杰苏阿尔多的分析，则集中于其“惊世骇俗”的和声实验，这些实验性的大跨度和声进行，直接预示了巴洛克时期“情感论”（Doctrine of Affections）的来临。 本书的贡献在于，它将音乐史视为一部技术、哲学与社会赞助相互作用的连续演进过程，为严肃的音乐学者、历史学爱好者以及高等院校的音乐理论学生，提供了一部全面、深入且充满洞察力的参考著作。全书配有大量首次翻译的德文、法文和拉丁文手稿选段及精确的现代五线谱校订。

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翻开这本书，首先被其严谨的学术态度所折服。作者显然在浩如烟海的史料中进行了地毯式的挖掘，对于许多鲜为人知的音乐家和被主流史学忽视的音乐事件，进行了细致入微的考证与平反。例如，对于早期清唱剧在德累斯顿宫廷中的地位变化，书中提供了大量一手档案资料的引用和解读，其专业性令人肃然起敬。它不像有些流行的音乐读物那样追求哗众取宠的轶事，而是扎扎实实地构建起一个逻辑严密的知识体系。我特别欣赏作者在处理音乐文本时的审慎态度，他们既不盲目推崇既有的权威解释，也不轻易地进行颠覆性的解读，而是通过多重视角的比对，引导读者自行构建对作品的理解。这本书的脚注和尾注部分，本身就是一部浓缩的微型研究报告，对于有志于深入研究的读者来说，简直是无价之宝。它要求读者投入时间与精力，但所获得的回报，绝对是知识结构层面的提升。

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读完这本书，心中涌起一股强烈的冲动，想要重新聆听那些似乎已经耳熟能详的古典音乐作品。作者在描述那些宏大交响乐的结构布局时，所采用的比喻和类比，极其精妙地揭示了音乐内部的“建筑美学”。我此前总觉得海顿的后期四重奏在结构上是典范，但这本书让我看到了其中隐藏的幽默感和对形式的巧妙戏谑，这种细微的情感波动被捕捉得丝丝入扣。书中对不同乐章之间的情绪过渡，那种微妙的张力与释放的掌控，有着极高的文学品味。特别是关于奏鸣曲式中“呈示部”与“再现部”之间心理预期的构建，作者用了一种近乎心理分析的笔法来阐释，使得原本抽象的音乐理论变得鲜活而富有人性。可以说，这本书极大地提升了我对古典音乐欣赏的层次，它让我从“听热闹”进入到“看门道”的阶段，每一次重听都像是发现了一个新的维度。

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这部新近出版的关于十九世纪欧洲音乐史的鸿篇巨制，实在让人爱不释手。作者以极其细腻的笔触，勾勒出了那个时代知识分子群体的心灵图景。书中对贝多芬晚期奏鸣曲中那种近乎宗教性的沉思，以及勃拉姆斯早期作品中蕴含的德意志民族精神的挣扎与和解，有着令人拍案叫绝的独到见解。尤其值得称道的是，作者并没有停留在传统的曲目分析层面，而是将音乐置于当时的社会思潮、哲学辩论，乃至新兴工业革命带来的文化冲击之中进行考察。阅读过程中，我仿佛能感受到那些作曲家们在创作巅峰时期所承受的巨大精神压力与艺术追求的纯粹性。比如，关于李斯特在魏玛时期举办的那些里程碑式的音乐沙龙，作者的描述就极具画面感，让人真切体会到那种群星璀璨、思想碰撞的氛围。书中对“浪漫主义”这一宏大概念的解构与重塑，也充满了启发性，它不再是一个空泛的标签，而是被拆解成一系列具体的、可感知的文化现象。这不仅仅是一本音乐史书，更是一部深入探究人文精神的佳作，引人深思。

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这本书最让我感到惊艳的地方，在于它对“地域性”音乐风格差异的考察。作者并没有将德奥音乐置于绝对中心，而是花了相当大的篇幅去描绘了意大利歌剧改革运动在当地社会中的根基，以及法国巴洛克晚期舞蹈音乐如何与宫廷礼仪紧密结合的现象。这种全球视野（至少是欧洲范围内的视野）使得对整个古典音乐图景的理解更加立体和丰富。尤其是在描述维也纳古典乐派形成过程中，对于来自意大利、波西米亚等地的音乐家所带来的“异质性”影响时，作者的分析非常辩证和客观。它打破了那种“德奥一统天下”的刻板印象，揭示了音乐史的真正面貌往往是不同文化元素交融碰撞的结果。读完之后，我对所谓的“正统”音乐的概念产生了新的审视，体会到了一种更加包容和多元的艺术观。

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坦白讲，这本书的排版和装帧设计本身就是一种享受。封面那略带复古的字体选择，以及内页纸张的质感，都散发出一种沉静而高雅的气息，让人在阅读时就能感受到作者对细节的执着。不过，内容上的挑战性也毋庸置疑。作者对于十八世纪末期欧洲贵族赞助体系下，不同乐团编制与乐器改良之间的相互影响，进行了非常详尽的论述，其中涉及到大量的技术性词汇和特定历史背景知识。初读时，确实需要放慢速度，甚至需要查阅一些辅助资料才能完全跟上思路。但这并非是缺点，而是作品质量的体现。它拒绝将复杂的历史简化为易于消化的快餐信息，而是忠实地呈现了那个时代音乐发展的复杂性与多面性。它更像是一本供研究者和资深爱好者反复研读的工具书，而不是茶余饭后的消遣读物，其厚重感是其他同类书籍难以比拟的。

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这本小说里其实含有成分不低的BL内容，虽然没有BL小说那种感觉的描写，这点要注意。

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除了力荐之外没有别的想法了，如果你喜欢古典音乐，如果你喜欢舒曼，那么就是它了

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舒曼论

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这本小说里其实含有成分不低的BL内容，虽然没有BL小说那种感觉的描写，这点要注意。

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