All-American Concertina Album pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Lochhead, Alan

出品人:

页数:40

译者:

出版时间:2008-4

价格:$ 11.24

装帧:

isbn号码:9780786679225

丛书系列:

图书标签:

• Concertina
• American Music
• Folk Music
• Sheet Music
• Vintage
• Rare
• Collectible
• Music Book
• Instrumental Music
• Early American Music

乐器之魂：一窥现代音乐的深度与广度 一部关于二十世纪音乐实验、技术革新与文化交融的宏大叙事 本书旨在深入剖析二十世纪以来，西方乃至全球音乐图景所经历的翻天覆地的变革。我们不关注那些耳熟能详的流行金曲或传统的古典名录，而是将聚光灯投射到那些推动音乐边界向前发展的边缘领域、新兴技法以及那些鲜为人知却影响深远的音乐家和流派。这不是一本关于“如何演奏”的指南，而是一部关于“音乐如何思考”的哲学与技术手册。 第一部分：机械之声的觉醒——从录音技术到电子乐的雏形 二十世纪初，留声机、磁带录音和电台广播的普及，彻底颠覆了音乐的传播和消费模式。本部分将详尽考察具体音乐（Musique Concrète）的早期实践。我们将剖析皮埃尔·舍费尔（Pierre Schaeffer）和皮埃尔·亨利（Pierre Henry）如何将日常环境音——火车轰鸣、水流声、工业噪音——解构、重组，并将其提升到严肃艺术的层面。重点分析他们对“声音对象”（Sound Object）的定义，以及如何通过磁带剪辑、速度变化和反转等原始技术，构建出全新的听觉景观。 紧接着，我们将探讨电子合成器的早期发展历程。从德国科隆的 WDR 工作室，到美国的贝尔实验室（Bell Labs）的电子音乐（Elektronische Musik）流派，特别是卡尔海因茨·施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）对纯粹电子音源和序列化思想的运用。我们不谈及任何基于风箱或簧片的乐器，而是聚焦于振荡器、滤波器和包络生成器如何首次被赋予作曲的权力。探讨这些技术如何挑战了传统音乐理论中关于音高、音色和节奏的固定概念，开启了“声音即材料”的全新美学。 第二部分：结构与随机——后二战时代的实验浪潮 在战后欧洲的理性主义与存在主义思潮的交织下，作曲家们开始对传统结构和创作流程进行激进的反思。本章将详细解读序列主义（Serialism）的扩张与异化。我们考察了米尔顿·巴比特（Milton Babbitt）如何将十二音技法扩展至节奏、力度和音色维度，创造出高度复杂的、数学上严谨的音乐结构。这种对“全序列化”的追求，意图将作曲家的主观意志彻底排除在外，达到一种绝对的、客观的音乐组织。 然而，对绝对控制的反思催生了偶然音乐（Aleatoric Music）的兴起。约翰·凯奇（John Cage）是这一领域的标志性人物，但我们更深入地考察其理论基础——禅宗哲学与易经的影响。本部分将细致分析凯奇在《为钢琴而作的乐曲》（Music for Piano）以及使用随机操作表（time-space notation）的作品中，如何将演奏者的选择权或纯粹的概率事件纳入作品结构。我们对比分析了布克哈德·特拉普（Buchard Trapp）在德国对“开放作品”的理解，以及他们如何利用棋盘游戏、抛硬币等日常活动来决定音乐的走向，从而使得每一次演出都成为独一无二的事件。 第三部分：空间、噪音与身体——打破音乐厅的藩篱 随着技术的进步和观念的解放，音乐的物理边界开始消融。本章关注空间音乐（Spatial Music）的实践，这与传统的立体声概念截然不同。我们将考察如埃里克·萨蒂（Erik Satie）的早期设想如何被后来的作曲家付诸实践，特别是那些利用多声道扬声器阵列（如四面墙、天花板和地板）来引导听众感知声音运动的作品。我们分析了作曲家如何利用声学反射、延迟和混响时间来“雕刻”听众周围的空间，使空间本身成为音乐叙事的一部分。 同时，我们转向对“噪音”（Noise）的重新定义。我们不谈论工业噪音在电子乐中的应用，而是关注那些直接将噪音发生器、非传统乐器和身体发声纳入核心乐汇的先驱者。我们探讨了伊阿尼斯·泽纳基斯（Iannis Xenakis）如何将概率论和建筑学原理应用于随机波形的生成，以及他如何利用波场合成来模拟宏大、不可名状的声学现象，例如“宇宙之声”或“群体行为”。我们还将分析一些将肢体动作、舞台表演与声音输出相结合的早期实验剧场音乐，探讨声音如何成为一种行动，而非仅仅是听觉的愉悦。 第四部分：东方回响与全球化影响 进入后现代阶段，音乐的全球化趋势愈发明显。本部分着重于分析非西方音乐传统如何被西方实验音乐家所吸收、转化，并引发新的跨文化对话。我们避开对传统民间音乐的简单采样，转而探讨那些深入研究了印度拉格（Raga）的微音程结构、印度尼西亚甘美兰（Gamelan）的复节奏（polyrhythm）与金属音色的作曲家。 我们会分析特定作曲家如何借鉴了复杂的、基于数学比例的音阶系统，而非传统的十二平均律。例如，如何将甘美兰中那种非同步的、不断交织的声部结构应用到全新的电子合成器矩阵中。这部分旨在揭示，二十世纪的音乐实验不仅是向内探索声音的物质性，也是向外拓展文化吸收的可能性，最终塑造出一种超越地域限制的当代音乐语言。 本书的最终目的，是为读者构建一个清晰的知识地图，理解在二十世纪，哪些严肃的、概念驱动的音乐探索，为我们今天习以为常的电子音乐、氛围音乐、实验即兴乃至电影配乐的底层逻辑，奠定了不可磨灭的基础。

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