具体描述
We both love and hate our journalists. They are perceived as sexy and glamorous on the one hand, despicable and sleazy on the other. Opinion polls regularly indicate that we experience a kind of cultural schizophrenia in our relationship to journalists and the news media: sometimes they are viewed as heroes, at other times villains. From Watergate to the fabrication scandals of the 2000s, journalists have risen and fallen in public esteem. In this book, leading journalism studies scholar Brian McNair explores how journalists have been represented through the prism of one of our key cultural forms, cinema. Drawing on the history of cinema since the 1930s, and with a focus on the period 1997-2008, McNair explores how journalists have been portrayed in film, and what these images tell us about the role of the journalist in liberal democratic societies. Separate chapters are devoted to the subject of female journalists in film, foreign correspondents, investigative reporters and other categories of news maker who have featured regularly in cinema. The book also discusses the representation of public relations professionals in film. Illustrated throughout and written in an accessible and lively style suitable for academic and lay readers alike, Journalists in Film will be essential reading for students and teachers of journalism, and for all those concerned about the role of the journalist in contemporary society, not least journalists themselves. An appendix contains mini-essays on every film about journalism released in the cinema between 1997 and 2008.
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目录信息
读后感
用户评价
这本书的叙事腔调非常独特，它仿佛是一个上了年纪的、略带愤世嫉俗的片场老技师在给你讲述那些“不该说的秘密”。语言风格极其口语化，充满了老派的行话和只有圈内人才懂的缩写。比如，他描述某个大导演在片场如何通过一个手势就能让灯光师心领神会地调整打光角度，那个描述简直是油滑而传神。这本书的重心似乎完全放在了“如何搭建一个可信的世界”上，而非世界观中的特定职业身份。它大量篇幅用于分析建筑材料对时代氛围的营造，比如在描述二战时期欧洲布景时，如何通过控制石膏的纹理和油漆的混浊度来模拟被战火熏烤的绝望感。我记得有一章专门讨论了如何模仿不同国家和地区的“灰尘”的颜色和颗粒大小，这真是细致入微到令人发指的地步。对于一个只关注银幕形象的观众来说，这些细节可能显得过于冗长和技术化，但对于想探究电影“物理实体”构建的读者来说，这简直是宝藏，它讲述的是电影布景的重量、气味和温度，而不是角色对话的锋利。
读完这本书，我脑中挥之不去的，是那种对早期电影工业化流程的敬畏感。它与其说是一本关于银幕形象的探讨，不如说是一部关于工业流程美学的编年史。作者对三十年代和四十年代派拉蒙影业和米高梅影业制片体系的拆解，简直是一门关于“流水线上的艺术控制”的案例研究。他详细记录了米高梅“A部门”的日常工作流程，从剧本分发、场景设计图的审批，到道具的库存管理，每一个环节都像是经过精密计算的齿轮。最让我印象深刻的是关于道具部门的档案记录，书中展示了如何为一部歌舞片准备数千件完全相同的羽毛，以及如何确保这些道具在不同外景地气候下都能保持一致的“闪光度”。这种对宏大生产体系的细致描摹，构建出一种令人眩晕的秩序感。它让我意识到，一部电影的诞生，是无数个工种协作的结果，而这些工种，包括那位“扮演记者”的演员的服装，都是在严格的工业标准下被“生产”出来的。阅读过程仿佛在翻阅一份老旧但保存完好的工厂运营手册，充满了对效率与标准的赞颂，与角色扮演的个人魅力形成了鲜明的对比。
这部作品，在我看来，简直就是一幅关于好莱坞黄金时代的浮世绘，尽管它并未直接触及新闻业的镜头前形象。作者以一种近乎痴迷的精准度，重构了那个时代布景师和服装设计师的心路历程。比如，书中对《卡萨布兰卡》中里克咖啡馆的灯光设计如何微妙地暗示人物的道德困境，那段描述细腻到令人窒息。他花费了整整五页篇幅来解析亨弗莱·鲍嘉那件标志性风衣的材质选择——羊毛与斜纹棉布的比例，以及它在不同光线下反射出的心理暗示。这绝非简单的影片分析，更像是一场关于“光影如何叙事”的哲学探讨。书中还穿插着大量未经公开的片场笔记扫描件，那些手写的批注，比如关于某场戏中“阴影的厚度必须足以吞噬掉希望”之类的只言片语，让读者仿佛真的站在那个烟雾缭绕的片场，能闻到老式胶片燃烧的味道。整体阅读体验，是沉浸式的，让人忘记了自己最初是冲着“谁是那个扮演记者的演员”来的，转而迷恋于电影制作的幕后机关如何精妙运作。这像一本高级的电影美学教科书，只不过它的重点全放在了构建场景的实体感上，而非场景中的人物身份标签。
这本书的魅力在于其结构上的“反叙事”。它故意避开了一切清晰的、线性的故事讲述，转而采用了一种碎片化、近乎意识流的方式来呈现关于电影制作的片段。你可以看到对某一帧画面长达数页的“解剖”，分析其中所有可见与不可见的元素如何协同作用。比如，它对一张看似普通的剧照进行了“放射状”的解读，从前景的道具的磨损程度，到背景中窗帘的褶皱角度，再到远景中灯泡的色温，一一进行了归类和评价。这种对“细节的崇拜”在其他电影书中极为罕见。它似乎在向我们暗示，一个角色（比如那个记者）的“真实性”，并非来源于他说了什么，而是来源于他周围环境的无可辩驳的物质存在感。这本书更像是对电影工业“物质主义”的一种致敬，对于那些更关心剧本和表演的读者来说，这可能是一次关于“材料科学与戏剧美学交汇点”的意外旅程。
坦白说，我初次翻开这本书时，是带着一种对早期电影中“新闻英雄”的浪漫期待。然而，它呈现给我的却是一个关于“光影魔法师”的沉闷赞歌。全书的焦点似乎完全聚焦在电影摄影和艺术指导这两个领域，并且是以一种非常学院派的、聚焦于视觉理论的角度来展开的。书中大量引用的理论模型，比如对“景深与观众注意力的关系”的数学分析，以及对“三原色在不同胶片股剂上的色偏研究”，读起来相当烧脑。对于追求故事性或人物弧光的读者来说，这本书会显得异常枯燥。它更像是一份献给视觉艺术家的情书，赞美那些默默无闻地调动焦距、平衡曝光的幕后英雄。它对一个“记者”形象的兴趣，可能仅仅在于这个角色身上能反射出多少复杂的光线，或者他的新闻稿件放在什么质感的桌面上看起来更具“时代感”。这种极端的幕后聚焦，有效地将人物的“职业内涵”彻底剥离，只剩下了纯粹的视觉载体。
