最经典的中国民间故事 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:重庆

作者:龚勋

出品人:

页数:121

译者:

出版时间:2010-8

价格:18.80元

装帧:

isbn号码:9787229024444

丛书系列:

图书标签:

• 中国民间故事
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• 文化遗产
• 故事

《光影流转：世界电影史上的十大美学革命》 内容简介： 本书深入剖析了自电影诞生之初直至当代，全球电影艺术发展历程中，那些颠覆性、里程碑式的“美学革命”。我们聚焦于十个关键的历史节点或流派，它们不仅改变了电影的叙事方式和视觉语言，更重塑了观众理解和体验光影艺术的范式。 第一章：默片的视觉交响——从“幻灯片”到蒙太奇的诞生（约1900-1927年） 本章探讨了无声电影时期，艺术家们如何仅凭画面、节奏和演员的肢体语言来构建复杂的情感和叙事。重点分析了梅里爱（Georges Méliès）的魔术般的开创性技术，以及俄国蒙太奇学派（如爱森斯坦、库里肖夫）如何通过对镜头之间并置和冲突的精心设计，创造出超越单个镜头含义的“第三种意义”。我们详细考察了《大都会》中对建筑美学和未来主义的极致运用，以及格里菲斯（D.W. Griffith）对平行剪辑和特写镜头（Close-up）的成熟运用，这些都奠定了现代电影的“语法”。我们将这些技术视为第一次重大的美学革命：将机械记录的影像提升为一种有组织的、具有思想深度的艺术语言。 第二章：声音的闯入与黄金时代的风格化（约1927-1940年） 有声电影的出现并非简单的技术升级，而是一场剧烈的风格重塑。本章关注声音如何被电影人“驯服”并用于增强视觉表达，而非仅仅是对话的记录。我们将剖析德国表现主义（German Expressionism）如何利用灯光、布景的扭曲来反映角色内在的心理状态，即使在有声电影阶段，其强烈的视觉符号依然对好莱坞类型片产生了深远影响。同时，对好莱坞“制片厂体系”下，如塞兹尼克（David O. Selznick）或米高梅（MGM）的奢华布景、精确摄影如何形成一种高度风格化、歌剧般的美学范式进行探讨。 第三章：意大利新现实主义：直面废墟的镜头（约1945-1952年） 二战结束后，意大利电影人发起了一场彻底的“去好莱坞化”运动。本章详述了新现实主义如何通过使用非职业演员、实景拍摄、放弃传统戏剧化情节，转而关注普通民众在战后困境中的日常生活。这种对“真实”的追求，不仅是题材上的革命，更是对电影制作美学的一次清洗——它证明了电影的力量可以来源于对日常片段的精确捕捉，而非宏大叙事。安东尼奥尼（Antonioni）后来的疏离感探讨，也可以视为这场美学探索的延伸。 第四章：法国新浪潮：作者论与即兴的诗意（约1958-1964年） 法国新浪潮（Nouvelle Vague）是对好莱坞成熟叙事模式的激烈反叛。本章聚焦于特吕弗（Truffaut）、戈达尔（Godard）等人如何将电影制作个人化，确立了“作者论”（Auteur Theory）的核心地位。手持摄影、跳切（Jump Cuts）、直接对镜头讲话等“不完整”的技巧，被刻意地暴露出来，旨在打破观众的沉浸感，强调电影作为一种作者表达的媒介。这种对传统电影语言的“破坏性”创新，极大地拓宽了电影的主题范围和表现形式。 第五章：野性与风格的碰撞：美国新好莱坞（约1967-1975年） 面对社会动荡和审查制度的松动，美国电影迎来了其最具活力、也最个人化的时期。科波拉（Coppola）、斯科塞斯（Scorsese）、斯皮尔伯格（Spielberg）等一批受欧洲艺术电影熏陶的导演，将复杂的人性、对权威的质疑，融入到类型片（如黑帮片、西部片）的外衣之下。本章分析了这种“自我反思式”的美学如何运用更具层次感的摄影、更混沌的声效设计，来表达对美国梦的幻灭感。 第六章：东方的禅意与形式的突破：日本电影的极简主义（约1950年代至今） 本章转向东方，重点考察了小津安二郎（Ozu Yasujiro）对叙事节奏的彻底控制和独特美学。他的“榻榻米镜头”（Tatami Shot）、对家庭关系的静默观察、以及刻意回避戏剧高潮的手法，形成了一种与西方电影截然不同的视觉哲学——一种基于留白、克制和永恒循环的禅宗美学。这种对“无为而治”的追求，是对电影叙事密度的一种深刻挑战。 第七章：酷派美学与反叙事结构（约1960年代中后期） 针对日益商业化的电影工业，一系列挑战主流叙事的流派兴起。本章探讨了欧洲和美国出现的“反叙事”（Anti-Narrative）倾向。从伯格曼（Bergman）对内心独白和非线性时间的探索，到沃霍尔（Andy Warhol）极端静态的、挑战观众忍耐极限的实验作品，都体现了一种对传统“意义”生产机制的抵制，转而强调电影体验本身的物质性和在场感。 第八章：特效的解放：数字时代的视觉奇观与“超真实”（约1990年代至今） 随着计算机生成图像（CGI）技术的成熟，电影的视觉可能性被空前释放。本章不再关注CGI本身，而是分析这种技术如何催生了一种新的美学需求——对“不可能场景”的构建。重点讨论了沃卓斯基姐妹（The Wachowskis）如何利用数字技术探讨现实的界限（如《黑客帝国》中的“子弹时间”），以及这种视觉复杂性如何反过来影响了故事的节奏和观众的认知负荷。 第九章：世界电影中的空间叙事：长镜头与时间感（持续演变） 本章聚焦于空间和时间处理技巧的精细化。长镜头（Long Take）不再仅仅是炫技，而成为一种哲学工具。分析了贝拉·塔尔（Béla Tarr）如何通过极端拉长的镜头，迫使观众进入角色的缓慢呼吸和沉重处境，以及塔维阿尼兄弟（Taviani Brothers）对历史场景的沉浸式重构。这种对“现在时”的强调，是对传统快速剪辑的直接美学对抗。 第十章：后数字时代的碎片化与流媒体的视觉生态（当代趋势） 本书最后探讨了当代电影美学的新挑战：在碎片化的观看环境和高度互联的文化中，电影语言如何适应“小屏幕”和快速消费的节奏。本章考察了如何将高概念叙事与高度个人化的视觉风格（如韦斯·安德森的强迫性对称）结合，以在信息洪流中抓住观众的注意力。它提出了一个开放性问题：在算法推荐和无限内容池的时代，电影美学革命的下一波浪潮将以何种形式出现？ 本书力求以严谨的电影史分析，结合对具体影像片段的细致解读，为读者勾勒出一部关于“电影如何学会看世界，以及世界如何被电影重塑”的视觉艺术史。

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