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作者:Rolling Stones

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页数:0

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价格:148.00元

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isbn号码:9780793588480

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摇滚巨擘的低音脉动：经典贝斯乐谱精选集 本书籍并非《滚石乐队贝斯曲集》（Rolling Stones Bass Collection）。 这是一部深入剖析摇滚乐发展史中，贝斯吉他如何从背景低音蜕变为推动旋律与节奏核心的史诗级乐谱合集与理论深度解析。本书聚焦于那些定义了特定时代和流派的贝斯演奏家及其标志性乐句，旨在为中高级贝斯演奏者提供一套系统化、可实践的学习路径。 第一章：蓝调根基与摇滚乐的诞生 (The Blues Foundation and the Birth of Rock) 本章追溯了电贝斯（Electric Bass）进入音乐领域的早期历史，重点研究了从原声低音（Upright Bass）到四弦电贝斯的过渡时期。我们详细分析了孟菲斯（Memphis）和芝加哥（Chicago）蓝调场景中，贝斯手如何确立了“根音+五度”的律动基础。 核心分析案例： 1. Willie Dixon 的律动哲学： 剖析他在 Muddy Waters 和 Howlin' Wolf 录音中简洁而不可动摇的律动构建。书中特别标注了他如何在简单的八分音符行走（Walking Bass Lines）中融入微妙的切分音（Syncopation），以增强歌曲的驱动力。 2. 早期摇滚与摇摆乐的融合： 探讨了 Scotty Moore (猫王早期的合作者) 和 Bill Black 在早期摇滚乐中如何将乡村音乐的旋律感与蓝调的驱动力相结合。书中提供了大量基于十二小节蓝调（12-Bar Blues）的即兴框架，展示了如何在标准和弦进行上创造动态的低音线条。 3. Motown 贝斯之魂——James Jamerson 的语汇： 虽然 Jamerson 主要活跃于灵魂乐领域，但他的创新性直接影响了后来的硬摇滚和放克（Funk）贝斯手。本章用图表清晰展示了他标志性的“填充音”（Fills）和如何在保持律动稳定性的同时，引入极富旋律性的上行和下行乐句。我们深入研究了《Standing in the Shadows of Love》中那种在和弦转换时既给出答案又留下悬念的技巧。 第二章：硬摇滚的重量与节奏的精确性 (The Weight of Hard Rock and Rhythmic Precision) 进入七十年代，摇滚乐的音量和技术复杂性急剧增加。贝斯手不再仅仅是节奏组的一部分，他们开始与吉他手形成对话，甚至成为旋律的主导力量。 核心分析案例： 1. Led Zeppelin 的 John Paul Jones： 分析 Jones 如何在保持蓝调根源的同时，融入古典音乐的和声色彩和民间音乐的复杂节奏。 《Dazed and Confused》的氛围构建： 研究他如何使用失真（Distortion）和延迟（Delay）效果来创造空间感，并详细分解了其标志性的低音Riff中使用的模态（Modal）进行。 《Ramble On》中的复杂律动： 图解了这首歌中从标准四四拍到不规则重音的过渡，强调了其对时间感的精妙把控。 2. Progressive Rock 的技术挑战： 本章深入研究了 Rush 的 Geddy Lee 等人的工作。我们不仅仅展示了他们演奏的音符，更着重于分析他们如何使用高把位（Higher Register）进行独奏，以及对复节奏（Polyrhythms）的处理。书中包含了一系列练习，旨在提高双手同步能力，以应对极速的指弹（Fingerstyle）和拨片（Pick）技巧的交替使用。 3. 朋克（Punk）的直接性与能量： 探讨了朋克运动中贝斯的回归——强调速度、重复和侵略性。分析了 Ramones 和 The Clash 的贝斯手如何在最简化的乐句中，通过演奏的力度（Attack）来传递全部的情感能量。 第三章：放克（Funk）的律动解剖与切分音的艺术 (Funk Groove Anatomy and the Art of Syncopation) 放克音乐将节奏推向了极致，贝斯成为了歌曲的驱动引擎。本章完全致力于解析James Brown乐队的贝斯手（如Bootsy Collins的前身）以及后来的Funk大师们如何运用“空隙”（Space）和“后凹陷”（Playing Behind the Beat）来创造不可抗拒的律动。 核心分析案例： 1. Slap & Pop 技术的起源与规范： 提供了从 Larry Graham 开始的击弦（Slapping）和勾弦（Popping）技术的详细分步教学。本书特别强调了击弦时拇指与食指/中指的协调性，避免了技术流于表面而缺乏律动感的问题。 2. Parliament-Funkadelic 的空间运用： 分析了 Bootsy Collins 如何通过使用 Wah 踏板和大量的失真，将贝斯线变成一种“人声化的”乐器。我们展示了如何构建那些听起来极度复杂，但实际上是基于简单重复模式的线索。 3. 七十年代后期至八十年代初的律动演变： 探讨了 Chic 乐队的 Bernard Edwards 如何通过极简主义的重复 Riff，结合精准的切分音，创造出那种让人无法静止的迪斯科/放克混合律动。书中提供了大量关于如何将八分音符的重音从强拍“拉”向弱拍的练习。 第四章：重金属与前卫（Metal and Avant-Garde）的低音探险 本章关注的是技术复杂性和音色实验性达到顶峰的领域。贝斯手们必须在极端的速弹（Shredding）和对厚重音色的追求之间找到平衡。 核心分析案例： 1. Metallica 的 Cliff Burton 与旋律性的融合： 分析 Burton 如何将传统古典和声与激进的金属乐结合。特别关注了他如何运用哇音效果器进行独奏，以及他标志性的“扫弦式”琶音（Arpeggiation）在重型 Riff 中的运用。 2. Thrash 与 Speed Metal 的双手技巧： 提供了针对快速交替拨弦和独立性训练的专门练习集，旨在帮助演奏者应对长篇、高密度的低音跑动。 3. 当代前卫金属的低音探索： 涵盖了使用五弦、六弦甚至七弦贝斯来拓宽音域的演奏家。我们分析了这些乐器如何被用来在演奏传统 Riff 的同时，填补吉他之间的和声空隙，从而创造出更丰富、更饱满的音墙（Wall of Sound）。 结语：构建你自己的低音语言 本书的最终目标是提供工具而非限制。通过对这些大师级乐句的解构和重组，读者将被鼓励将所学的理论和技巧，内化为自己独特的“贝斯语言”。最后一章提供了一套“混音”练习，要求演奏者提取不同流派的关键元素（如蓝调的根音、放克的切分、硬摇滚的力度），将它们融入到对未知和弦进行的即兴演奏中，从而真正掌握摇滚乐低音艺术的精髓。 本书特点： 全书乐谱均采用标准五线谱与六线谱对照标注。 提供详细的手指位置图解和拨弦/指弹技巧说明。 收录大量节奏练习表，着重于时间感的内在化训练。 不涉及任何关于“滚石乐队”或其特定曲目的乐谱或分析。

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这本书在知识密度和信息广度上，展现了极高的专业水准，但同时又巧妙地避免了陷入枯燥的技术性描述。它成功地构建了一个多维度的“滚石”世界，不仅仅关注舞台上的光芒万丈，更深入地探讨了他们对音乐工业、时尚潮流乃至社会思潮产生的影响。例如，书中专门有一部分详细分析了“滚石”如何利用媒体、如何处理商业合作，以及他们与同时代其他乐队之间的微妙关系，这些内容极大地拓宽了我的视野，让我意识到“滚石”的伟大远不止于他们的热门歌曲。此外，书中的索引和参考资料部分做得非常详尽，如果你想进一步研究乐队的某个特定时期或者某位成员的侧面贡献，这本书无疑提供了一个极佳的起点和可靠的参照系。它不满足于做一本简单的传记或纪念册，而是试图去解读一个文化符号的诞生和演变，这种深度思考的痕迹，让这本书的价值得以长久保持。

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作为一个长期关注流行文化的人，我必须称赞这本书在视觉叙事上的大胆尝试。它不仅仅是图片的堆砌，而是通过照片、手稿、剪报乃至当时的广告页面，共同编织了一张巨大的文化网。特别是那些罕见的早期巡演海报，那种粗粝的印刷质感和大胆的色彩搭配，本身就是对那个时代审美的一种致敬。在内容组织上，书中对于“滚石”在不同国家和地区巡演时所引发的文化反响，有着非常细致的对比描述，这体现了编辑团队对全球背景的充分考量。每一次翻阅，都能发现一些之前忽略的微妙之处，比如某一页照片角落里某位路人模样的穿着，或是某张演出票根上的小细节，都仿佛在低语着那个逝去的黄金年代的故事。总而言之，这本书成功地将严肃的文化研究、引人入胜的传记叙事以及顶级的印刷工艺完美地融合在了一起，绝对是摇滚乐迷书架上不可或缺的镇店之宝，其收藏价值和阅读价值都达到了令人称赞的高度。

评分☆☆☆☆☆

我得说，我对这本书的排版和信息呈现方式感到非常惊喜。它显然不是那种堆砌式的内容，而是经过了精心策划和编排。章节之间的过渡非常流畅自然，仿佛在讲述一个连贯的故事线，从乐队初期的布鲁斯根源，到迷幻时期的实验，再到后期成熟期的经典作品，脉络清晰可见。尤其值得称赞的是，它在介绍每一首标志性歌曲时，不仅仅是罗列歌名，而是会配上当时录制的一些幕后花絮或者相关的历史背景小故事。这种叙事手法极大地丰富了阅读体验，让我对这些经典作品的诞生有了更深层次的理解。比如，关于某首热门单曲录制过程中，成员之间产生的小摩擦或者某个即兴片段如何被保留下来的讲述，都极其生动有趣，让人如同置身于那个录音室中，感受那种创造的激情与碰撞。这种细节的捕捉，使得本书的文化价值远超一般的音乐书籍，它提供了一种深入摇滚文化肌理的途径，非常适合那些渴望了解“滚石”精神内核的读者。

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这本书的封面设计着实抓人眼球，那种经典的黑白摄影，将“滚石乐队”那种桀骜不驯的气质展现得淋漓尽致。我拿到手的时候，首先被它厚实的装帧吸引了，拿在手里沉甸甸的，一看就知道是下了功夫的精装本。内页的纸张质量也相当不错，光泽度适中，油墨印制清晰锐利，即便是早期那些略显粗糙的录音棚照片，在这样的纸张上呈现出来也别有一番历史的韵味。我特别喜欢其中穿插的一些历史资料，比如早期巡演的传单复刻件，还有一些乐队成员手写的涂鸦草稿，这些细节处理得非常到位，让人感觉不是在看一本简单的乐谱集，而是在翻阅一部浓缩的摇滚史诗。当然，作为一本收藏品，它的装帧和设计无疑是顶级的，光是摆在书架上，就足以彰显主人对经典摇滚乐的品味和热爱。我花了大量时间去欣赏那些照片和设计元素，它们成功地营造出一种怀旧又充满力量的氛围，仿佛能从纸张的纹理中听到米克·贾格尔那充满沙哑的嘶吼声，以及基思·理查兹那标志性的吉他Riff声。这种视觉上的享受，对于任何一个资深乐迷来说都是无价之宝。

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从纯粹的阅读体验来看，这本书的文字部分处理得相当有水准。作者的笔触老辣而又不失温度，既有摇滚评论人特有的犀利和洞察力，又不乏对音乐人发自内心的敬意。叙事节奏把握得非常好，时而紧凑激烈，紧跟乐队风风火火的巡演步伐；时而又放缓下来，细致描摹那些充满灵感的创作瞬间。我特别欣赏作者对于音乐理论的阐述，他们总能用最通俗易懂的语言，解析那些复杂的和弦进行和结构变化，这对于像我这样虽然热爱摇滚但乐理知识相对薄弱的听众来说，简直是福音。阅读过程中，我经常会停下来，打开一个音乐播放器，对照着书中的描述去聆听，那种“恍然大悟”的感觉非常美妙。书中的引用和采访片段也挑选得非常精准，完美地烘托了当时的情境和人物个性，使得整本书读起来充满了画面感和戏剧张力，让人爱不释手，一口气就能读上半天。

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