具体描述
A major edition of 67 songs, all in the original keys, which covers a variety of voice types. Cyrillic and transliteration are included with each song, as are line by line English translations for study. Mussorgsky's rich imagination as a composer of song is not well-known. The style is unique, the music directly emotional. There are four complete song cycles in this edition. The first, "Youthful Years," is an unconventional song grouping, not written for the same voice type, a "song cycle" that's more a convenience of collecting early work. It would better be viewed as 17 individual songs. The other three cycles are "The Nursery" (for mezzo-soprano), "Sunless" (for mezzo-soprano or baritone), and "Songs and Dances of Death" (mezzo-soprano or soprano). There are also 32 individual songs not in cycles. Mussorgsky wrote substantial revisions of 11 songs; both the original version and the second version are included for these.
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读后感
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用户评价
我必须承认，我对这本书的初衷是带着强烈的学术期待的，尤其是在它被一些评论家誉为“重新定义了我们对流行音乐生产链的理解”之后。然而，这本书的叙事风格是如此的疏离和精英化，以至于我感觉自己像是一个局外人，站在一扇上了锁的门外，只能从门缝里偷窥里面的世界。作者似乎对普通听众的审美趣味抱有一种近乎傲慢的俯视感。书中充斥着大量晦涩难懂的术语，很多时候，即使查阅了专业词典，也难以准确把握其在特定语境下的含义。我能感觉到作者深厚的学识背景，他似乎对音乐史的每一个角落都了如指掌，但他似乎忘记了，阅读需要沟通的桥梁。他用极其复杂的句式和超长的从句来阐述一些本可以用更简洁方式表达的观点，这使得阅读体验变得极其疲惫。更让我困惑的是，书中对具体歌曲的引用是极其零散且缺乏上下文的，它们更像是用来印证作者抽象理论的“注脚”，而不是被深入分析的对象。对于希望通过这本书来提升个人音乐鉴赏能力的普通乐迷来说，这本书的门槛高得令人却步，它更像是一份给同行展示学力的“行走报告”，而非一本真正意义上的“指南”。
评分我必须承认，这本书的某些篇章，特别是关于不同文化背景下“合唱传统”的比较研究部分，展现了惊人的广度和深度。作者似乎拥有跨越数个大洲的田野调查经验，他对非洲部落的吟唱仪式、东欧宗教复调的演变路径，以及北美原住民的歌谣结构，都有着令人印象深刻的细致描绘。这些章节充满了生动的细节和扎实的田野记录，读起来让人仿佛身临其境，领略到人类声音表达的无限可能性。这部分内容绝对是全书的亮点，展现了作者作为人类学家一面的强大功力。然而，问题在于，这些精彩的、民族志式的叙事，与书中其他部分那种冷峻的、后结构主义的理论推导，显得格格不入。它们像是两个完全不同的作者写出来的两本书，被强行缝合在了一起。这种突兀的风格切换，严重破坏了阅读的沉浸感。你会感觉刚被一段充满异域风情的音乐故事深深打动，下一秒，就被扔回到了充满术语和批判性理论的象牙塔中。这本书的价值是碎片化的，需要读者自己去努力打捞那些真正闪光的珍珠，然后自己动手将它们重新串联起来，才能构建出一个相对完整的理解体系。
评分这本书的装帧设计简直是灾难，拿到手的时候我就忍不住皱起了眉头。纸张的质感粗糙得像牛皮纸，印刷的油墨似乎总是在边缘洇开，特别是那些引用的乐谱片段，黑白对比度极低，看得我眼睛生疼。我本以为这可能是一种刻意的“复古”或“反商业化”的艺术选择，但读进去之后，我发现内容上的混乱程度和外在形式一样让人抓狂。它的结构是松散的，章节之间缺乏清晰的过渡，感觉像是作者随手把几十年的读书笔记堆在了一起，然后随机挑选了几个标题强行串联起来。前一页还在慷慨激昂地赞美二十世纪初的先锋派音乐实验，下一页就跳到了对某种不知名民间小调的简单描述，两者之间没有任何逻辑上的桥梁。阅读过程就像在走一个迷宫，你永远不知道下一个转角会通向哪个完全不相干的房间。我试图从中梳理出一条清晰的脉络，但最终放弃了。也许这本书的价值就在于它的“不完整性”和“不连贯性”本身，试图挑战我们对“系统性论述”的期待？但作为一本名为《Complete Songs》的书，这种表现未免也太不负责任了。我花了大量时间在试图弄清楚作者到底想表达什么核心观点上，而非享受阅读本身。
评分哎呀，终于把手头这本《Complete Songs》啃完了！说实话，这本书给我的感觉真是挺复杂的，就像是走进了一个巨大的、摆满了各种乐器和乐谱的音乐厅，但灯光总是忽明忽暗的。我原本是冲着“Complete”这个词去的，以为能找到一份详尽无遗的、从巴洛克时期到现代流行乐的歌曲精选和深度解析。结果呢，它更像是一本概念性的、充满了哲学思辨的音乐理论导论，而不是一本实用的歌曲集或详尽的历史编年史。书中花了大量的篇幅去探讨“旋律的本质”、“节奏的心理学意义”以及“歌词与听者情感投射之间的界限”，这些讨论极其精彩，充满了洞见，很多地方让我停下来反复琢磨，思考我过去听歌的习惯。比如作者对“大调的社会性构建”的分析，简直是颠覆了我对快乐旋律的固有认知。但如果你像我一样，期待的是一本能找到某首特定歌曲的和弦走向或歌词出处的工具书，那这本书可能会让你大失所望。它提供的不是答案，而是更多关于“为什么会有这些答案”的追问。我特别喜欢其中关于“沉默在音乐结构中的作用”那一章，它让我意识到，歌曲的张力往往存在于那些没有被演奏出来的音符之间。总的来说，它是一本需要你沉下心来，带着思考去阅读的著作，适合那些对音乐理论有一定基础，并且热衷于探索音乐背后深层逻辑的读者。
评分说真的，我花了一个下午的时间，努力去理解《Complete Songs》中关于“音高与社会阶层流动性”那一部分的论述，结果是，我更困惑了。这本书的视角非常新颖，这一点我必须肯定。它没有停留在传统的音乐美学批评，而是试图将音乐的创作与社会经济结构、权力分配紧密地联系起来。作者大胆地提出了“被重复的副歌是集体无意识对结构性压力的反映”这样的论点，这绝对是具有颠覆性的。但是，这种颠覆性带来的代价是，整个文本的讨论常常游离于具体的音乐实例之外，变得过于抽象和宏大。它更像是一本社会学或人类学的专著，而不是一本关于“歌”的书。我期待看到的是对具体作品的细致解剖——为什么某一段和弦转调会产生如此强烈的戏剧张力？某位歌手的嗓音特质如何与其生命体验相关联？这本书几乎完全回避了这些“微观”的、能引发共鸣的细节。它更像是在高空俯瞰整个音乐生态系统，用宏观的尺度来描绘“云的形状”，而不是告诉我们“雨滴是如何形成的”。如果你对纯粹的社会理论感兴趣，这本书或许能给你提供新的研究角度，但如果你是来寻找关于“歌曲”本身的感性或技术洞察，你大概率会感觉失落。
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