具体描述
我相信罗曼·罗兰这句话：”最美的理论只有在作品中表现出来时才有价值。“准确新颖独到的审美判断来自对作品和创作实践的心领神会。在著书立说之前，先问问自己作品读了多少，是否读懂了，领悟了，别忙于先建立一个”庞大“而”完美“的理论体系。 ——张德林
作者简介
1931年11月出生于浙江嘉兴市，华东师大中文系教授。现当代文学博士生导师。中国作家协会会员，中国文艺理论学会秘书长。《文艺理论研究》执行副主编。
1953年毕业于复旦大学中文系。长期潜心研究小说美学和中国现当代文学。出版《现代小说美学》《小说艺术谈》等专著。发表论文百余篇，其中《作家的“自我”与“非我“》一文获首届（1982-1984）上海文学作品（含理论）奖。他被英国剑桥大学国际传记中心列入《国际名人录》第14、15版。
目录信息
读后感
用户评价
这本书带给我的最大惊喜，在于它挑战了我长期以来对艺术的某些固有认知。我曾以为，伟大的艺术作品，其价值是客观且恒定的，不应受到时代和个人喜好的影响。然而，作者在“审美判断”的讨论中，却有力地证明了艺术的价值并非一成不变，而是随着社会、文化和科技的发展而不断演变的。他通过历史上的几个关键时期，展现了艺术标准是如何被颠覆、重塑，又如何重新被接受的过程，这让我对“经典”一词有了全新的认识。那些曾经被奉为圭臬的作品，在新的时代语境下，或许会焕发出新的生命力，也或许会被新的艺术形式所取代。而“艺术假定性”，则在这个动态的演变过程中扮演了重要的角色。它使得不同时代的观众，能够以符合自身认知框架的方式去理解和评价艺术。我尤其对书中关于“观众的再创作”这一观点印象深刻，它表明观众并非被动地接受艺术作品，而是通过自己的解读和体验，参与到艺术的生成过程中。这种互动性，让艺术作品充满了生命力，也让我们的审美体验变得更加丰富和有意义。
这本书的阅读体验，就像一场漫长的、引人入胜的对话。作者并非单方面地向我灌输知识，而是以一种启发性的方式，不断地提出问题，引导我进行思考。在关于“审美判断”的部分，他没有给我标准答案，而是让我看到了判断的复杂性和多样性。我开始理解，为什么对于同一件艺术品，不同的人会有截然不同的评价。原来，我们每一个人都是带着自己独特的“审美滤镜”去欣赏艺术的，而这些滤镜，由我们的成长环境、教育背景、人生经历以及情感体验所构成。这本书让我意识到，去理解他人的审美判断，同样是一种重要的学习过程，它能拓宽我的视野，让我看到艺术的无限可能性。而“艺术假定性”，则在这个理解他人的过程中发挥了关键作用。它让我们明白，艺术家在创作时，并非预设了一个唯一的、正确的解读方式，而是为观众留下了广阔的解读空间。这种“假定”，正是艺术之所以迷人的原因之一，它鼓励我们去探索，去发现，去创造属于自己的艺术体验。这本书让我觉得，我对艺术的理解，不再是孤立的、静态的，而是一种动态的、开放的、充满探索欲的旅程。
这本书的封面设计着实吸引了我，一种低饱和度的蓝色背景，点缀着简洁却充满力量的几何图形，隐约透出一种沉静而深邃的气质。当我翻开书页，扉页上那句引言——“艺术，是灵魂的触角，延伸至未知的边界”——瞬间点燃了我对未知探索的渴望。我并非艺术领域的专业人士，但从小就对美有着一种近乎本能的敏感。儿时涂鸦的色彩，长大后欣赏的画作，甚至是生活中不经意间瞥见的独特建筑，都能在我心中激起阵阵涟漪。这本书的名字，恰好触及了我内心深处最柔软的部分。“审美判断”，这四个字本身就充满了思辨的意味，它暗示着一种超越纯粹感官的、更深层次的对美的认知过程。而“艺术假定性”，则更添了一层哲学的色彩，仿佛是在邀请我进入一个由艺术家构建的、与现实世界既有联系又彼此独立的奇妙空间。我好奇书中会如何阐释那些难以言喻的直觉，那些让我们在面对一件艺术品时，心中涌现的莫名感动或深刻共鸣。它是否会提供一种理解艺术的框架，帮助我们拨开迷雾，更清晰地看到艺术作品背后的意图，以及它如何触动我们内心最隐秘的情感？我期待它能成为一把钥匙，开启我通往更广阔的艺术理解之门。
我一直认为，艺术的魅力在于其包容性，它能够容纳各种各样的解读，并且每一种解读都能有其存在的合理性。这本书恰恰印证了我的这一想法，并且以一种更为系统和深刻的方式进行了阐述。书中关于“审美判断”的部分，让我体会到了“公说公有理，婆说婆有理”的艺术评论现象背后的哲学根源。它并没有试图统一所有人的审美标准，而是强调了审美体验的个体性和主观性，并在此基础上探讨了如何通过对话和交流，在个体之间建立起审美的共识。我特别喜欢作者在分析一些经典艺术作品时，所展现出的那种细致入微的洞察力。他不仅仅关注作品的表面形式，更深入地挖掘了作品所处的历史语境、艺术家的创作意图，以及这些因素如何共同作用，最终影响观者的审美体验。而“艺术假定性”的概念，则为理解这种复杂的互动关系提供了一个绝佳的切入点。它让我意识到，我们在欣赏艺术时，其实是在主动参与一个“假设”的过程，我们假设艺术家想要表达某种意义，我们也假设自己能够通过某种方式理解这种意义。这种假设，既是艺术创作的基础，也是艺术鉴赏的起点。这本书让我觉得，艺术鑑赏不再是一项被动的接受，而是一场主动的、充满智慧的探索。
初读这本书，仿佛置身于一个由各种思想碎片交织而成的迷宫。作者似乎并不急于给出明确的答案，而是引导读者在不同的观点之间穿梭，体验那种在模糊与清晰之间摇摆的思辨过程。他对“审美判断”的阐释，不像某些理论那样枯燥刻板，反而充满了生动的比喻和引人入胜的例子。他用大量篇幅探讨了文化背景、个人经验以及时代思潮对我们审美取向的影响，这让我不禁反思自己是如何形成现在的审美品位的。我常常会陷入一种困境，当面对一幅画、一首诗，或者一段音乐时，我有时能明确感受到它的美，但却难以清晰地阐述清楚原因；有时我又会困惑，为何自己无法欣赏那些被普遍认为伟大的艺术作品。这本书似乎有意无意地回应了我的这些困惑，它让我明白，审美并非一种绝对的标准，而是一种流动的、多元的、与我们个体生命经验紧密相连的感知。我对“艺术假定性”的理解也随之加深，它不再仅仅是艺术家的一种创作手段，更是一种与观众达成默契的邀请，一种允许我们暂时脱离现实、进入艺术所营造的特殊语境的契约。我期待书中能提供更多深入的分析，揭示这种“假定性”如何影响我们对作品的解读，以及它如何在不同艺术形式中展现出独特的魅力。
