具体描述
Shakespeare's effect on America's intellectual and artistic life has been much discussed, but what role does he play on the American popular stage? This study changes our understanding of Shakespeare's presence in American life. The book looks at how Shakespeare came to America just before the Revolutionary War. As Americans broke with Britain, they embraced Britain's playwright. Teague re-examines P. T. Barnum's attempt to buy Shakespeare's Birthplace, the Astor Place Riot when twenty-three people died, and the way both Abraham Lincoln and John Wilkes Booth regarded Shakespeare. In the history of Broadway, more musicals have drawn on Shakespeare than any other author. Shakespeare musicals like Kiss Me, Kate and West Side Story can tell us much about America's culture, but sometimes failed musicals such as Swingin' the Dream can tell us more. With discussion of over twenty Shakespeare musicals, this study demonstrates that Shakespeare has always been present in popular shows.
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读后感
用户评价
从阅读的整体感受来看，这本书像是一次深入美国文化腹地的考古发掘，只不过发掘的不是陶器或骨骼，而是那些被遗忘的剧本碎片和演出记录。它不仅仅关注“演了什么”，更关注“怎么演”以及“为什么这么演”。那些关于巡回演出团如何应对不同地区观众口味差异的章节尤其引人入胜，它揭示了标准化与地方化之间永恒的张力。作者对那些默默无闻的美国演员的提及也充满了人文关怀，他们才是真正将莎士比亚从伦敦的宫廷剧院搬运到美国边陲小镇的功臣，却常常被历史遗忘。这本书提供了一个极具操作性的视角，即任何一个宏大的经典文本，只有通过在具体时空下的反复“使用”和“误用”，才能真正成为一个时代所共享的文化资产。它以一种极其鲜活、充满剧场气息的方式，重构了我们对经典接受史的认知。
这部著作最让我感到震撼的是其方法论上的大胆突破。它毫不客气地将戏剧史、大众文化研究、媒介理论，甚至是对美国早期广告和宣传语的研究融为一炉，形成了一种独特的“文化拼贴”式的分析手法。书中对“口头传统”在美国舞台上如何延续和演变给出了极具说服力的论证，特别是那些被口头相传的、脱离了剧本文本的莎剧片段如何在民间广为流传。这种对“非书面”传播的重视，恰恰弥补了传统研究中对演出实践和观众体验的缺失。阅读过程中，我常常会停下来思考，那些在报纸上刊登的关于莎剧演出的短评，是如何在无意中塑造了美国观众对“什么是好戏剧”的集体认知。作者的高明之处在于，他没有试图去重建“原汁原味”的莎翁舞台，而是着力去理解被美国土壤驯化后的“变种”的意义和力量，这种对“偏离”的聚焦，比对“遵从”的探讨更有启发性。
这部作品的视角相当独特，它没有直接去探究莎士比亚剧作本身那些被反复咀嚼的母题，比如“生存还是毁灭”或是“权力与背叛”的永恒主题。相反，它将焦点锐利地转向了莎翁戏剧在跨越重洋、扎根于美洲土壤后所经历的“本土化”与“再创造”的过程。作者似乎醉心于研究那些在19世纪到20世纪初，美国那些烟雾缭绕的音乐厅、简陋的巡回剧院以及日益崛起的商业化舞台上，那些被不断改编、戏仿甚至彻底颠覆的莎士比亚角色。我尤其欣赏其中对“平民化”这一现象的探讨。那些高高在上的丹麦王子或维罗纳恋人，是如何被塑造成符合当时美国大众笑点和道德观的形象的？那些被简化、被移植到美国西部背景下的情节，真的还能称之为莎士比亚吗？书中对这些改编版本中，那些不那么“高雅”的舞台处理、对白语气的变化，以及观众的即时反应的细致描摹，让人仿佛能亲耳听到那喧闹的剧场声响。它不是一本文学分析，更像是一部文化人类学的田野考察报告，揭示了经典如何在通俗文化的熔炉中被重新锻造，最终融入美国集体无意识的肌理之中，这种跨界分析的力度和广度着实令人称道。
我必须承认，初读时我对这种将“高雅艺术”与“通俗娱乐”并置的写法持保留态度，总觉得有哗众取宠之嫌。然而，随着阅读的深入，我逐渐被作者那种近乎偏执的细节考据所折服。它不是在简单地赞美或贬低那些改编，而是在细致地描绘“功能”的转变。为什么某些莎剧片段在美国流行起来了，而另一些却被束之高阁？答案往往出在当时的社会经济结构和观众的审美需求上。书中对特定时期，比如镀金时代，社会阶层流动性对戏剧选择的影响分析得入木三分。它不再将莎士比亚视为一个固定的、不可侵犯的文本，而是将其视为一个“适应性极强”的文化代码，一个可以被任何需要戏剧性冲突的美国人自由借用的工具箱。这种将文化产品视为“可变资源”的视角，极大地拓宽了我对“美国文化身份构建”的理解框架，让原本以为自己很了解的议题，焕发出了令人耳目一新的光彩。
这本书的叙事节奏把握得极其精妙，它没有采用那种平铺直叙的学术论述腔调，而是像一位经验丰富的剧评人，带着一种近乎迷恋的口吻，引领我们走进那些被主流文学史略过的角落。从早期的“黑脸模仿秀”（Minstrel Shows）中对莎剧片段的滑稽挪用，到维多利亚时代晚期为迎合中产阶级口味而进行的“净化版”演出，作者展现了一种令人惊叹的档案挖掘能力。我印象最深的是关于舞台布景和服装的描述部分。想象一下，在简陋的灯光下，一个穿着粗布工装的美国演员如何努力地去诠释李尔王的宏大悲剧，那种“失位感”正是这部作品探讨的核心。它成功地将“经典”从象牙塔中拽出，扔到了那个充满汗水、啤酒味和热烈鼓掌声的美国剧场地板上。作者对媒介变迁对文本影响的讨论也颇具洞察力，电影和留声机技术出现后，莎剧如何被进一步肢解和碎片化，以适应更短的注意力跨度，这种历史的纵深感，让阅读体验极其丰富和满足。
