The Cambridge Companion to Monteverdi pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Whenham, John (EDT)/ Wistreich, Richard (EDT)

出品人:

页数:384

译者:

出版时间:2008-2

价格:$ 123.17

装帧:

isbn号码:9780521875257

丛书系列:

图书标签:

• Monteverdi
• Baroque Music
• Music History
• Opera
• Vocal Music
• Renaissance Music
• Musicology
• Italy
• 17th Century
• Cambridge Companions

音乐史中的一盏明灯：十七世纪的声响世界 本卷旨在深入剖析十六世纪末至十七世纪中叶欧洲音乐版图的剧烈变革，聚焦于这一时期艺术创作的内在逻辑、社会文化背景及其对后世产生的深远影响。我们不探究蒙泰威尔第（Monteverdi）的个人创作全貌，而是将视野投向那个群星闪耀、风格交替的宏大时代，旨在描绘出一幅包罗万象的“巴洛克音乐初啼”图景。 第一章：文艺复兴的黄昏与新音乐的萌芽（约1580-1610年） 本章首先回顾文艺复兴晚期音乐的巅峰状态，特别是威尼斯乐派和罗马乐派的成熟技艺，如复调的精妙织体、固定的和声结构以及对文本的精致处理。然而，盛极必衰的规律在艺术领域同样显现。随着宗教改革与反宗教改革的张力加剧，以及对古希腊戏剧复兴理念的重新审视，音乐家们开始质疑既有的复调范式是否能有效传达强烈的人类情感。 我们重点分析了“第二实践”（Seconda Pratica）思潮的酝酿过程。这不是一个孤立的事件，而是对文艺复兴“第一实践”（Prima Pratica）——即恪守和声与对位规则的传统——的一种自觉反叛。理论家们开始提倡“情感表达高于一切”的原则，这直接催生了对清晰、富有戏剧性的独唱旋律（Monody）的渴求。本章将细致考察这种对“激情”（Affetti）的追逐如何渗透到室内乐和宗教音乐的创作中。 第二章：歌剧的诞生——从宫廷庆典到公共剧场（约1600-1640年） 歌剧（Opera）无疑是十七世纪最引人注目的音乐发明。本章不聚焦于某一位或某一部开创性的作品，而是考察歌剧作为一种艺术形式的社会基础和早期发展脉络。佛罗伦萨的“卡梅拉塔”（Camerata）讨论小组的理论贡献被置于次要地位，重点在于这种新兴艺术形式如何在不同地域生根发芽。 在意大利北部，尤其是在公爵和贵族宫廷中，歌剧最初作为盛大的庆典、婚姻或政治庆贺活动的一部分出现，其初期形态更接近于宏大的“牧歌剧”（Pastorale）或神话剧。我们详细分析了早期歌剧的结构元素：宣叙调（Recitative）如何被用来推动情节，咏叹调（Aria）的早期形式如何承担情感抒发的任务，以及合唱与器乐间的功能性关系。 随后，我们转向威尼斯，探讨歌剧向公共剧场（Teatro Pubblico）转型的关键性一步。公共剧场的建立，意味着观众不再仅仅是贵族精英，经济模式和美学追求也随之改变。作品需要更强的吸引力、更复杂的舞台设计和更具娱乐性的情节。这种转变如何影响了对声乐技巧的要求，以及如何催生了对“明星歌手”的依赖，是本章的核心议题。 第三章：器乐的独立与发展——奏鸣曲与协奏曲的雏形 十七世纪不仅仅是声乐的革命时期，器乐也开始挣脱为声乐伴奏的依附地位，形成了自己独立的表现体系。本章剖析了这一过程中几个关键器乐类型的早期成熟。 奏鸣曲（Sonata）的兴起： 我们区分了“室内奏鸣曲”（Sonata da Camera）和“教堂奏鸣曲”（Sonata da Chiesa）的早期形态。奏鸣曲的结构不再是简单的舞曲组曲的堆砌，而是开始探索快慢交替的乐章布局。对对位法和对位织体的重新运用，使得室内乐的对话性增强，而不仅仅是旋律线的简单叠加。 大提琴与低音提琴家族的地位确立： 持续低音（Basso Continuo）的普及是理解十七世纪器乐的关键。本章考察了诸如维奥尔琴（Viola da Gamba）到低音提琴（Violone）的演变，以及大提琴作为独奏和合奏重要声部的确立过程。低音部的复杂性，使得即兴演奏成为可能，也为后来的和声发展奠定了基础。 协奏曲的先声： 虽然成熟的协奏曲形式出现在更晚的时期，但本章探讨了早期“多声部合奏曲”（Sinfonia）和“合奏协奏曲”（Concerto Grosso）的实验性阶段。乐团中不同声部之间的“对话”和“竞争”，预示着十七世纪末对位与织体变化的未来走向。 第四章：宗教音乐的世俗化与情感张力 在宗教改革的余波中，音乐在教堂和礼拜仪式中的作用受到了严峻的挑战。本章考察了不同地域的宗教音乐如何应对新时代的审美要求。 在天主教世界，反宗教改革要求宗教音乐能够清晰地传达教义，这在某种程度上支持了清晰的独唱和宣叙调的运用，但同时也警惕过分的“世俗化”。本章分析了清唱剧（Oratorio）的出现——它继承了歌剧的戏剧手法，但将其应用于宗教题材，成为一种具有强大教育和情感感染力的艺术形式。 在更强调个人信仰体验的新教地区，音乐的焦点转向了赞美诗（Chorale）的普及与精炼。赞美诗的旋律性、易于传唱的特点，被视为连接信徒与神灵的直接桥梁。大量对传统赞美诗的管风琴改编和变奏作品，展现了器乐家们在宗教约束下所能达到的艺术高度。 第五章：印刷技术、知识传播与音乐社群 本卷最后考察了十七世纪音乐发展背后的基础设施：音乐印刷术和知识的传播网络。印刷术的进步使得乐谱得以更广泛、更快速地流通，这直接影响了音乐风格的地域性融合和扩散。 我们探讨了出版商的角色，他们如何选择哪些作品进行出版，以及这种选择如何塑造了当时的“音乐主流”。同时，本章也关注了宫廷、学院、以及新兴的城市音乐社群如何成为音乐家和赞助人之间的中介。音乐家流动性的增强，使得不同地区的风格元素得以快速交流、碰撞，从而加速了音乐语言的演变。 总而言之，十七世纪是一个充满活力、大胆实验的时代。它在对古希腊理想的重新诠释中，构建了一种全新的、以情感和戏剧性为核心的音乐语言，为巴洛克盛期的辉煌奠定了不可动摇的基础。本卷致力于呈现这个转型期的全景，而非对某一特定个体的聚焦。

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