具体描述
本书第一章《电影摄影创作总论》概述电影摄影师的工作任务、工作过程以及摄影师与摄制组其他部门的合作关系。第二章《电影摄影艺术的发展》（理论篇）回顾和探讨电影摄影艺术和技术从产生到现在的发展历程及未来的走向，以便开拓读者的创作思路。，把握当前世界电影摄影发展的脉搏，掌握电影摄影创作的基本规律与方法。第三章《电影摄影师的前期工作》（起步篇）讨论摄影师如何从剧本入手，逐步进行拍摄前的各项准备工作。第四章《电影摄影师在拍摄期的工作》（实战篇）具体讲解摄影师在拍摄现场的工作，引领读者进入一个实际拍摄的过程中，学习如何适应创作环境以及如何应对拍摄过程中的各种常见问题。第五章《电影摄-影创作中的关键问题》（补充篇）探讨怎样从整体上来把握摄影创作上的关键问题。
本书将立足于当今世界电影摄影的发展动态，立足于电影摄影创作实践，以一个电影摄影师的实际创作过程为线索，讨论电影摄影创作的普遍规律和与之相关联的问题。
作者简介
穆德远，回族，1956年出生于北京，1982年毕业于北京电影学院摄影系。现任北京电影学院教授、博士生导师、摄影系主任。兼任中国电影家协会理事、中国电影摄影师学会理事。任第19届、20届、24届金鸡奖评委。1995年被评为“北京市优秀青年骨干教师”，2002年获国务院政府津贴，2004年获“北京十佳影人”，2005年评为“北京拔尖创新人才”。 主要电影摄影作品《青春祭》、《变脸》、《一代天骄成吉思汗》、《我的法兰西岁月》等多次在国际、国内获奖并两次获得金鸡奖“最佳摄影奖”。
目录信息
第一章 电影摄影创作总论
第一节 电影画面的构成因素
第二节 电影画面构成因素的内在联系
一、电影的美学追求与时代要求
二、导演、摄影和美术
三、电影摄影艺术与技术
四、数字制作与电影摄影
五、电影画面与声音
第二章 电影摄影艺术的发展
第一节 电影摄影创作发展回顾
一、探索的脚步
二、电影摄影艺术发展的脉络
三、中国电影摄影的发展
四、电影摄影师自身的变化
第二节 影响电影摄影艺术发展的因素
一、形式美学与技术美学的发展
二、美国商业类型片的发展
三、广告与MV的飞速发展对摄影创作的影响
四、电影语言的发展对摄影创作的影响
五、电影创作队伍专业化的发展对摄影创作的影响
六、电影生产体制的发展对摄影创作的影响
七、世界性整体艺术与科技的发展对摄影创作的影响
第三节 电影摄硬创作基本手段的变化
一、电影光线造型手段的发展变化
二、电影光学镜头在运用上的发展
三、电影摄影频率变化向非技巧方向发展
四、动向表现手段的发展
五、色彩造型手段的发展
六、电影构图手段和观念的发展
第三章 电影摄影师的前期工作
第一节 电影摄影师的修养
一、艺术品质
二、道德品质
第二节 摄影师对电影剧本的读解
一、从文字到影像——剧本的解读与转译
二、视觉美感的构成
三、视觉新鲜感的构成
第三节 摄影师对景的选择
一、对剧本内容与内涵的分析
二、景的气质
三、景的连续性
四、制作分场景表
五、对拍摄条件的分析
六、对景的综合分析
第四节 摄影师对影片造型风格的确定
一、风格的多重性
二、造型风格的形式构成
第五节 摄影师对材料的选择与确定
一、确定胶片
二、确定摄影机
三、确定摄影移动及辅助器材
四、确定灯具
五、确定洗印
第六节 摄影师的案头工作
一、选景的资料分析
二、设定情绪总谱
三、设定色彩变化总谱
四、与导演、美术师一起确定各场景的设计
五、设计人物造型
六、参与重要道具的设计
七、光线设计
八、画面草图与平面调度图
第七节 摄影阐述——摄影表现手段的综合设计和描述
一、摄影阐述的目的
二、摄影阐述的基本内容
三、摄影阐述实例
第八节 生产实验
一、胶片的感光测定与推荐感光度
二、人物定装试验
三、摄影机、镜头、曝光表与辅助器材的检验
四、特殊光源的实验
五、特殊光线气氛实验
第九节 生产计划与预算
一、合理的生产计划是节省资金的根本
二、合理的生产计划是艺术质量的基础
三、电影生产进度与摄影的一般规律
四、摄影预算
第四章 电影摄影师在拍摄期的工作
第一节摄影师与其他部门的合作
一、导演部门及电影导演工作
二、美术部门及电影美术工作
三、录音部门及电影录音工作
四、制片部门及电影制片工作
五、照明部门和摄影的协作
六、摄影师与剪辑师的合作
第二节 摄影师在拍摄现场的任务
一、拍摄现场的准备工作
二、拍摄现场的工作程序
三、拍摄现场的判断和坚持
四、拍摄现场的一些经验
五、拍摄现场的进度问题
第三节 摄影师和洗印厂的合作
一、与洗印厂的工作交接
二、冲洗底片
三、底片剪接和小拷贝
四、配光
五、样片和洗印厂的技术鉴定
第四节 摄影师对样片的分析
一、观察样片
二、分析洗印厂的技术鉴定
第五节 后期制作中的摄影师
一、向导演与剪辑提供原始设想
二、对已选用的镜头进行技术分析
三、摄影师与数字中间片
第六节 摄影师对标准拷贝的最后判断
第五章 电影摄影创作中的关键问题
第一节 影像质量
一、影像质量的重要性
二、影响影像质量的因素
三、最佳影像质量的达成
第二节 时空形象的营造
一、电影画面的空间结构
二、空间的设计
三、电影空间的节奏
四、空间环境的物质性
五、场面调度
六、时空的组合
第三节 电影色彩的构成
一、色彩在影片中的任务
二、电影色彩的若干特点
三、电影色彩的对比与和谐
四、电影色彩的变调
五、电影色彩的节奏
六、控制电影色彩的技术手段
附录
附录一：电影摄制技术规范
附录二：影片加工合同样本
附录三：电影画面翻正与翻底洗印规范
附录四：先力电影器材公司器材租赁价格表
附录五：《法官妈妈》导演阐述
附录六：故事片电影摄影创作（2005级）教学方案
后记
· · · · · · (收起)
读后感
从11月7日下订单到今天11月21日已经整整两个星期了，书居然没收到！而在此两星期内又在当当卓越购的书还是一如既往的快啊！而第一次在北发网购书就不顺畅，我想也是最后一次在此网购书了，再也不敢在北发图书网买书了！
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用户评价
这本书的标题是《故事片电影摄影创作》，拿到手的时候，我最大的感受就是它的“实用性”。我是一名正在学习电影制作的学生，平时接触到的理论知识很多，但总感觉缺了点什么，尤其是如何在实践中将理论转化为有生命力的画面。《故事片电影摄影创作》恰恰填补了这一块空白。作者在书中并没有回避创作中的一些“老生常谈”的技巧，比如如何运用构图来平衡画面、如何选择镜头来营造氛围，但他解读这些技巧的角度非常独特。他强调的不是“应该这样做”，而是“为什么这样做”。他会通过分析大量经典影片中的具体场景，来展示这些构图和镜头选择如何巧妙地服务于故事本身。例如，在讲解“黄金分割”构图时，他并非简单地告诉你把主体放在哪里，而是通过一个悬疑片中的场景，展示了如何利用非对称构图来制造紧张感和未知感，让观众不自觉地猜测接下来会发生什么。还有关于色彩的运用，他不仅仅是讨论色温和饱和度，而是深入探讨了色彩如何成为叙事的一部分，如何通过冷暖色调来暗示人物的情感状态，如何通过特定颜色的饱和度来突出某个重要元素。书中提到的“叙事性色彩”的概念，让我醍醐灌顶，意识到色彩不仅仅是画面的装饰，更是隐藏在画面背后的语言。这本书就像一个经验丰富的导师，一步步地引导我理解那些隐藏在光影和色彩背后的创作秘密，让我觉得学到的不仅仅是技巧，更是创作的思维方式。
《故事片电影摄影创作》这本书，简直是为我这样对影像叙事充满好奇但又不知从何下手的人量身定做的。我一直觉得电影的魅力很大一部分在于它的画面，而这本书则把电影摄影的“幕后魔法”一点点揭示出来。它不像其他技术书籍那样，上来就讲一大堆专业术语，而是非常平易近人地从“为什么”开始。为什么这个镜头要用广角？为什么这个场景要采用低角度拍摄？作者非常擅长用通俗易懂的比喻和生动的语言来解释这些概念。例如，在讲解景别与人物关系时，他将特写比喻成“心灵的窥探”，将全景比喻成“环境的描绘”，让我瞬间就理解了不同景别所传达的微妙情感和信息。书中最让我着迷的是关于“运动镜头”的部分。作者并没有把运镜简单地看作是“让画面动起来”的技术，而是深入探讨了镜头运动如何引导观众情绪，如何制造悬念，如何加速或减缓叙事节奏。他分析了摇镜头如何跟随人物的脚步，展现其内心的不安；升降镜头如何从宏观视角切换到微观细节，引发观众的思考；甚至是那些看似随意的推拉镜头，背后都隐藏着摄影师精心的设计，目的是让观众的目光更加聚焦，情绪更加投入。读完这一部分，我再看电影时，会不由自主地去留意镜头的运动轨迹，仿佛能感受到摄影机背后那双观察世界的眼睛。这本书，让我对电影摄影不再是“看热闹”，而是开始“看门道”，并且乐在其中。
这本书的名字叫做《故事片电影摄影创作》，我拿到手的时候，其实并没有抱太大的期望，只是觉得这个书名听起来还算专业，或许能解答我一些关于电影摄影的困惑。翻开第一页，我就被深深吸引住了。作者的文字并非那种枯燥的理论堆砌，而是充满了电影的灵气和对影像艺术的深情。他从最基础的光线运用讲起，但绝不是简单地介绍“三点布光”之类的技巧，而是深入剖析了光线如何塑造情绪、如何引导观众视线、如何在画面中营造层次感和空间感。我尤其喜欢他对自然光的描绘，他会告诉你如何利用清晨的柔光勾勒出人物的轮廓，如何在傍晚的余晖中捕捉温暖的色调，甚至是如何在阴天的时候，通过巧妙的补光来避免画面显得灰暗无力。书中还穿插了大量的经典影片案例分析，每一个分析都细致入微，让我惊叹于导演和摄影师是如何通过镜头语言来讲述故事的。他不会只是简单地罗列场景，而是会深入解读每一个镜头选择的意图，色彩的运用，景别的切换，甚至是一些看似微不足道的构图细节，是如何共同服务于叙事和情感表达的。读这本书，我感觉自己就像坐在一间设备精良的放映厅里，旁边坐着一位经验丰富、充满激情的电影摄影师，他一边播放着那些令我魂牵梦绕的片段，一边耐心地为我讲解背后的创作逻辑。这不仅仅是一本关于技术指导的书，更是一次关于如何用影像说话的深度体验，它让我重新审视了那些我以为已经熟悉的画面，发现了它们更深层次的美丽和力量。
这本书，也就是《故事片电影摄影创作》，在我看来，更像是一本“电影摄影的哲学书”。我一直觉得，摄影不仅仅是技术的堆砌，更是一种思维方式和对世界的观察。作者在书中并没有陷入技术细节的泥潭，而是深入探讨了电影摄影师在创作过程中所面临的哲学命题。我尤其欣赏他对“叙事性构图”的阐述。他认为，构图不仅仅是为了画面的美观，更是为了引导观众的视线，强化故事的主题，甚至塑造人物的性格。他会通过分析不同类型的电影，展示了如何利用“留白”来暗示人物的孤独，如何利用“前景”来遮挡或突出某个信息，如何利用“对角线构图”来制造冲突感。让我印象深刻的是，他对“光线”的理解。他并没有将其简单地视为一种技术工具，而是将其视为一种“情感的载体”。他会告诉你，什么样的光线可以营造出温暖和安全感，什么样的光线又可以制造出神秘和恐惧。读完这一部分，我再看电影时，会更加留意画面中的光影变化，仿佛能从中感受到人物内心的起伏和故事的走向。
《故事片电影摄影创作》这本书，让我对“电影语言”有了全新的认识。我一直以为电影的语言就是演员的表演和对话，但这本书让我意识到，画面本身才是电影最直接、最原始的语言。作者在书中并没有过多地去讲解一些复杂的摄影设备或者技术参数，而是聚焦于如何通过镜头去“说”故事。他深入探讨了“视角”在电影中的重要性，不同的视角会赋予观众不同的情感体验。例如，用人物的眼睛去看世界（主观视角），会让观众产生强烈的代入感，仿佛身临其境；而用一个旁观者的视角（客观视角），则能让观众保持一定的距离，进行更冷静的思考。书中还有关于“构图”的精彩论述，作者并没有将构图视为一种死板的规则，而是将其视为一种“视觉的引导”。他会详细分析那些大师们是如何利用线条、形状和空间来引导观众视线的，如何通过前景、中景、后景的组合来营造画面的深度感和层次感。让我印象深刻的是，作者在讲解“镜头运动”时，将不同的运镜方式比作不同的“情感节奏”。例如，缓慢的推镜头可以用来营造一种深情或压抑的氛围，而快速的摇镜头则可以用来表现紧张或混乱的场面。这本书，让我不再是单纯地“看”电影，而是开始“读”电影，从每一个镜头中去解读创作者想要传达的深层信息。
说实话，我拿到《故事片电影摄影创作》这本书的时候，并没有期待它能给我带来多大的惊喜，因为市面上类似的摄影书籍实在太多了。但翻开之后，我立刻被它独特的视角和深刻的见解所吸引。作者并没有把电影摄影仅仅看作是一门技术，而是将其上升到了“艺术创作”的层面。他非常强调“情境”和“情绪”在摄影中的作用。书中关于“光影运用”的部分，让我印象尤为深刻。他并没有只是告诉你“这里需要补光”或者“那里需要打阴影”，而是深入分析了光线如何塑造人物性格，如何烘托场景氛围，甚至是如何暗示人物的内心活动。例如，他会分析一些经典影片中，摄影师如何利用逆光来营造一种梦幻或神秘感，如何用硬光来突出人物脸部的轮廓，表现其坚毅或冷酷的一面。书中的案例分析也非常精彩，作者总能从那些看似普通的镜头中挖掘出不寻常的创作意图，让我恍然大悟。他会将一个场景的多个镜头进行拆解，分析每一个镜头的景别、构图、光线和色彩是如何相互配合，共同服务于故事的叙述。读这本书，我感觉自己就像在和一位经验丰富的电影大师进行一次跨越时空的对话，他用他丰富的经验和独到的见解，点亮了我对电影摄影的理解。
拿到《故事片电影摄影创作》这本书，我最直接的感受就是它带来的“启发性”。我一直觉得电影摄影是一门非常“硬核”的技术，充斥着各种专业术语和复杂的设备，而这本书却用一种非常“软性”的方式，让我看到了技术背后的艺术灵魂。作者在书中并没有回避技术细节，但他更侧重于探讨技术如何服务于叙事和情感。我尤其喜欢他对“色彩美学”的解析。他并没有简单地告诉你“什么颜色代表什么”，而是深入分析了色彩如何通过其本身的属性，以及在画面中的搭配，来营造不同的情绪和氛围。他会通过分析不同导演的风格，展示了色彩是如何成为他们独特的“签名”。例如，他会提到某个导演偏爱使用冷色调来表现疏离感，而另一个导演则喜欢用暖色调来烘托温馨的家庭氛围。书中对“光线”的阐述也让我大开眼界。他不仅仅是讲解如何打光，而是深入分析了光线的“质感”和“方向”如何影响人物的塑造和场景的氛围。他会告诉你，柔和的漫射光可以展现人物的温柔，而强烈的直射光则可以突出人物的棱角。读这本书，我感觉自己就像在进入一个色彩斑斓的光影世界，而作者就是那位指引我的向导，让我看到了那些隐藏在光影和色彩背后的巨大创作潜能。
《故事片电影摄影创作》这本书，对我而言，更像是一次“电影视觉语言的解码之旅”。我一直对电影画面中那些微妙的情感传达感到好奇，而这本书则为我提供了最直接的解读方式。作者并没有像某些教程那样，直接教你如何使用某个设备，而是从“为什么”这个根本问题出发，深入剖析了电影摄影师在创作过程中所做的每一个选择背后的逻辑。我尤其欣赏他对“构图”的解读。他认为构图不仅仅是为了让画面看起来“好看”，更是为了引导观众的视线，传达信息，甚至塑造人物关系。他会通过分析不同类型的电影，展示了如何利用“对称构图”来营造稳定感和秩序感，如何利用“斜线构图”来制造动感和不安。让我印象深刻的是，他对“运动镜头”的阐述，他并没有将运动镜头简单地归类，而是将镜头的运动与人物的情绪和故事的进展紧密联系起来。他会告诉你，一个缓慢的镜头推近，可以用来放大人物内心的挣扎，而一个突然的镜头切换，则可以用来制造戏剧性的转折。读完这一部分，我再看电影时，会更加关注镜头运动的“意义”，仿佛能看到摄影机背后那个敏锐的观察者。这本书，让我从一个被动的观影者，逐渐变成了一个主动的“电影解读者”。
《故事片电影摄影创作》这本书，让我对“镜头语言”这个概念有了更深刻的理解。我一直觉得电影摄影师就像一位无声的讲故事者，他们的镜头就是他们讲述故事的“嘴巴”。这本书恰恰就是一本关于如何用镜头“说话”的百科全书。作者在书中并没有罗列一大堆技术参数，而是将重点放在了“如何通过画面来传达信息和情感”。我尤其喜欢他对“景别”的解读。他将不同的景别比喻成不同的“观察距离”，让观众在观看时产生不同的心理感受。例如，他会告诉你，远景可以用来展现人物所处的宏大环境，而特写则可以用来捕捉人物脸上转瞬即逝的微表情。让我印象深刻的是，他对“镜头运动”的分析。他认为镜头的运动本身就带有情感属性，可以用来加速或减缓叙事的节奏，制造悬念或释放情绪。他会通过大量的影片案例，来展示一个缓慢的推镜头如何一步步将观众带入人物的内心世界，一个快速的摇镜头又如何营造出混乱和紧张的气氛。读完这一部分，我再看电影时，会更加关注镜头的运动轨迹，仿佛能从中读出导演和摄影师想要传达的隐藏信息。
《故事片电影摄影创作》这本书，对我来说，是一次关于“用画面讲述一切”的启蒙。我一直认为，电影最迷人的地方在于它的视觉冲击力，而这本书则为我揭示了这种冲击力是如何被创造出来的。作者在书中并没有枯燥地讲解各种摄影设备的参数，而是将重点放在了“如何通过镜头来塑造故事”。我尤其欣赏他对“镜头语言”的深入剖析。他认为，每一个镜头都是一个“视觉的词汇”，而这些词汇的组合，就能构成一段完整的故事。他会通过分析大量的经典影片，来展示了如何利用不同的“景别”来控制观众的情绪，如何利用“构图”来引导观众的注意力，甚至如何利用“镜头运动”来暗示故事的发展。让我印象深刻的是，他对“色彩”的解读。他并没有将色彩视为画面的装饰，而是将其视为一种“叙事性的元素”。他会告诉你，什么样的色彩组合可以营造出浪漫的氛围，什么样的色彩搭配又可以制造出紧张和冲突。读完这一部分，我再看电影时，会更加留意画面中的色彩变化，仿佛能从中读出导演想要传达的隐藏信息。
对于一名考摄影系的考生来说，看这样的说看起来有些不切实际，但正是在我混杂着迷糊和领悟的复杂情绪中，我对于作为一名故事片摄影师有了更深刻的了解，也为将来会面对的挑战做好心理准备，虽然我让他很尴尬，但我还是要谢谢哪位不惜跑到摄影系帮我打听的朋友。现在，我已经做好准备了
穆爷的拍片态度真是值得学习，他对于片子、剧组的热忱是我还未遇见过的，如果主创都有他十分之一的那种专业与奉献劲儿，拍摄起来必定是舒服的。还有就是交流，互相的沟通与合作，真的太重要了！跟个有经验的人在实践中学摄影，还是更实际的，纸上阅读始终感觉不到运动的节奏。
穆爷的拍片态度真是值得学习，他对于片子、剧组的热忱是我还未遇见过的，如果主创都有他十分之一的那种专业与奉献劲儿，拍摄起来必定是舒服的。还有就是交流，互相的沟通与合作，真的太重要了！跟个有经验的人在实践中学摄影，还是更实际的，纸上阅读始终感觉不到运动的节奏。
相当详细，指导作用。
虽然挺老的书了，但干货比现在市面上天花乱坠的影视书多多了。老一代摄影人的经验还是很扎实的
