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出版者:贵州教育出版社

作者:[美] 希利尔

出品人:

页数:380

译者:

出版时间:2010-4

价格:49.80元

装帧:

isbn号码:9787545600841

丛书系列:希利尔人文启蒙系列

图书标签:

• 艺术
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建筑的低语：从巨石阵到摩天大楼的空间叙事 作者： [此处留空，或填写一个与“希利尔讲艺术史”风格迥异的虚构作者名，例如： 维克多·科瓦奇 或 艾米莉亚·桑德斯] 一、导言：在尺度与时间的夹缝中行走 本书并非一部宏大的艺术通史，亦非聚焦于绘画或雕塑的精微分析。它是一次深入地、近乎于沉思的探索，关于人类文明最古老、最持久的表达形式——建筑。我们试图剥离那些充斥着“风格”、“流派”和“大师”的标签，转而关注建筑的本质：它如何塑造我们的存在，如何记录权力与信仰的演变，以及材料本身所携带的文化记忆。 建筑的本质在于其尺度感。它将个体置于一个被精心设计的环境中，迫使我们以上下、远近的方式重新校准自身的定位。从仰望万神殿穹顶的敬畏，到穿行于中世纪街道的压抑，再到俯瞰现代都市的疏离感，建筑是人类心理与集体意识的物质载体。 本书将时间轴拉伸至极广，但聚焦于特定的“转折点”——那些空间范式发生根本性转移的时刻。我们将聚焦于“空间如何被定义”这一核心问题，而非“建筑看起来如何”。 二、原初的界定：仪式、边界与永恒的渴望 我们的旅程始于史前时代。巨石阵（Stonehenge）并非仅仅是一堆石头，它是对天文学的物理注释，是对季节循环的仪式性锚定。这种原始建筑行为的驱动力，在于人类对“秩序”的渴望，是对混沌宇宙的局部征服。在这里，建筑是时间的记录者，而非居住的容器。 随后，我们将考察美索不达米亚的“之”字形神塔（Ziggurat）。这种层层叠叠、向上逼近的结构，体现了一种垂直的、等级化的宇宙观。它不是供人使用的空间，而是神祇与凡间沟通的“楼梯”。我们分析其夯土结构的物理局限如何反过来限定了其宗教表达的强度。 三、古典的平衡与遗失的韵律：光影、比例与公民身份 古希腊的建筑，特别是雅典卫城，标志着人类对“完美比例”的首次系统性追求。帕特农神庙的美学，在于其对视觉误差的精确补偿（Entasis），这揭示了一种深刻的哲学信念：世界是可理解的，美是可以通过数学达成的。本书将深入分析多立克、爱奥尼和科林斯柱式的差异，不仅仅作为装饰语汇，而是作为公民美德与社会结构的隐喻。 罗马的贡献则在于“内部空间”的解放。拱、券和混凝土的发明，使得建筑师能够创造出前所未有的、连续的、可容纳大量人群的内部环境。万神殿的穹顶不仅仅是一个技术奇迹，它创造了一个“天空的倒影”——一个包容性的、统一的宇宙观。我们将探讨罗马浴场和巴西利卡的布局，如何服务于帝国公共生活的组织方式。 四、中世纪的垂直焦虑与光线的炼金术 中世纪是建筑史中“内在经验”爆发的时代。哥特式大教堂是人类理性（结构工程）与非理性（宗教狂热）碰撞的产物。我们着重分析飞扶壁（Flying Buttress）的作用，它如何将墙体解放为“玻璃的骨架”，使光线得以渗透和折射。 圣丹尼修道院的理念——将物质之光转化为神圣之光——是对古典实体性的一种颠覆。加大窗户的不仅仅是建筑师，更是神学家的意图。这种对高度的执着，是对世俗权力的蔑视，也是对天国的具象化想象。我们将对比北欧的尖拱和意大利的相对低矮，来理解地域性信仰强度的差异。 五、文艺复兴的回归与巴洛克的戏剧性 文艺复兴是建筑对古典母题的“回归与修正”。布鲁内莱斯基的圣母百花大教堂穹顶，是技术复兴的象征，但其核心仍是人文主义对“人”的尺度和理性能力的重新肯定。阿尔贝蒂的理论，强调建筑是“和谐的、具有一定比例关系的结构物”，将美学与伦理紧密绑定。 然而，巴洛克时期对这种克制的理性发起了反击。贝尔尼尼和博罗米尼将建筑视为一种流动的、戏剧化的表演艺术。柱子不再是支撑，而是波浪；墙壁不再是边界，而是运动的参与者。我们分析圣卡罗·阿·夸特罗·丰塔纳教堂（San Carlo alle Quattro Fontane）的凹凸变化，如何营造出心理上的不确定性和运动感，这是对绝对秩序的胜利反叛。 六、工业革命的幽灵与现代性的铁骨 19世纪后期，新材料——铸铁、钢和玻璃——的出现，彻底动摇了数千年来基于砖石的建筑语言。水晶宫（The Crystal Palace）的快速搭建，证明了“时间”和“工业生产力”本身可以成为建筑的表达。 现代主义建筑的兴起，是对工业生产力的最激进回应。勒·柯布西耶的“新建筑五点”，是对传统承重墙体系的彻底抛弃。然而，本书将深入探讨，现代主义如何从对功能的颂扬，逐步异化为对“纯粹形式”的僵硬崇拜，以及这种“取消历史”的姿态，在社会中留下的冷漠后果。我们将审视密斯·凡德罗的“少即是多”与其背后资本主义逻辑的共谋。 七、解构与场所精神：后现代的碎片与回归 在对统一性感到疲惫之后，后现代主义（如文丘里）开始重新拥抱“装饰”和“历史的讽刺”。但更深层次的探讨在于，当代建筑如何处理全球化和地域性之间的矛盾。 “场所精神”（Genius Loci）的概念成为批判现代主义的利器。本书最后将讨论当代大师们（如伦佐·皮亚诺或弗兰克·盖里）如何在尊重材料的物理特性和当地文化语境的同时，运用尖端技术创造新的空间张力。建筑不再仅仅是“造物”，而是对特定地点历史、气候和记忆的“介入”与“对话”。 本书的结论是：建筑的历史，就是人类对自身存在的不断追问——我们希望被何种空间所定义，以及我们愿意为这种定义付出何种物质代价。它不是关于风格的更迭，而是关于人类永不满足的、对“庇护”和“超越”的原始渴望的物质化证明。

评分☆☆☆☆☆

一本美国人给儿童写的幼儿读物，语言幼稚，图文并茂。如果儿童看应该非常好，普及基本知识。 下面说的不是关于书的了，美国人上个世纪初就写出了这本书给本国的小朋友啊！我们中国人到这个世纪初写出了什么书给自己小朋友，有木有？木有！大人呢，翻开这本书有几个人知道了解多...  

评分☆☆☆☆☆

“它让我们想到，我们渺小的生命是如此短暂，而永恒却是那样漫长，漫长的令人敬畏——这就是艺术”。 因为偶然的机会触碰到艺术的边缘，此后便提起了在该领域一探究竟的兴趣。可能的确是如杜尚所说，艺术是一种瘾，类似吸毒的瘾，艺术家也好，收藏家也好，和艺术有任何联系的人...  

评分☆☆☆☆☆

一本美国人给儿童写的幼儿读物，语言幼稚，图文并茂。如果儿童看应该非常好，普及基本知识。 下面说的不是关于书的了，美国人上个世纪初就写出了这本书给本国的小朋友啊！我们中国人到这个世纪初写出了什么书给自己小朋友，有木有？木有！大人呢，翻开这本书有几个人知道了解多...  

评分☆☆☆☆☆

艺术是一门很深奥的学问。今时今日的孩子们在学习文化功课的同时，我觉得同样需要了解艺术文化，提升艺术修养，掌握艺术知识，培养艺术鉴赏能力等等。只有这样，他们才可以学会欣赏，学会热爱，学会对美的进一步追求。 一部围绕着培养孩子们艺术知识和艺术鉴赏的经典读本《希...  

评分☆☆☆☆☆

《希利尔儿童艺术史》是本让人看到就爱不释手的书，对于每一个对艺术或多或少有点兴趣的人来说，我都想要强烈推荐一番。它主要讲的是西方艺术历史，从中了解艺术的成长发展，不同时期人们的生活气息风貌。还有更重要的是让你能学会剔除内心的壁垒，去学会理解和包容不同类型的...  

评分☆☆☆☆☆

我印象最深刻的是，这本书并没有把艺术史描绘成一部冰冷、刻板的“史实堆砌”。相反，希利尔通过生动有趣的语言和丰富的事例，将艺术家们塑造成有血有肉的个体。他会讲述艺术家们在创作过程中遇到的困难、他们与同时代人的交往、甚至是他们的个人情感经历，这些鲜活的细节让那些原本遥不可及的艺术大师们变得亲切起来。比如，当我了解到某个画家为了追求极致的色彩表现，是如何冒着生命危险去研究颜料，或者某个建筑师是如何为了实现一个大胆的设计而与权力机构周旋时，我不仅仅是看到了艺术品本身，更是感受到了创作背后那份执着与热情。

评分☆☆☆☆☆

一直对艺术史充满了好奇，但每次翻开厚重的艺术史书籍，总会被那些晦涩难懂的专业术语和错综复杂的历史脉络弄得望而却步。直到我偶然发现了《希利尔讲艺术史》，它就像一位温和而博学的向导，带着我一步步走进艺术的殿堂。这本书最让我惊喜的地方在于，它并没有像许多同类书籍那样，一上来就抛出一大堆西方艺术史的“大咖”和“名作”，而是选择了一个非常亲切的切入点。它从我们日常生活中能够接触到的事物出发，比如一幅画、一座建筑，甚至是某个熟悉的器物，来引出背后蕴藏的艺术史故事。这种“由近及远”的叙事方式，让我这个艺术史小白瞬间感觉自己不再是局外人，而是能够参与到这场宏大的历史进程中来。

评分☆☆☆☆☆

读完《希利尔讲艺术史》，我感觉自己仿佛经历了一场身临其境的艺术之旅。书中丰富的插图，虽然没有直接提及，但它们所呈现的色彩、构图和细节，已经深深地印在了我的脑海里。我能够想象出那些伟大作品的尺寸，感受到它们在空间中的存在感。更重要的是，这本书让我对艺术的理解不再局限于西方艺术，它也在潜移默化地引导着我去关注和理解其他文化背景下的艺术表达，拓宽了我对“艺术”这个概念的认知边界，让我认识到艺术是人类共通的语言，是不同文明之间交流的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

这本书在介绍艺术作品时，不仅仅停留在“鉴赏”层面，更是将艺术品置于其产生的社会文化背景之下进行解读。希利尔会详细讲解某个时期的社会制度、宗教信仰、哲学思想，甚至当时的流行文化，如何影响了艺术的创作方向和风格。例如，在介绍中世纪的哥特式建筑时，他不仅仅是描述了尖拱、飞扶壁这些技术特征，更是深入探讨了这种建筑风格如何体现了当时人们对上帝的虔诚、对天堂的向往，以及当时社会的等级观念。这种宏观的视野，让我能够更全面地理解艺术的价值，它不仅仅是美的载体，更是历史的见证。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计也非常合理，它并不是简单地按照时间顺序进行线性叙述，而是常常会在某个时期或某个艺术家的讨论中，穿插引用其他时期或风格的作品作为对比或例证。这种非线性的叙事方式，反而更加符合我们理解事物的方式，它能够打破固有的思维定势，让我们看到艺术史发展过程中那些意想不到的联系和影响。比如，在介绍文艺复兴时期对古典艺术的重新发掘时，他可能会顺带提到一些现代艺术家如何从文艺复兴的作品中汲取灵感，这种跨越时空的连接，让艺术史显得更加生动和有活力。

评分☆☆☆☆☆

我特别喜欢作者希利尔在讲解时那种循循善诱的风格。他不会直接告诉你“这幅画是什么风格”，而是会先从画作中的细节入手，比如色彩的运用、笔触的力度、人物的表情，然后引导你去思考这些细节可能传达的意义。比如，当讲到某幅宗教题材的画作时，他不会仅仅罗列圣经故事，而是会深入分析画家如何在构图、色彩和光影上，来体现信仰的虔诚、神性的光辉，甚至是人性的挣扎。这种分析方式，让我对艺术作品的理解不再停留在“好看”或“不好看”的层面，而是能够挖掘出更深层次的文化内涵和情感表达。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，这本书带给我的不仅是知识，更是一种全新的艺术观。它让我明白，艺术史并非枯燥的理论，而是充满了人类的情感、智慧和创造力。通过希利尔的讲述，我不仅认识了许多伟大的艺术家和他们的杰作，更重要的是，我学会了如何用更敏锐的眼睛去观察世界，用更丰富的心灵去感受生活。这本书就像一位真诚的朋友，它没有高高在上地教导，而是用一种分享和交流的态度，引导我走进艺术的世界，体验艺术带来的美妙与震撼，这对我来说，是一次非常宝贵和难忘的阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

从这本书中，我不仅学习到了艺术史的知识，更重要的是，我学会了如何去“看”艺术。希利尔鼓励读者用一种主动、探索的心态去面对艺术作品，去发现其中的细节，去感受艺术家想要传达的情感。他会在讲解过程中提出一些引导性的问题，让你自己去思考。例如，在分析一幅肖像画时，他可能会问：“你看画中人的眼神，你觉得他在想什么？他的手部姿势又透露出怎样的信息？”这种互动式的讲解，让我仿佛置身于一场真正的艺术对谈之中，极大地提升了我独立思考和分析艺术作品的能力。

评分☆☆☆☆☆

《希利尔讲艺术史》的另一个亮点是它对不同时期艺术风格的对比处理。希利尔非常擅长在讲解一个时期艺术特点的同时，巧妙地将其与前一个时期或后一个时期的风格进行比较。比如，当他介绍古典主义的理性与和谐时，会立刻引申到浪漫主义的激情与个性，然后再过渡到印象派对光影的捕捉。这种纵横交错的对比，不仅让不同风格之间的差异更加鲜明，也帮助我梳理了艺术史发展的脉络，理解了每个时期艺术风格的形成和演变，并非孤立存在，而是前有因，后有果，是时代精神、社会变革和技术进步共同作用的结果。

评分☆☆☆☆☆

我尤其欣赏《希利尔讲艺术史》在处理一些比较抽象的艺术概念时所采用的策略。很多艺术史书籍在介绍某个哲学流派对艺术的影响时，往往会用很多理论术语，让人云里雾里。但希利尔在这方面做得非常出色，他总是能够找到非常贴切的比喻或者实例，来解释这些复杂的概念。比如，当他解释“唯我论”如何影响了某些艺术家对主观情感的表达时，他可能会用一种非常生活化的方式来类比，让你瞬间明白这种哲学思想在艺术创作中的具体体现。这种化繁为简的能力，让艺术理论不再是高高在上的学术禁区。

评分☆☆☆☆☆

其实可读性应该是四星的，但是所纳入的“信息量”实在是有限得很.尤其是读完会觉得这是一部各个艺术家的短篇八卦集锦，所写的画家雕塑家都是耳熟能详的那些，对艺术史本身没有涉及，历史观都没有体现的史书应该称不上史书吧.更像故事小传，读的时候常常怀疑有些非常奇异的段子到底是不是真的或者真实性有多少.半信半疑的读完了，也并没有去考究，名人轶事什么的，be nice好了～（如果期待在其中找到社会学或者艺术史论的共鸣和提升，那还是不要浪费这一个小时了，没错一个小时足够读完

评分☆☆☆☆☆

: J110.9/w4022

评分☆☆☆☆☆

语言诙谐有趣，简洁有力，讲的好多地方都去过，讲的没去过的地方都想去！

评分☆☆☆☆☆

终于读完了。很不错啊。喜欢绘画和建筑的部分，不太喜欢雕塑呢。

评分☆☆☆☆☆

文字很容易读，不上头。随时蹦出有趣的话语。喜欢。