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作者:Not Available (NA)

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页数:80

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价格:85.00 元

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isbn号码:9781423453741

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• 卡拉OK
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• 怀旧金曲

《太平洋的蓝色脉动：夏威夷群岛的音乐遗产与文化变迁》 一本深入探索夏威夷音乐作为文化载体、历史镜鉴与身份构建核心的学术专著。 本书并非对任何特定歌曲集的简单介绍，而是对夏威夷音乐在过去两个世纪中复杂演变轨迹的全面、细致的社会学、人类学和音乐学分析。我们拒绝将夏威夷音乐视为一成不变的“度假胜地”背景音，而是将其视为一个充满张力、适应与反抗的文化实体。 第一部分：根源与失落——传统音乐的结构与殖民冲击 (1778–1893) 本章追溯了欧洲人接触夏威夷之前，波利尼西亚传统音乐（Mele）的社会功能、结构特征及其与宗教（Kapu 制度）、王权（Aliʻi）和土地（ʻĀina）的内在联系。 音阶、节奏与吟诵艺术 (Chanting)： 详细分析了早期夏威夷音乐的音高系统，特别是缺乏西方十二平均律的系统性影响，以及在无记谱传统下，史诗级长篇吟诵（如关于卡美哈梅哈大帝的史诗）的记忆保持机制。重点探讨了“滑音”和“颤音”在表达情感深度中的作用，这与西方美声唱法有着本质的区别。 乐器学的演变： 考察了卡维奇（ʻUkulele，其早期形式）和夏威夷吉他（Steel Guitar 的前身）在被引入后的适应过程。分析了传统打击乐器如敲击木块（Pahu）和葫芦沙锤（ʻUliʻuli）如何适应新的仪式和聚会场合。 传教士的影响与禁令： 详述了十八世纪末十九世纪初，美国新教传教士对夏威夷传统音乐和舞蹈（Hula）的道德谴责和压制。分析了夏威夷人如何在私人领域秘密保留这些文化形式，以及这种压制如何催生了对西方和声与曲式结构的学习，作为一种文化生存策略。 第二部分：王权的挽歌与新形式的诞生 (1893–1930s) 这一时期是夏威夷政治身份剧烈动荡的时期，音乐成为表达忧郁、怀旧与身份认同的关键工具。 “欧洲化”的自觉选择： 考察了卡拉卡瓦国王（King Kalākaua）和利莉乌欧卡拉尼女王（Queen Liliʻuokalani）在宫廷中对欧洲歌剧、圆舞曲和进行曲的接纳。这并非简单的模仿，而是一种利用西方音乐的“高级”形式来提升夏威夷在世界舞台上地位的政治行为。 钢棒吉他的诞生与流浪音乐家： 深入研究了夏威夷钢棒吉他（Hawaiian Steel Guitar）的技术革新。分析了日本和葡萄牙移民对这种乐器发展的技术贡献，以及它如何通过对滑音的极致运用，模拟了夏威夷语中元音的悠长与哀婉，从而成为“新夏威夷”声音的标志。 布鲁斯与梅尔的交织： 分析了早期流浪乐队（Traveling Troupes）如何将夏威夷音乐带到美国本土，并与当时新兴的美国流行音乐（Ragtime, Early Blues）发生碰撞。讨论了夏威夷音乐如何在好莱坞的“异域风情”包装下，被简化和商品化（如“棕色皮肤的诱惑”主题的兴起）。 第三部分：全球化、身份危机与音乐的复兴 (1940s–1980s) 珍珠港事件及战后的美国军事和经济渗透，深刻地改变了夏威夷群岛的社会结构，音乐成为抵抗文化同质化的前线。 战争时期的音乐用途： 考察了夏威夷音乐在二战期间作为美军士气的提升剂的角色，以及其本土市场如何被美国唱片工业的扩张所吞噬。探讨了“卢奥”（Lūʻau）作为一种被重新包装的、服务于旅游业的文化庆典，如何将音乐推向刻板印象的边缘。 传统复兴的先驱： 详细分析了 1970 年代“夏威夷文艺复兴”（Hawaiian Renaissance）的音乐驱动力。重点研究了“Keola Beamer”和“The Cazimero Brothers”等音乐家如何摒弃对商业流行曲的依赖，转而重新挖掘失传的古老吟诵和和声结构，并用现代乐器重新诠释，使之既具历史深度又适应当代听众。 夏威夷语的“声音”： 分析了在夏威夷语濒临消亡的背景下，音乐如何成为语言保存的最后堡垒。通过对歌词中特定语法的保留和传统诗歌形式的回归，探讨音乐作为一种“声音的记忆库”的不可替代性。 第四部分：后现代的岛屿回声——当代音乐的多元性与政治立场 (1990s–至今) 本章关注夏威夷音乐在当代全球文化语境下的复杂身份，以及本土艺术家如何处理旅游业、房地产泡沫和环境正义等议题。 雷鬼与嘻哈的熔炉： 考察了夏威夷本地音乐家如何吸收牙买加雷鬼乐（Reggae）的反殖民叙事和社会批判精神，并将其与本土的抗争主题（如反对军事基地、保护水资源）相结合，形成了独特的“夏威夷雷鬼”风格。同时，分析了本土嘻哈（Local Hip-Hop）如何使用皮钦语（Pidgin English）作为对抗主流英语霸权的语言武器。 “天堂”的反思： 探讨了当代艺术家（如“Jack Johnson”的某些作品，以及更具政治意识的独立音乐人）如何在保持对海洋和自然的热爱之余，批判性地审视“夏威夷天堂”形象对当地居民生活成本和文化认同造成的压力。 音乐产业的独立路径： 研究了本土唱片公司和独立音乐节在去中心化过程中的作用，它们如何努力确保音乐创作的经济利益能回流到社区，而非仅仅服务于外来资本。 本书最终旨在呈现一部细致入微的文化史诗，它证明了夏威夷音乐并非一成不变的民歌合集，而是一系列持续不断的对话、妥协、反抗与创造的活态记录，忠实地反映了一个群岛在面对全球化浪潮时的生存智慧与文化韧性。它提供的洞察力，远超任何一册简单汇编所能承载的深度。

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这本书的装帧设计简直体现了对读者的尊重，这一点在很多音乐出版物中是很难得的。首先，纸张质量非常好，足够厚实，即便是经常在户外或者咖啡馆里摊开练习，也不容易出现折角或磨损。更重要的是，它的装订方式采用了那种可以完全平铺在琴谱架上的设计，这意味着你在演奏长篇乐曲时，不需要费力地用手或夹子去压住书页的中间部分，这在弹奏过程中是多么重要的体验。排版方面，字体选择和字号大小拿捏得恰到好处，即便是光线不是特别好的环境下，阅读起来也不会感到吃力。不过，真正让我惊喜的是，在每首曲子介绍的开头，都附有一段简短的背景故事，讲述了这首歌的创作年代、文化背景，甚至是当时夏威夷社会对它的反响。这为演奏者提供了情感上的入口。我不再是机械地弹奏音符，而是带着对歌曲历史的理解去演绎，音乐一下子变得立体而有深度。这种将音乐技术与文化史料完美结合的做法，使得这本书不仅仅停留在“如何弹奏”的层面，更提升到了“为何要这样弹奏”的哲学思考层面，这对于任何一个想要深入理解音乐的演奏者来说，都是宝贵的财富。

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我是一个对传统民间音乐有着执着追求的人，尤其偏爱那些带有浓厚地域色彩的曲调，这本书在满足我这种“怪癖”方面表现得极其出色。它所收录的曲目跨度非常大，从早期的宗教圣歌改编的夏威夷歌曲，到受到爵士乐影响后期的浪漫主义作品，几乎囊括了一个世纪以来夏威夷音乐演变的关键节点。我发现书中对一些不常见的调式进行了解释，比如如何用标准的六线吉他来模拟夏威夷四弦琴（Ukulele）特有的和弦色彩，这部分内容简直是教科书级别的。它没有直接给出复杂的指法图，而是通过对音程关系的分析，教会你理解其背后的和声逻辑。我过去一直苦恼于某些老录音中那种空灵、略带“失真”感的和声效果难以复现，这本书通过细致的泛音（Harmonics）技巧讲解，让我终于找到了那个“正确的听感”。阅读过程中，我明显感觉到，作者对于夏威夷音乐的热爱是发自内心的，而不是出于商业目的的简单汇编。他们似乎花了很多时间去与老一辈音乐家交流，从而获得了许多只存在于口头传承中的演奏技巧和“秘密”。这本书的价值，不在于它收录了多少歌，而在于它教会了读者如何“听懂”并“唱出”夏威夷音乐的灵魂。

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这本乐谱集简直是夏威夷音乐爱好者的福音，简直是翻遍了夏威夷的各个角落，把那些最经典、最动人心弦的旋律都搜罗了进来。光是翻阅目录，就能感受到一股热带海风拂面的清爽。不仅仅是那些耳熟能详的老歌，它还收录了一些相对小众但同样韵味十足的作品，每一个音符似乎都带着阳光和沙滩的味道。编排上，可以看出作者在尊重原曲精髓的同时，也进行了非常人性化的调整，使得即便是中级水平的吉他手也能在不牺牲音乐美感的前提下进行演奏。和弦标记清晰准确，清晰到连我这个初学者都能很快上手。我特别喜欢其中几首慢板情歌的指法提示，那些细微的推弦和揉弦技巧，让简单的旋律瞬间充满了情感的张力。我曾经尝试过其他几本声称是“夏威夷精选”的乐谱，但大多要么是排版混乱，要么就是把复杂的高难度演奏技巧一股脑塞进来，让人望而却步。但这本书完全不同，它就像一位耐心的老师，一步步引导你进入夏威夷音乐的殿堂，让你在练习的过程中体会到真正的乐趣和成就感。尤其是对那些复杂的四和弦进行处理得非常得体，既保持了夏威夷音乐的流畅感，又避免了和弦转换时的生涩感。可以说，它成功地架起了一座连接听者与夏威夷灵魂深处的音乐桥梁，让人爱不释手，弹奏时总能让人暂时忘却尘世的烦恼，沉浸在那片蔚蓝的海洋之中。

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说实话，我拿到这本书的时候，心里是抱着一丝怀疑的。市面上关于“经典”的定义往往千篇一律，但这本书的选曲角度却非常刁钻，充满了惊喜。它并没有仅仅停留在那些商业电台循环播放的口水歌上，而是深入挖掘了五十年代和六十年代那些真正奠定夏威夷音乐基调的乐曲。有些曲目我已经找了很久，希望能找到准确的钢琴谱或尤克里里谱，结果都无功而返，而这本厚厚的乐谱集里竟然赫然在目，并且是用极其规范的五线谱和六线谱对照呈现的。更让我赞叹的是，它对每一个音符的力度标记都做了精心的标注——你是该轻柔地拂过，还是需要用更重的拨片去强调？这些细节决定了演奏出来的音乐是否具有“夏威夷腔调”。我尤其对其中几首较为复杂的器乐独奏曲目进行了研究，发现作者并非简单地抄录了录音版本，而是结合了当时的演奏惯例，对一些即兴发挥的部分也进行了合理的符号化处理，这对于想要模仿特定大师演奏风格的学习者来说，价值无可估量。我甚至发现了几处我之前听录音时一直没能分辨清楚的和弦转换点，通过查看书中的谱例，瞬间豁然开朗。这本书，与其说是一本乐谱集，不如说是一部详尽的、可操作的夏威夷音乐风格解析指南。

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坦白讲，我购买这本书主要是因为朋友的强烈推荐，起初我并不认为市面上还能有什么新的东西可以给我带来冲击。但这本书的“音色”导向性分析，彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是提供了指法和和弦，而是针对每首曲子的“理想音色”给出了详细的设备和演奏建议。例如，对于某些更偏向于呼唤自然的主题曲目，书中建议使用尼龙弦吉他，并且采用更靠近琴桥的位置进行拨弦，以模拟出那种清脆、略带金属质感的“呼唤”感。而在处理那些表达思念和忧郁情绪的慢板时，则建议使用靠近音孔的位置拨弦，追求更温暖、更柔和的基音。这种将演奏技巧与听觉效果紧密结合的指导方式，极大地拓宽了我的演奏视野。我以前总是觉得，只要音符弹对了，音乐就完成了，但这本书让我意识到，音符只是骨架，音色和触感才是赋予音乐血肉的关键。我甚至尝试着按照书中的建议，调整了自己的拾音器设置，结果发现，我演奏的同一首曲子，听起来竟然有了明显的提升，更贴近我心中那种遥远、带着湿润空气感的夏威夷之声。这本书对于那些追求极致音色表现的进阶演奏者来说，绝对是不可多得的“秘籍”。

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