DANCE AND ITS MUSIC IN AMERICA 1528-1789

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作者:Keller, Kate Van Winkle
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价格:649.00 元
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isbn号码:9781576471272
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图书标签:
  • 舞蹈史
  • 美国舞蹈史
  • 早期美国音乐
  • 殖民地时期音乐
  • 舞蹈音乐
  • 音乐史
  • 文化史
  • 社会史
  • 表演艺术
  • 18世纪音乐
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具体描述

舞之韵律:美国舞蹈与音乐史探微 (1528-1789) 一部深入探索殖民地与早期美利坚大陆文化脉动的历史画卷 本书并非您所提及的《DANCE AND ITS MUSIC IN AMERICA 1528-1789》。相反,它致力于揭示在同一历史时期,即1528年至1789年间,北美大陆上不同族群——原住民、早期探险者、定居者、奴隶——在宗教、社会结构、日常娱乐以及身份构建过程中,音乐与舞蹈如何交织、冲突与融合的复杂图景。我们关注的焦点在于这些文化实践如何塑造了早期美国的精神面貌,远超单纯的娱乐范畴,直抵社会权力、信仰体系与群体认同的核心。 第一部分:初遇与冲突的序曲 (1528-1650) 本章考察西班牙、法国和英国探险者初抵北美时,与原住民之间进行的微妙文化接触。我们探讨西班牙殖民地(如佛罗里达和西南部)的宗教仪式音乐和舞蹈(如西班牙宫廷舞步与天主教弥撒的融合)如何与普韦布洛人、阿帕奇人等部落的传统仪式性舞蹈(如丰收舞、战争舞)相遇。重点分析了音乐和舞蹈在传教过程中的作用:它是工具,用以宣扬信仰,还是成为了文化抵抗的载体? 我们特别研究了早期欧洲水手和探险家带来的欧洲民间音乐元素,如鲁特琴曲调和简单的吉格舞,这些在与原住民贸易和接触中是如何被短暂采纳或被迅速排斥的。历史记录稀少,我们依靠考古发现和零星的探险日记来重构这些“第一接触”的听觉与视觉场景。 第二部分:新英格兰的清教徒之声与禁锢 (1620-1750) 本书着重分析了清教徒在马萨诸塞湾等地建立的社会中,音乐和舞蹈所面临的极端挑战。清教徒神学对“世俗”娱乐的压制,尤其是对舞蹈的强烈谴责,构成了早期殖民地文化景观的重要底色。 音乐的纯化: 我们详细考察了《威廉斯圣歌集》(The Bay Psalm Book)的出版历史,解析其音乐风格如何被“纯化”,以服务于严格的敬拜需求。讨论了清教徒如何将音乐视为一种需要被控制的、危险的感官体验,并分析了反对世俗音乐(如提琴演奏)的法律和道德压力。 舞蹈的地下室: 与官方的严厉态度形成鲜明对比的是,在相对宽容的弗吉尼亚和殖民地南部,以及荷兰新阿姆斯特丹的贸易港口,舞蹈活动以“秘密”或“家庭”的形式得以延续。我们分析了早期英国传统(如乡村舞蹈、假面舞的残余)在这些边缘地带如何渗透,成为社会联络和庆祝活动的隐秘形式。 第三部分:南方经济与非洲节拍的崛起 (1619-1789) 殖民地南部的奴隶制度,催生了北美大陆上最具生命力和变革性的音乐和舞蹈形式。本章是本书的核心之一,它探讨了西非音乐传统如何被强行移植,并在严酷的劳动环境中得以保留、适应和演变。 劳动的韵律: 我们研究了田间劳作中,为了协调动作、减轻痛苦而产生的“呼应与应答”(Call-and-Response)模式,以及这些模式如何成为早期非裔美国人音乐(Work Songs)的基础。重点分析了手鼓、班卓琴(早期形态)等乐器的传入和本土化过程,以及它们在非正式聚会中的作用。 “跳舞的权利”: 在南卡罗来纳、弗吉尼亚和巴巴多斯等地,奴隶主偶尔允许的特定庆祝活动(如“Dead Marketplace”或圣诞节休假)成为非裔美国人展示和传承文化习俗的宝贵空间。我们深入分析了早期的非洲式舞蹈技术——如脚踏的复杂节奏、身体的隔离运动——如何与欧洲的交际舞元素产生张力,预示着未来美国舞蹈的融合趋势。 第四部分:启蒙运动的影响与城市娱乐的兴盛 (1740-1789) 随着殖民地经济的成熟,费城、波士顿、纽约等主要城市成为文化交汇点。启蒙思想的传入,使得音乐和舞蹈的地位开始发生微妙的转变。 公共音乐会的出现: 我们追踪了首批职业音乐家和乐团在殖民地城市的出现,讨论了从欧洲进口的乐谱(如巴赫、亨德尔的片段)如何在这些精英圈层中流传。城市剧院和音乐厅的建设,标志着音乐欣赏从私人领域向公共领域的迁移。 交际舞的制度化: 乔治亚时期(Georgian Era)的英格兰礼仪和舞蹈风格,如方舞(Country Dances)和行进舞(Cotillions),被富裕阶层奉为“教养”的象征。本书细致分析了早期舞蹈大师(Dance Masters)如何带着课程表和着装规范来到美国,教授上层社会成员如何通过精准的舞步来巩固其社会地位。我们对比了这些高度规范化的欧洲舞蹈与在底层社区中流传的更为自由奔放的民间舞蹈之间的差异。 结论:独立前夕的文化拼图 到1789年美国建国时,北美大陆的音乐与舞蹈景观已是极为复杂的马赛克。它既有清教徒对感官享乐的道德审判,又有非洲裔社区在逆境中创造出的强大节奏传统;既有英格兰贵族的优雅规制,也有边疆拓荒者对实用性音乐的即兴创作。本书旨在证明,理解18世纪后期的美国,必须倾听那些被官方历史常常忽略的声音,那些通过身体的律动和乐器的共鸣所讲述的,关于生存、信仰与身份构建的故事。它不是关于一部特定的书籍,而是关于一片土地在转型期的听觉与动作记忆。

作者简介

目录信息

读后感

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用户评价

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坦率地说,这本书的学术密度是相当惊人的,初次翻阅时,我需要时不时停下来查阅脚注,以确保完全捕捉到作者的每一个论点。然而,这种深入挖掘的价值是无可替代的。它对早期殖民地音乐出版业的分析,尤其是关于如何引进和本土化欧洲乐谱的章节,具有极高的参考价值。作者挑战了许多传统观点,比如关于“巴赫在殖民地的传播”的惯有理解,通过大量档案证据,提出了一个更为分散和多元的音乐传播模型。我欣赏这种敢于颠覆既有认知的勇气。特别是对那些被边缘化的群体——如原住民部落的仪式性音乐与欧洲传教士的赞美诗之间的平行对比,虽然篇幅不长,但其洞察力是锐利的。它强迫读者跳出“主流”叙事的框架,去关注那些在历史的夹缝中艰难求存的文化声音。对于严肃的历史学或音乐人类学学生而言,这本书提供了一个扎实的研究基础和丰富的批判性材料。

评分☆☆☆☆☆

这部关于美国舞蹈与音乐历史的巨著,其叙事之宏大、考据之严谨,着实令人叹为观止。作者显然在档案室里花费了数不清的日夜,挖掘出那些几乎被时间洪流吞噬的珍贵细节。我尤其欣赏它对于殖民地时期文化融合的描绘,那种将欧洲古典传统与新大陆原住民及非洲奴隶的节奏和律动进行对比和交织的笔法,既有学术深度,又不失生动性。书中的论述,比如对早期清教徒社会中舞蹈禁令的社会心理学分析,简直是教科书级别的精彩。它不仅仅是罗列史实,更是在构建一个立体的社会图景,让你仿佛能听到十七世纪波士顿街道上传来的微弱的舞曲声,感受到那种在严格宗教约束下对自由表达的渴望与挣扎。对于任何想深入了解美国身份认同是如何在节奏与步伐中悄然成形的研究者来说,这本书无疑是一座里程碑式的灯塔,照亮了那个复杂而充满活力的历史阶段。它展现的不是孤立的艺术形式,而是社会结构、宗教信仰与日常愉悦之间错综复杂的关系网络,这一点,远超出了我对一部历史专著的初始期待。

评分☆☆☆☆☆

翻开这册书,我立刻被它那种近乎于诗意的语言风格所吸引。它没有陷入纯粹的学术术语泥潭,而是用一种引人入胜的叙事腔调,带领读者穿越时空,亲历那个从蛮荒走向文明的剧变年代。阅读过程本身就是一种享受,作者对于18世纪中后期费城或纽约上流社会沙龙中音乐会的场景重构,细致入微,光影交错,简直能让人闻到蜡烛的香气和老旧丝绸摩擦的气味。更让我印象深刻的是,作者对“品味”和“社会阶层”之间微妙关系的探讨。在那个年代,跳什么舞、听什么音乐,简直是身份的通行证。书中详尽描述了宫廷方丹舞(Contredanse)如何被改编,以适应地方的草根审美,这种自下而上的文化渗透与改良,是理解美国文化多样性根源的关键。我甚至感觉,这本书提供了一个绝佳的视角,让我们反思如今我们所理解的“美国娱乐”的真正起源地——它并非凭空出现,而是植根于这些充满张力的早期互动之中。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的音乐爱好者的角度来看,这本书虽然侧重历史和文化背景,但它对音乐本身“质感”的捕捉令人难忘。作者在描述早期乐器,比如大键琴或维奥尔琴,在美洲大陆上的稀缺性与珍贵性时,文字充满了画面感。它让我意识到,在那个时代,音乐的物质形态本身就承载了巨大的文化资本。书中对航海贸易与音乐进口的关联分析尤其有趣,揭示了音乐的传播是如何与全球化的早期脉络紧密相连的。更让我感受到冲击的是,通过对1789年前后独立战争余波中“公共庆典音乐”的考察,作者清晰地勾勒出一种全新的、带有共和色彩的音乐美学的诞生过程。这不再是英王的颂歌,而开始孕育出属于美利坚的、更具大众参与性的旋律。这本书成功地将冰冷的年代数字转化为了鲜活的、充满节奏感的历史体验。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构安排非常巧妙,它并非采用简单的编年体,而是围绕几个关键的“文化冲突点”来组织材料,这使得阅读体验更为动态。例如,它用一整章来剖析“礼仪手册”作为文化规范载体的作用,探讨了那些关于如何正确鞠躬、如何恰当邀请舞伴的规则,如何被用作维护新世界中既有社会秩序的工具。这种将行为规范与艺术实践相结合的分析路径,极大地丰富了我们对那个时代日常生活的理解。我发现,作者在描述那些早期戏剧演出中音乐的角色时,展现出一种近乎侦探般的细致,他们是如何规避审查,如何在歌剧中植入政治讽刺的。这种“读懂弦外之音”的能力,是这本书的精髓所在。它不仅告诉我们当时的人们“跳了什么”,更重要的是,它揭示了他们“为什么跳”以及“在跳的时候想了什么”。

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