具体描述
Alternatives to grand opera and the popular musical can be traced back through the modernist experiments of the 60s, the Broadway and off-Broadway theater operas of the 30s and 40s, to early Stravinsky and Kurt Weill, and at least as far as the 1912 premiere of Schoenberg's Pierrot Lunaire. Yet this ongoing history has never been properly sorted out, its complex ideas and philosophy as well as musical and theatrical achievements never brought fully to light. The New Music Theater is the first comprehensive attempt in English to cover this still-emerging art form in its widest range. Written for the reader who comes from the contemporary worlds of music, theater, film, literature and visual arts, this book provides a wealth of examples and descriptions not only of the works themselves, but of the concepts, ideas and trends that have gone into the evolution of what may be the most central performance art form of the post-modern world. Authors Salzman and Desi consider the subject of music theatre from a social as well as artistic point of view, exploring how theater works in culture, and how music works in the theater. In the first part of the book, they treat the origins of theater itself, putting forth insightful discussions about the relationship between language and music, song and speech, story-telling and expression, theatrical movement and dance. Their exploration then moves into the crucial relationships between high art forms and popular culture, and between entertainment and instruction. The authors proceed in the book's second part to the forms that music theater has taken from ancient times to the present day, investigating its gradual transformations from popular theater to more structured high art forms, to the eclectic mixture of forms which flourish today. This brings the reader into the third part, in which Salzman and Deszy trace the contemporary music theater renaissance from the cubist, dadaist, and futurist experiments of the 20s and 30s to the inter-arts movements of the 50s and 60s. Here they survey the increasingly pervasive impact of media and technology and the influence of jazz, pop, and world beat on new theatre forms and styles of today. This section also features a special section on vocal style and language, and extended vocal techniques. The final and fourth part of the book assesses the present state of music theater. Illuminating their discussion with illustrations from current artists and their works, the authors sum up what we have learned, and respond to such questions as: How does music work in theater? What does it mean when people get up on stage and sing instead of speak? And how much of this is universal? Through this process, The New Music Theater both describes where we have been and points the way to the future of this all-encompassing art form.
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目录信息
读后感
用户评价
这本书的叙事节奏非常独特，它没有采用传统的时间线梳理，反而像是一系列相互映射、相互回响的音符集合。你读到A章节关于1970年代德国“动作歌唱”的激进尝试，可能下一秒就会跳转到21世纪初亚洲网络艺术团体对虚拟角色的声音塑造，这种跳跃感乍看之下有些令人措手不及，但细想之下，却精准地捕捉到了“新音乐剧”这种形态的非连续性本质。它不是一个逐步演化的流派，而是一系列针对特定时代症候的、独立的、爆发性的反应。我特别欣赏作者对“噪音”和“沉默”的辩证处理。在很多传统评论中，噪音往往被视为对秩序的破坏，但在本书的语境下，作者却将其提升到本体论的地位，认为噪音是“未被文化驯服的纯粹能量”。通过对几个极端案例的分析，这本书成功地说服了我：真正的创新往往发生在你认为“不该有声音”的地方。它挑战了我们对“美学”的固有偏见，迫使我们重新审视声音在艺术中的等级秩序。
我对音乐剧的了解仅限于百老汇黄金时代的辉煌，所以这本书对我来说，更像是一次强制性的“视网膜刷新”。起初，那些关于“非线性时间”和“音色政治学”的探讨让我感到云里雾里，仿佛在听一首用微积分写成的交响乐。然而，随着阅读的深入，我开始捕捉到那些隐藏在复杂结构背后的清晰脉络：即当代剧场对“可理解性”的放弃，是为了换取更直接的“感受力”。作者对技术与人性的交互描写尤其精彩。比如，书中详细剖析了一个利用生物反馈技术来控制舞台灯光的项目，观众的心率变化直接影响了舞台上演员的情绪表达，这种身体层面的耦合，彻底打破了传统观演关系中的“第四堵墙”。它探讨的不再是如何讲好一个故事，而是如何构建一个能让我们的生理系统共同参与叙事的“场域”。读完后，我发现自己对任何现场表演的期待都提高了，我开始警惕那些过于圆滑、过于流畅的表达，转而去寻找那些“卡顿”、“失真”和“不适感”——因为那才是真正值得关注的艺术信号。
这本《The New Music Theater》读完后，我感觉我的耳朵和大脑都被重新校准了。它不是一本教你如何“写”新音乐剧的教科书，更像是一次深入的、近乎考古的田野调查，考察了那些在传统歌剧院的穹顶之下感到窒息，转而冲向工业废墟、地下酒吧和数字空间的先锋创作者们。作者的笔触极其细腻，尤其是在描述那些介于戏剧、装置艺术和电子乐之间的作品时，那种介质的模糊性被捕捉得淋漓尽致。我印象最深的是关于“沉浸式体验”的章节，它没有停留在肤浅的“观众走入舞台”的层面，而是探讨了声音的空间化如何重塑观众的感知权力结构。比如，书中详述了一个作品，观众被要求佩戴不同的传感器，而他们在不同位置发出的微小呼吸声，都会被实时转化为管弦乐中的一个音符，这让我联想到，艺术的边界正在被溶解，而我们作为接收者，也必须成为主动的参与者和声音的贡献者。这本书的魅力在于，它不提供答案，而是不断地提出尖锐的问题：当音乐不再是叙事的主导，而是成为环境本身时，我们该如何界定“戏剧性”？这种对定义权的挑战，是这本书最宝贵的地方。
读完《The New Music Theater》，我必须承认，我的欣赏口味被彻底颠覆了。这本书的文字风格极其口语化，仿佛作者正坐在一个昏暗的咖啡馆里，拿着一杯浓缩咖啡，兴致勃勃地向你分享他刚刚目睹的、足以改变世界的一场演出。这种亲切感，冲淡了主题本身的难度。我个人最受触动的是关于“全球化与地方性声音的张力”这一部分的论述。作者没有将“新音乐剧”视为一个纯粹的西方学术概念，而是细致地考察了它如何在不同文化土壤中“生根发芽”，并吸收当地的民间仪式、口头叙事甚至非艺术领域的声响元素。书中对拉美某地剧团如何将传统祭祀的吟唱与实时数据流结合的案例描写，简直是神来之笔，它揭示了“新”并非意味着“抛弃过去”，而是意味着用最尖锐的技术去重新激活那些被遗忘的声音的原始力量。这本书的价值不在于它收录了多少作品，而在于它为我们提供了一副全新的“聆听”世界的眼镜，让我们意识到，音乐剧的未来，可能就在我们日常生活中那些最不经意、最不和谐的声响之中。
说实话，刚拿到这本书的时候，我有点被它那种学术气息的封面迷惑了，以为会是枯燥的理论堆砌，但读进去之后，完全是另一种体验。它更像是一位资深乐评人带着你进行了一场横跨半个世纪的“私人导览”。作者似乎对每一个被提及的作曲家和导演都有着非同寻常的私人情感投入，这种情感使得那些晦涩难懂的先锋实践变得鲜活起来。特别是在分析那些受后结构主义影响极深的“去中心化叙事”作品时，作者并没有使用生硬的术语去解释，而是通过引用大量排练现场的轶事和幕后采访片段，让我们看到了作品诞生的那种泥泞而充满张力的过程。有一段描述了某位导演如何与声景设计师争论一个特定频率的白噪音是否应该存在于歌者独白的高潮部分，那种对细节的执着和近乎偏执的艺术追求，让我感到震撼。这本书的高明之处在于，它始终保持着对“剧场”这个古老概念的敬畏，即使它在歌颂“颠覆”，骨子里依然是对人类情感表达形式的终极关怀。它不是在推销一种流派，而是在记录一场关于“如何更诚实地发出声音”的伟大探索。
