Astaire Dancing The Musical Films by John Mueller pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:Knopf

作者:John Mueller

出品人:

页数:447

译者:

出版时间:1985-10-12

价格:USD 45.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9780394516547

丛书系列:

图书标签:

• no
• Fred Astaire
• Musical Film
• Dance
• Film History
• Biography
• Hollywood
• Golden Age
• John Mueller
• Performance
• American Cinema

音乐剧电影的流光溢彩：一部深入剖析舞台改编魅力的研究 图书名称：《光影中的足尖回响：从百老汇到好莱坞的音乐剧改编史诗》（暂定） 作者： [此处留空，暗示作者群体或机构] 出版年份： [此处留空，暗示出版年代] 页数： [此处留空，暗示篇幅] --- 内容简介 本书旨在填补当前电影史研究中一个重要的空白领域：对音乐剧这一独特艺术形式从其诞生之初到黄金时代，再到其在电影媒介中不断演变与重塑的全面、系统性考察。我们摒弃对明星传记或简单作品罗列的肤浅叙述，转而聚焦于改编的内在机制、美学转换的难点与突破，以及音乐剧电影如何反映其所处时代的社会文化思潮。 全书分为四个宏大的部分，层层递进，构建起一个立体的分析框架。 第一部分：舞台的召唤与银幕的挑战（1920s - 1930s） 本部分追溯了音乐剧艺术的早期源头——欧洲歌剧、轻歌剧以及美国本土的舞台滑稽剧。重点探讨了有声电影技术（Talkies）的出现如何为音乐剧电影的诞生提供了先决条件，但同时也带来了前所未有的挑战。 我们将深入剖析“舞台化”的陷阱。早期的音乐剧电影往往是将舞台演出直接搬上银幕，导致镜头运用僵硬、叙事断裂。我们详细分析了早期关键人物，如欧文·柏林（Irving Berlin）和科尔·波特（Cole Porter）如何试图在歌舞场面与情节推动之间寻找平衡的尝试。特别关注了1929年至1933年间，受大萧条影响下，歌舞片如何通过极度奢华的布景、异国情调的逃避主义，以及对“歌舞升平”的刻意营造，来迎合当时观众对现实困境的暂时遗忘需求。研究案例将聚焦于早期的歌舞杂烩片（Revue Films）中，舞蹈设计如何从严格的几何队形向更具叙事性的动作过渡。 第二部分：默片时代的终结与金字招牌的建立（1930s 中期 - 1940s） 这一时期是好莱坞“制片厂制度”的鼎盛时期，音乐剧电影找到了其最稳定的生产模式。本部分的核心在于分析编舞家向电影导演的身份转型，以及技术进步对叙事融合的推动作用。 我们将重点研究三位关键的电影编舞大师——巴斯比·伯克利（Busby Berkeley）、弗雷德·阿斯泰尔（Fred Astaire）与金·凯利（Gene Kelly）早期的美学差异和贡献。伯克利的镜头语言被解读为一种对现实的超现实主义的几何解构，他的“上帝视角”如何服务于对财富和享乐主义的集体想象。而阿斯泰尔和金·凯利的贡献则在于他们对“动作即情感”的坚持。我们不仅分析了他们对黑人舞蹈家、拉丁舞的接纳与挪用，更细致地考察了他们如何通过长镜头和“一镜到底”的拍摄手法，使舞蹈动作成为角色内心世界无法用对白表达的延伸。 此外，本部分也将探讨米高梅（MGM）的崛起，以及他们如何通过高度程式化的制作流程，将音乐剧电影提升至一个技术和艺术水准的新高度。 第三部分：战争、反思与技术革新（1940s 后期 - 1950s） 二战结束后，社会对音乐剧主题提出了新的要求。本部分探讨了音乐剧如何从纯粹的逃避主义转向更具社会意识和情感深度的作品。 研究的核心转向叙事与音乐的深度融合。我们将分析那些改编自严肃百老汇作品（如奥克拉荷马！/ Oklahoma!）的电影，如何努力在保持舞台剧精神内核的同时，利用新兴的彩色胶片技术（如特艺彩色/Technicolor）和宽银幕格式（如CinemaScope）来扩展舞台空间，使场景具备更强的环境叙事能力。 本部分还将分析电影音乐剧主题的“去中心化”：从聚焦于舞台造梦，转向对美国梦的批判性反思。例如，探讨了在战后对种族、阶级和性别角色的微妙处理，以及音乐剧如何开始处理更复杂的成人主题，为后来的时代转变埋下伏笔。 第四部分：媒介的自我审视与新浪潮的涌现（1960s 至今） 随着电视的普及和电影观众群体的代际更迭，音乐剧电影在60年代经历了第一次重大危机。本部分聚焦于对“传统音乐剧模式”的反思与颠覆。 我们将分析“叛逆的”音乐剧如何挑战旧有模式：对歌舞场面进行非理想化处理，强调角色的疏离感和环境的压抑性。重点案例包括对大型、昂贵制作的审视，探讨它们如何因预算失控和观众兴趣转移而走向衰落。 最后，本部分将目光投向当代：音乐剧改编的“后现代”回归。分析了当代电影人如何借鉴早期大师的技巧，同时注入新的视觉语言和文化语境，特别是对非传统音乐剧题材（如摇滚歌剧、概念专辑改编）的探索。我们审视了当代技术如何让舞台效果在银幕上获得前所未有的真实感和想象力，以及流媒体时代对音乐剧电影制作模式带来的新机遇与挑战。 核心研究视角 本书的分析视角是多学科交融的： 1. 改编理论视角： 将改编视为一种“转介”（Transference）过程，而非简单的“复制”，重点分析文本在媒介转换中的意义损耗与增益。 2. 美学与技术互动： 深入剖析摄影机运动、布景设计、声音工程如何与舞蹈动作相互塑造，创造出独特的“电影音乐剧美学”。 3. 社会文化语境： 考察特定历史时期（如大萧条、战后繁荣、反文化运动）的社会心态如何被音乐剧的歌词、主题和视觉风格所折射和影响。 通过对经典作品的细致解构和对幕后制作流程的深入挖掘，本书旨在为电影学者、戏剧研究者以及热爱音乐剧的观众提供一个全面而富有洞察力的参考框架，理解这一综合艺术形式在光影世界中留下的不朽印记。

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