A Sourcebook About Music (Sourcebook Series (Liturgy Training Publications).) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Liturgy Training Publications

作者:

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:1997-09

价格:USD 18.00

装帧:Paperback

isbn号码:9781568541532

丛书系列:

图书标签:

• Music
• Liturgy
• Worship
• Christian Music
• Church Music
• Music History
• Religious Music
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• Liturgy Training Publications

音乐的源流与演变：一部跨越时代的音乐史纲 本书聚焦于音乐发展历程中的关键转折点、文化语境及其核心技艺，旨在提供一个全面而深入的视角，探讨音乐如何从原始的律动演化为复杂的艺术形式。 本书并非对某一特定音乐流派或教育体系的详细手册，而是一部旨在梳理音乐本体论和历史脉络的综合性著作。 第一部分：前奏与奠基——音乐的起源与古代文明的声景 本书的第一部分将追溯音乐的“史前时代”与古代文明的声响世界，深入探讨音乐的社会功能、早期理论的萌芽，以及文字出现之前声音组织的基本规律。 1.1 声音的觉醒：音乐的原始驱动力 我们首先考察人类早期对声音的感知与模仿。这包括对自然界声响（风声、水声、动物鸣叫）的系统化利用，以及声音在仪式、狩猎和群体交流中的核心作用。重点探讨原始乐器的物质形态（如骨笛、陶制打击器）及其与早期认知结构的关系。我们将分析“节奏”这一音乐最基本要素是如何在劳作和舞蹈中固化下来的。 1.2 古代文明的乐律基石：美索不达米亚、埃及与早期中国 本章将比较古代三大文明（两河流域的竖琴、古埃及的宗教音乐、中国周代的雅乐体系）在音乐观念上的差异。重点不在于复原乐谱，而是理解他们如何将音乐与宇宙秩序、神权政治相结合。例如，分析中国古代“礼乐”制度如何将音乐视为治理国家的工具，以及古希腊兴起前，声音组织的多样性。 1.3 毕达哥拉斯的遗响：西方乐律学的萌芽 本节详述古希腊哲学家，特别是毕达哥拉斯学派，如何通过数学关系来定义“和谐”。我们将详细解析“四度、五度、八度”的数学比例在西方音乐理论中的奠基性意义。同时，对比亚里士多克塞诺斯（Aristoxenus）等人对纯数学方法的修正，揭示早期乐律理论内部的张力——是追求绝对的数学和谐，还是关注实际听觉体验。 第二部分：中世纪的灵性之声与世俗的觉醒 中世纪是西方音乐史上一个至关重要的转型期，宗教对音乐的垄断逐渐被世俗力量渗透。本部分关注早期记谱法的发展、单音音乐（Monophony）的成熟及其向复调（Polyphony）的过渡。 2.1 格里高利圣咏的规范化 本书将探讨教皇格里高利一世时代，罗马教会如何系统化、标准化欧洲范围内的礼拜音乐。详细分析圣咏的特征（无伴奏、自由节拍、特定音阶模式），以及纽姆记谱法（Neumes）如何从辅助记忆工具演变为初步的音高指示系统。这部分旨在理解宗教文本如何塑造了音乐的形态。 2.2 早期复调的诞生：奥尔加农的结构 重点分析“奥尔加农”（Organum）的出现，即在固定旋律上叠加平行声部的技术。探讨从严格的平行四度/五度（平行奥尔加农）到更加自由的、需要视唱（Sight-singing）技巧的自由奥尔加农（Free Organum）的发展脉络。这标志着音乐从垂直的“旋律层叠加”向水平的“声部独立进行”的飞跃。 2.3 世俗之声的崛起：游吟诗人的歌谣与吟游诗人 与教堂的庄严相对，本章转向欧洲各地（如法国的特鲁巴杜尔、日耳曼地区的明斯特朗格）的世俗音乐。分析这些歌曲的主题（爱情、战争、讽刺）与音乐形式（如“颂歌”Canso、“讽刺诗”Sirota）的关系。虽然留存的乐谱稀少，但其对民间音乐和未来世俗体裁的影响不容忽视。 第三部分：文艺复兴的理性与人文主义的色彩 文艺复兴时期，音乐开始挣脱教会的绝对控制，作曲家将人的情感、清晰的文本表达置于核心地位。这一时期标志着成熟复调技法的确立。 3.1 文本清晰度与“人声的对话” 重点考察奥兰多·迪·拉索（Orlande de Lassus）和乔斯昆·德普雷（Josquin des Prez）等大师如何处理宗教文本。分析“模仿”（Imitation）和“卡农”（Canon）等复调技巧如何服务于文本的清晰表达，避免中世纪复调中声部交织不清的问题。 3.2 牧歌的繁荣与情感的细微差别 意大利牧歌（Madrigal）作为文艺复兴晚期最重要的人文主义音乐形式，将得到深入剖析。我们将探讨“文字摹写”（Word Painting）技术，即音乐如何直接描绘歌词中的具体意象（例如，用快速的音符描绘“奔跑”，用低沉的和弦描绘“死亡”）。 3.3 器乐的独立与早期舞曲 尽管声乐仍占主导，但器乐开始展现其独立性。本章关注维吉纳乐派（Venetian School）对多乐器和声响对比的探索，以及早期键盘音乐和鲁特琴音乐的发展。分析例如“帕凡”（Pavane）和“加利亚德”（Galliard）等具有明确舞蹈节奏和结构的器乐套曲。 第四部分：巴洛克时代的戏剧性与装饰的辉煌 巴洛克时期是音乐史上一次剧烈的革命，以“情感理论”（Doctrine of Affections）、数字低音（Basso Continuo）的普及和歌剧的诞生为标志。 4.1 歌剧的诞生与“新艺术” 详述佛罗伦萨的“卡梅拉塔”尝试如何复兴被认为的古希腊悲剧风格，最终催生了歌剧。分析早期歌剧（如蒙特威尔第的作品）中宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的区分原则，以及如何通过戏剧冲突来推动音乐发展。 4.2 数字低音与和声的革命 数字低音作为一种“乐谱压缩”和即兴演奏的基础，彻底改变了演奏实践。我们将解释其记写方式，以及它如何促进了清晰的、功能性的和声（Functional Harmony）体系的建立。这为后来的古典音乐奠定了基础。 4.3 赋格的巅峰与器乐的成熟 巴赫的对位法艺术是巴洛克时期的集大成者。本章将详细解析赋格（Fugue）的结构——呈示部、展开部、再现部——及其主题的变形技巧。同时，分析协奏曲（Concerto）的“快-慢-快”结构如何在维瓦尔第等作曲家手中定型，强调独奏乐器与乐队之间的对话张力。 第五部分：古典主义的平衡与清晰的结构 古典主义时期是艺术追求“自然”、“清晰”和“普适性”的时代，音乐结构被提升到前所未有的理性高度。 5.1 奏鸣曲式的逻辑与形式的统治 本部分的核心是奏鸣曲式（Sonata Form）的解构。详细分析呈示部（Exposition，包含主部主题与副部主题的对比与关系）、展开部（Development，主题材料的破碎与再组合）和再现部（Recapitulation，解决冲突）的内在逻辑。理解为何这种结构能容纳复杂的情感表达，同时保持形式的严谨。 5.2 交响曲与室内乐的规范化 探讨海顿如何被称为“交响曲之父”，他如何通过对乐队的扩展和形式的完善，确立了四乐章交响曲的标准范式。同时，分析弦乐四重奏（String Quartet）作为“音乐对话的典范”是如何在贵族赞助下发展起来的。 5.3 莫扎特的旋律天赋与歌剧的心理深度 分析莫扎特如何将古典主义的形式完美地融入其旋律的流畅性中。尤其关注他晚期歌剧（如《费加罗的婚礼》）中，如何通过复杂的二重唱和群体场景，展现人物心理的瞬间变化和阶层间的冲突，这超越了巴洛克歌剧的简单对立。 第六部分：浪漫主义的自我表达与情感的无限扩张 浪漫主义是对古典主义理性的反叛，音乐成为表达个人情感、民族精神和对超自然现象探索的载体。 6.1 个人英雄主义与标题音乐的兴起 探讨贝多芬晚期作品中流露出的个人意志与英雄主义主题。接着，分析李斯特的“交响诗”（Symphonic Poem），一种基于文学或绘画的单乐章管弦乐作品，如何彻底解放了音乐的叙事功能。 6.2 民族乐派的觉醒与地域色彩 分析十九世纪欧洲各地作曲家（如俄罗斯五人组、捷克的德沃夏克、挪威的格里格）如何从民间音乐、民族史诗和独特的自然景观中汲取灵感，建立具有强烈地域特征的音乐语言。 6.3 钢琴的黄金时代与“乐思的瞬间” 浪漫主义时期钢琴成为最受欢迎的独奏乐器。重点研究肖邦和舒曼的作品，他们如何通过夜曲（Nocturne）、即兴曲（Impromptu）等短小精悍的形式，捕捉稍纵即逝的情感瞬间，将钢琴的音色和技巧推向极致。 结语：通往二十世纪的桥梁 本书在结束时，将简要概述十九世纪末期，由瓦格纳的“总体艺术作品”概念所带来的结构性危机，以及德彪西和马勒等人在探索音色、拓展调性边界时，为二十世纪音乐的彻底变革所铺设的理论和实践基础。本书的重点始终放在音乐语言的内在逻辑演变，而非单纯的人物或作品罗列。

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