Famous Jazz Bass Chord Progressions Qwikguide pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Matheos, Chris

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:2000-1

价格:$ 11.29

装帧:

isbn号码:9780786650767

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 贝斯
• 和弦进行
• 音乐理论
• 吉他
• 音乐学习
• 和弦
• 乐谱
• Qwikguide
• 流行音乐

好的，以下是一份针对您所提供的书名《Famous Jazz Bass Chord Progressions Qwikguide》以外的图书的详细简介： --- 《现代室内乐作曲技法深度解析》 一本引领您进入二十世纪及当代室内乐声音世界的实践指南 内容概述 《现代室内乐作曲技法深度解析》并非一本关于传统和声或浪漫主义时期配器的入门手册。它是一部深入剖析二十世纪以来，特别是二战后至当今，室内乐创作领域核心技术、概念和美学取向的专业论著。本书旨在为作曲专业学生、成熟作曲家以及对实验性室内乐抱有浓厚兴趣的演奏家提供一个全面、细致的“工具箱”和“思想框架”。 本书的核心目标是解构那些在传统教学中常被忽视，但在当代音乐实践中至关重要的作曲元素。我们摒弃了对标准曲式（如奏鸣曲式）的僵化解读，转而聚焦于声音的质感、时间性（Temporality）的构建，以及乐器间互动的新范式。 全书分为五大部分，层层递进，从理论基础到具体的技法实践，再到作品分析与创作伦理。 第一部分：二十世纪室内乐的“声音哲学” 本部分首先确立了当代室内乐创作的哲学基础。我们探讨了“声响”（Sound/Klang）如何取代传统的“旋律”和“和声”成为组织材料的中心。 1. 拒绝中性：乐器音色的“异化”与“重塑” 我们深入研究了如何通过非常规演奏法（Extended Techniques）来拓宽现有乐器的音域和表现力。这包括对弓弦乐器泛音的精确控制、对木管乐器气流声（Air Sounds）的结构化运用，以及对打击乐器“非固定音高”材料的系统分类。书中详细阐述了如何将这些技术符号化，并融入到五线谱记谱法中，确保演奏者能够准确理解作曲家的意图。 2. 节奏的解构与重构：从度量节奏到非线性时间 摒弃匀速的拍号体系，本章着重分析了复杂的复节奏（Polyrhythm）、非周期性节奏（Aperiodic Rhythms）和时间“块状”的组织方式。我们借鉴了梅西安（Messiaen）的复调节奏理论，并结合了贝尔格（Berg）和布列兹（Boulez）在节奏划分上的精确性探索，探讨如何通过节奏密度和动态对比来构建听觉上的时间流动。 第二部分：非调性与后序列主义的记谱实践 本部分专注于如何将抽象的音乐理念转化为可执行的记谱语言。 3. 序列技术在室内乐中的灵活应用 虽然十二音技法在某些领域已显式微，但其核心思想——材料的全面控制——依然重要。本书侧重于“不完全”或“半序列”结构的构建，例如，如何在一个四重奏中，仅对音高集进行序列化处理，而将节奏和力度完全自由化，从而在控制与随机之间寻求平衡。 4. 空间化布局与乐器配置 室内乐的魅力在于其空间感。我们分析了如何在乐谱上指示乐器间的物理距离（例如，要求小提琴远离大提琴），以及如何利用这种空间关系来影响声波的混合与分离。书中包含了对“声场导向”（Field Orientation）记谱法的详细说明，这对需要在特定声学环境中创作的作曲家尤为重要。 第三部分：微观结构与宏观形式的张力 当代室内乐作品往往在极小的时间单位内包含极大的信息量，如何组织这些“碎片”是关键。 5. 莫扎伊克（Mosaic）与模块化作曲 本书详细介绍了将音乐材料分解为可重复、可变换的“模块”的方法。这些模块可以是几个音符、一个节奏型，或是一个特定的音色组合。我们展示了如何通过旋转（Rotation）、镜像（Mirroring）和递增/递减（Gradation）等操作，在不使用传统发展手法的情况下，构建出听感上连贯的宏大结构。 6. 动态的“时间梯度”构建 与强调突然变化的传统方法不同，本章探讨如何通过极其缓慢的动态变化（例如，从 ppp 到 p 跨越三分钟），或通过音高密度或复调声部的缓慢叠加来构建张力。我们分析了如克舍克（Krenek）后期作品中对“渐变时间”的精妙处理。 第四部分：特定乐器组合的深度探讨 本部分聚焦于几个在当代室内乐中占据核心地位的乐器组合，并提供了针对性的技术指导。 7. 木管五重奏的非线性对话 分析了长笛、双簧管、单簧管、巴松和圆号之间的音色互补与冲突。重点关注如何利用长音的颤音与非固定音高噪音（如呼吸声）来创造出一种“持续的背景噪音场”，而非传统的旋律线交织。 8. 弦乐三重奏的极简张力 针对小提琴、中提琴和大提琴的组合，本书侧重于如何仅使用极少的音高材料（例如，只使用四至五个音）来构建一个时长超过十分钟的作品。探讨了“音集”（Pitch Cluster）在弦乐中的融合性与分离性，以及如何利用演奏者之间的微小“计时误差”来产生节奏上的“生命感”。 第五部分：实践与诠释的边界 9. 记谱法与演奏者的“协商” 当代音乐的实施往往需要作曲家与演奏家之间的紧密合作。本章讨论了如何撰写清晰的演奏说明，以及如何处理那些具有模糊性（Indeterminacy）的记谱符号，确保在保持作品艺术意图的同时，尊重演奏者的专业判断力。 10. 录音与电子媒介的融合 对于在室内乐中融入预先录制的材料或实时电子处理的趋势，本书提供了基础指导。我们审视了如何将电子模块视为一个“虚拟乐器”，并将其与现场乐器的空间化记谱进行无缝集成，探讨“实时性”与“预设性”之间的美学张力。 --- 本书适合对象： 音乐学院作曲系高年级学生、研究生、青年专业作曲家、寻求拓宽演奏技术边界的室内乐演奏家，以及音乐理论研究人员。 核心价值： 本书不提供“流行金曲”或“速成技巧”，它提供的是理解、分析和创造二十世纪以来最前沿室内乐语言的深度理论框架和实践工具。掌握这些技法，意味着掌握了进入当代音乐殿堂的钥匙。 ---

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这本书的封面设计乍一看有些朴实无华，但当我翻开第一页，立刻被它排版上的清晰和直观所吸引。作者似乎深谙学习者在面对复杂乐理时的困扰，并没有一上来就抛出晦涩难懂的理论公式。相反，它像一位经验丰富的老乐手在旁边手把手地教你，直接切入主题——那些真正能在舞台上拿来用的经典进行。我尤其欣赏它对“和弦功能性”的阐述，不是空泛地告诉你这是属和弦或下属和弦，而是通过大量的真实案例，让你直观感受到它在推进乐曲情绪变化中的具体作用。例如，在讲解“Rhythm Changes”的 ii-V-I 串联时，书中没有用大量的文字去堆砌历史背景，而是用密集的图例配合极简的说明，让你在五分钟内就能掌握其核心结构，并能马上尝试用不同的节奏型去演奏它。这对于渴望快速提升演奏技能，将理论立即转化为实践的乐手来说，无疑是巨大的福音。它真正做到了“Qwikguide”（快速指南）这个名字所承诺的效率和实用性。

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这本书的排版设计绝对是教科书级别的典范，值得所有音乐教材出版商学习。尤其是在处理复杂的低音行走线条（Walking Bass Lines）时，作者巧妙地运用了字体大小和粗细的对比，将主旋律音符、根音、五音以及导音清晰地区分开来。我过去在学习复杂的和弦内音转换时，经常会因为谱子上的符号过于密集而感到视觉疲劳，但这本书通过留白和精确的对齐，极大地缓解了这种阅读压力。更让我惊喜的是，它在介绍一些经典的Bebop时代的和弦替代方案时，不是简单地给出替代和弦，而是配上了非常简短的音频提示（尽管是文字描述的，但意图很明确），让你能立刻理解为什么这种替代会带来那种特定的“紧张感”或“释放感”。这显示了作者对演奏体验的深度理解，他不仅仅是教你“弹什么”，更是在教你“为什么弹”。

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从一个多年来一直在业余乐队中摸爬滚打的乐手角度来看，这本书最大的价值在于它的“实战导向”。许多和声书籍会花费大量的篇幅去讨论历史演变或者乐理的抽象概念，但这本指南几乎将所有篇幅都投入到了如何将理论转化为实际演奏的指法和音符选择上。它没有回避“困难”，而是直接展示了专业乐手是如何巧妙地绕过或利用这些“困难”的。例如，在处理**Tritone Substitution**时，它提供的不是一堆复杂的音阶理论，而是直接给出了几个最优化的指型和指板位置，让你能在演奏中丝毫不打断流畅性地完成转调。这种极度注重效率的学习方法，非常适合那些工作繁忙，希望在有限的练习时间内看到最大进步的成年学习者。它更像是一本工具书，一本你可以随时放在谱架上，需要时立刻找到答案的“密籍”。

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我拿到这本书的时候，正处于一个瓶颈期，感觉自己的即兴演奏总是绕不出那几条熟悉的“安全路线”。我试过很多号称能“解放”乐手的教材，但大多内容冗余，或者过于学院派，让人读完后感觉更迷茫。然而，这本书的独特之处在于它的“聚焦性”。它没有试图涵盖所有爵士乐的和声体系，而是极其精准地挑选了那些在无数标准曲中反复出现的、具有标志性的和弦进行模板。它就像是一个爵士乐的“模因库”，每一个模板都是一个可复用的、经过时间检验的结构。阅读过程中，我发现自己不再需要费力去“分析”眼前的谱子，而是开始本能地“识别”它们——“哦，这是那个在《All The Things You Are》里用过的变体！”这种认知上的飞跃，极大地提升了我听音和视谱的速度。它的章节划分逻辑极其严密，从基础的三级进行到复杂的九和弦和替代和弦的应用，每一步都建立在前一步扎实的基础上，循序渐进，让人感觉每翻过一页，自己的音乐视野就开阔了一度。

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这本书给我的感觉非常“务实”，它没有过度包装，没有花哨的插图或名人推荐，一切都回归到了音乐的核心——结构和功能。我发现自己过去在学习一些和弦进行时，总是倾向于用过于复杂的和弦音符去填补空白，结果听起来反而很拥挤。这本书通过对“骨架和弦”的强调，引导我回归到清晰、有力的根音和五音的构建上，然后再逐步添加色彩音。这种“先搭建框架，再做装修”的思路，极大地简化了我的练习流程。特别是关于如何处理低音区和高音区之间的动态平衡，书中的建议非常具有启发性，它提醒我们，爵士贝斯手在和声进行中的角色不仅仅是节奏驱动者，更是和声的锚点。总而言之，这是一本能真正帮助演奏者从“知道”和弦到“掌握”和弦的过渡性杰作。

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