Representing Renaissance Art, 1500-1600 pdf epub mobi txt 电子书下载 2026

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出版者:

作者:King, Catherine E.

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2008-5

价格:$ 38.42

装帧:

isbn号码:9780719075575

丛书系列:

图书标签:

文艺复兴艺术
16世纪艺术
艺术史
绘画
雕塑
建筑
意大利文艺复兴
艺术理论
艺术批评
文化史

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具体描述

Representing Renaissance art, c.1500-c.1600 is a study of change and continuity in the iconographies of art and the visual representation of artists during the sixteenth century, especially in Italy and the Netherlands. The issue of how, and how far, artists obtained higher status for their profession during the Renaissance is a key question for the study of the early modern period. This book considers the maintenance of well-established traditions for the visual representation of artists, and also examines the new iconographies that emerged in the sixteenth century. By highlighting art and architecture that artists designed for their personal use, including the decoration of their houses, this study provides insight into the tastes and 'ways of looking' specific to artists. By examining the visual evidence we see the opinions both of artists who expressed their views in literary texts, and additionally those of artists who did not publish their ideas in written form.

艺术的沉思与嬗变：中世纪晚期至巴洛克前夜的视觉文化研究图书名称：《艺术的沉思与嬗变：中世纪晚期至巴洛克前夜的视觉文化研究》内容简介本书深入探讨了自十四世纪晚期至十六世纪末，跨越近两百年时间，欧洲视觉文化领域所经历的深刻变革与持续张力。这一时期，欧洲艺术正处于从哥特式晚期的精神性与象征性叙事，向早期现代性（Early Modernity）的理性化、人文主义化以及最终巴洛克式的戏剧性过渡的关键阶段。本书并非聚焦于某一特定艺术风格的成熟或巅峰，而是着眼于艺术思想、社会功能、技术实践以及观众感知方式的复杂演变过程。第一部分：传统的瓦解与人文精神的涌现（约十四世纪末至十五世纪初）本部分首先审视了中世纪晚期艺术的残留特征，特别是其对宗教教义的绝对依附性、平面化的空间处理以及高度程式化的图像语言。我们将探讨“新艺术”（Ars Nova）在意大利北部和尼德兰地区萌芽的初期阶段，分析乔托（Giotto）追随者们如何在保持叙事神圣性的同时，首次尝试引入对自然光影和三维体量的微妙察觉。重点研究将放在“人文主义”（Humanism）思想如何开始渗透至艺术创作的核心。这种渗透并非立即体现在古典主题的复兴，而是更多地表现在对个体经验的关注、对人类情感的细致描摹，以及对现实世界可观察性元素的重视上。例如，我们分析了在雕塑领域，早期佛兰德斯大师们如何在保持宗教题材不变的前提下，赋予圣徒形象以世俗的肉身感和个性化的面部表情。第二部分：空间、比例与图像的科学化（约十五世纪中叶至末期）本书的第二部分集中于对“再现的革命”的剖析。在佛罗伦萨，透视法（Perspective）的理论化和实践化，被视为一种将神圣叙事置于可测量、可理性掌控的空间之中的关键技术手段。我们详细考察了布鲁内莱斯基（Brunelleschi）的几何学探索和阿尔伯蒂（Alberti）在《论绘画》中对“视锥体”（Visual Pyramid）的理论构建，并分析了这些理论如何被画家如马萨乔（Masaccio）和皮耶罗·德拉·弗朗切斯卡（Piero della Francesca）应用于壁画和祭坛画中，从而确立了一种新的、以观看者为中心的图像结构。然而，本书也强调了空间理性化并非普遍且一帆风顺的进程。在尼德兰，如扬·凡·艾克（Jan van Eyck）的工作中，我们看到了一种通过油画媒介的精细调和与光线反射来实现的“经验性逼真度”。这种逼真度依赖于对物质纹理的极致描绘，而非严格的线性透视法则。这种南北差异构成了对“文艺复兴”概念进行批判性反思的重要基石。我们探讨了当时艺术家们如何平衡柏拉图式的理想形体追求与对自然现象的观察记录。第三部分：理想主义的巅峰与早期“风格化”的转向（约十六世纪初叶）随着盛期文艺复兴（High Renaissance）在罗马的兴起，艺术达到了一个看似完美的平衡点——古典的和谐、人体的理想化与叙事的情感深度在此交汇。本书细致分析了达·芬奇（Leonardo da Vinci）对“晕染法”（Sfumato）的运用，这不仅是一种技术，更代表了一种对知识不确定性与事物模糊性的哲学认知。随后，我们转向米开朗基罗（Michelangelo）在西斯廷天顶画中所展现的“英雄式人体”（Heroic Nude）对世俗与神圣界限的挑战。此时，对完美比例的追求开始走向极端，为后来的“风格化”倾向埋下了伏笔。在这一时期，印刷术和版画技术的普及，使得图像的传播速度和范围空前增加。本书将探讨版画如何作为一种新的“媒介”，不仅复制了绘画的形象，还以其自身的符号系统影响了欧洲艺术家的创作观念，例如阿尔布雷希特·丢勒（Albrecht Dürer）在北方的尝试，他将意大利的理论与日耳曼的神秘主义传统相结合。第四部分： Mannerism（样式主义）的焦虑与图像的解构（约十六世纪中叶至末期）本部分聚焦于风格主义（Mannerism）——一个常常被误解为纯粹颓废或过渡期的阶段。我们论证，样式主义恰恰是艺术家们在面对盛期完美典范后的理性危机和宗教改革（Reformation）所带来的社会动荡时，所做出的自觉回应。样式主义不再追求和谐、平衡与清晰的空间。相反，艺术家们（如布龙齐诺、帕尔米贾尼诺）开始刻意拉伸形体、使用不和谐的色彩、制造令人不安的空间错位，以及采用高度复杂的、取悦于艺术圈内部的“优雅”（Grazia）或“机智”（Ingenuity）。这种对规则的故意扭曲，标志着艺术家主体性（Artistic Subjectivity）的觉醒：作品不再仅仅是服务于委托人或教义的载体，而成为艺术家个人技巧、智力游戏和情感状态的表达。此外，本书还将审视宗教改革对图像的态度所产生的巨大影响，特别是在北欧（如新教地区的“偶像破坏”运动），以及在反宗教改革（Counter-Reformation）背景下，图像在天主教会内部开始被重新定义为一种服务于激发虔诚、情感共鸣的工具，这为即将到来的巴洛克艺术的戏剧性张力奠定了基础。结论：从可见世界到可见之上的探索本书最后总结了十六世纪末期，艺术实践是如何从对“可见世界”的精确模仿（或理想化模仿），转向对“可见之上的力量”——无论是精神的狂喜、政治的威权，还是艺术家的内在构思——进行强有力的视觉表达的。这一转变，为十七世纪巴洛克艺术的宏大叙事和情感冲击，提供了必要的美学和哲学铺垫。全书旨在提供一个多维度、跨地域的视角，理解这一关键时期艺术的内在驱动力、技术创新及其与不断变化的社会、宗教和思想环境之间的复杂对话。