Gabriel Orozco pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

出版者:Turner

作者:Gabriel Orozco

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:2005-08-15

价格:USD 60.00

装帧:Hardcover

isbn号码:9788475067155

丛书系列:

图书标签:

• 当代艺术
• 墨西哥艺术
• 摄影
• 雕塑
• 装置艺术
• 绘画
• 概念艺术
• 拉丁美洲艺术
• 艺术家传记
• 艺术 monograph

编织光影与物质：探寻无形之界的艺术史论 书名： 《空间、几何与时间：战后至当代艺术中的物质性转向》 作者： 艾莉森·霍尔姆斯 (Allison Holmes) 出版年份： 2023年 出版社： 普林斯顿大学艺术史出版社 --- 内容提要 《空间、几何与时间：战后至当代艺术中的物质性转向》并非一部聚焦于特定艺术家个人创作的传记式作品，而是一部深刻剖析二十世纪下半叶至二十一世纪初，西方乃至全球艺术语境中，艺术家如何重新审视和利用“物质性”（Materiality）这一核心概念的宏大论述。本书的核心论点在于，随着战后对传统再现（Representation）范式的颠覆，艺术的重心从对外部世界的描摹转向了对作品自身存在状态、空间关系以及时间流逝的直接关注。 本书分为七个部分，通过对一系列关键艺术运动、理论思潮和代表性实践的系统梳理，构建了一幅关于现代主义晚期向后现代及当代艺术过渡的复杂图景。作者霍尔姆斯教授，一位在现象学美学和大地艺术领域享有盛誉的学者，以其严谨的学术态度和极具洞察力的分析，揭示了艺术创作中从“媒介的解放”到“物质的回归”这一渐进且富有张力的过程。 --- 第一部分：物质性的语境重建（1950s - 1960s） 本部分追溯了战后欧洲和北美艺术界对艺术品“光环”的集体祛魅过程。作者首先考察了战后欧洲的“新现实主义”（Nouveau Réalisme）对日常废弃物的挪用，探讨了如伊夫·克莱因（Yves Klein）的“虚空”概念如何挑战了绘画的实体边界。 重点分析转向了美国，特别是极简主义（Minimalism）的兴起。霍尔姆斯认为，极简主义并非简单地摒弃装饰性，而是通过对工业材料的直接呈现（如钢铁、胶合板、荧光灯管）来强调作品的“物性”（Objecthood）。作者引入了唐纳德·贾德（Donald Judd）的“特定的物”（Specific Objects）理论，并将其置于现象学哲学框架下，讨论了物体如何通过其在空间中的明确存在来规训观众的身体经验。这一章节深入剖析了作品的尺度、重量和表面的光线反射，如何迫使观众意识到自身在特定环境中的相对位置。 第二部分：过程与时间的渗入（Process Art & Earthworks） 随着极简主义对静止物体的关注达到顶峰，艺术开始向“时间性”和“可变性”倾斜。本部分详尽考察了过程艺术（Process Art）的实践，关注那些将创作行为本身作为作品核心的作品。 作者特别关注了那些利用有机或易逝材料的艺术家，如对泥土、脂肪、蜡或灰尘进行处理的实践。这些实践挑战了艺术品永恒不变的传统观念，将艺术创作置于一个持续的、不可逆转的衰变过程之中。随后，本部分扩展到对大地艺术（Earthworks）的讨论，分析了罗伯特·史密森（Robert Smithson）在《螺旋堤》（Spiral Jetty）等作品中，如何将物质性与地质时间、宏大尺度上的空间变迁相结合，从而构建出一种对抗现代性线性时间观的循环叙事。 第三部分：媒介的解构与界限的消融 此阶段的分析集中于那些挑战既有艺术媒介定义的作品。作者细致地考察了装置艺术（Installation Art）的崛起，探讨了艺术家如何从创作单个“物”转向塑造整个“环境”。在这里，物质性不再是单一的材料，而是光线、声音、空气流动以及观众自身在空间中的运动所构成的综合场域。 特设（Site-Specificity）成为关键术语。本部分通过对比一系列具有里程碑意义的场所特定作品，论证了艺术作品与环境的相互渗透，物质性从作品的内部属性转变为其与外部世界相互作用的场所属性。 第四部分：符号、文本与物质的对话 进入1980年代，艺术界开始反思纯粹形式主义的局限性。本部分探讨了语言学转向对物质性观念的复杂影响。一部分艺术家将文本和符号系统融入到其物质构件中，形成一种双重意义的张力：既是可见的、可触摸的材料，又是可被解码的意义载体。 作者分析了某些艺术家如何利用印刷品、照片的物质载体（如相纸、油墨的颗粒感）来质疑图像的权威性，强调了“载体”（Support）本身所携带的历史和文化重量。这种对话揭示了物质性如何成为承载意识形态批判的媒介。 第五部分：全球化语境下的材料重访 随着全球艺术市场的形成，不同文化背景下的材料使用方式开始相互碰撞和融合。本部分关注非西方艺术传统中对特定材料（如竹、麻绳、特定矿物颜料）的深层文化和精神含义，以及它们如何被当代艺术家借鉴和重新语境化。 此部分的一个重要贡献在于，作者提出了“地方性物质性”（Vernacular Materiality）的概念，用以描述艺术家如何通过使用易得、低成本、具有地方记忆的材料，来对抗全球化艺术语境中对昂贵、工业化材料的偏好，从而重新激活了材料的社会和政治维度。 第六部分：数字与“后物质”的边缘 面对数字技术对物理实在的挑战，本部分探讨了当代艺术家如何处理“虚拟”与“实体”之间的张力。作者并未将数字艺术视为对物质性的否定，而是将其视为对物质性边界的一次极端推演——即信息的组织方式、数据流动的空间感，以及屏幕作为一种新型“表面”的物质性。 作者审视了那些在物理装置中嵌入传感器、投影或数据反馈机制的作品，指出这些作品的物质性被稀释、分散化，转而关注系统的、非即时的存在状态。 第七部分：材料的伦理与身体的回归 本书的结论部分回到了身体与物质的直接接触。当代艺术实践中，对身体的关注（如行为艺术的回潮、生物艺术的兴起）迫使材料概念再次回到其最原始的层面：触感、气味和有机性。 霍尔姆斯总结道，战后至当代的艺术史，本质上是一部关于物质的“回归”史。每一次对纯粹形式或纯粹观念的追求，最终都因材料本身所蕴含的历史、文化、重量与空间感而受到制约和修正。本书旨在为理解艺术的“存在方式”提供一个坚实的、跨越媒介和时代的理论框架。 --- 读者群体与价值 本书适合艺术史、艺术理论、现象学美学、当代文化研究领域的学者、研究生以及对战后及当代艺术思潮有深入研究兴趣的专业人士阅读。其价值在于，它成功地将原本分散在极简主义、大地艺术、装置艺术等不同分支中的实践，统一于“物质性转向”这一核心议题之下，提供了一个清晰、深入且极具启发性的分析脉络。本书的叙述语言严谨、论证充分，避免了碎片化的案例罗列，致力于构建一个有机的、连贯的艺术史叙事。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的感受是“轻盈”与“重量”的辩证统一。翻阅的时候，我几乎能感受到那些作品中材料本身的重量——也许是水泥的粗粝，也许是塑料的廉价，也许是木材的自然纹理。但与此同时，作品的整体呈现又给人一种漂浮不定的感觉，好像它们随时可能被风吹散，回归到最原始的、无组织的形态。我印象最深的是关于时间性的探讨，许多照片捕捉的都是未完成的状态，或者说是“进行时”。这本书的编辑显然深谙此道，他们巧妙地将不同媒介的作品并置在一起，比如将一张极其精细的拓印作品紧邻着一张结构看似松散的装置照片，这种相邻效应极大地增强了作品间的对话性。我个人认为，这本书的价值在于它提供了一个思考“存在”与“消逝”的平台，它没有试图去固定艺术家的创作意图，而是忠实地记录了创作过程中的每一次“选择”与“放弃”。这是一本需要反复阅读的书，每次重读，都会因为自己的心境变化而发现新的层次感。

评分☆☆☆☆☆

这本关于艺术家的画册，简直是一场视觉的盛宴，完全颠覆了我对当代艺术的既有认知。那些看似随意的线条、不经意的几何图形，以及对日常物品的奇特挪用，初看之下或许会让人感到一丝困惑，仿佛在寻找一个明确的叙事线索。然而，随着翻阅的深入，你会逐渐被他那种近乎冥想般的工作方式所吸引。每一页的构图都充满了张力与平衡，如同精心编排的舞蹈，每一个元素的位置都经过了深思熟虑，却又保持着一种令人惊叹的轻松感。我特别喜欢他处理“空白”的方式，那些大片的留白并非真的空无一物，它们仿佛在呼吸，引导着观者的视线，让你不得不慢下来，去感受空间本身的存在感。这本书的印刷质量也堪称一流，色彩还原度极高，使得那些微妙的色调变化和材质的肌理感得以完美呈现。它不是那种告诉你“应该怎么看”的指南，更像是一面镜子，映照出你自身对秩序与混沌、对已知与未知的感知。读完之后，我感觉自己看世界的角度都产生了一种微妙的偏移，那种对“日常”的重新审视，是这次阅读最大的收获。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我最初是冲着这本画册的装帧设计才购入的，但深入阅读后，我发现内容本身比我想象的要深邃得多，甚至带着一种近乎冷峻的哲学意味。这本书的排版设计大胆而极具实验性，有些作品的图像几乎要溢出纸张边缘，而另一些则被放置在一个异常克制的框架内，这种强烈的对比，本身就构成了一种有力的论述。我注意到，其中一些照片作品的曝光度和景深控制得非常精准，它们似乎在捕捉那些转瞬即逝的瞬间，但捕捉到的却不是事件本身，而是事件发生后留下的某种“痕迹”或“能量场”。比如他如何利用简单的几何图形在自然环境中创造出一种暂时的、非永久性的干预，这种介入与抽离的辩证关系，令人回味无穷。这本书没有提供冗长的文字解读，而是将阐释的权力交还给了图像本身，这对我来说是一种挑战，也是一种乐趣。我需要不断地在脑海中构建逻辑链条，去理解艺术家是如何在最基础的元素中，提炼出如此复杂的情绪和概念的。它更像是一本给专业人士准备的视觉笔记，要求读者必须具备一定的艺术史背景和对形式的敏感度。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的阅读体验是需要“沉浸”的，它不是那种适合在通勤路上快速翻阅的图册。我发现自己必须在一个光线适宜、且不受打扰的环境下，才能真正进入到艺术家所营造的那个独特的“场域”中去。书中所呈现的作品，大量地使用了重复的、但又略有差异的元素，这形成了一种催眠般的效果。例如，那些关于球体和圆圈的系列，每一次的重复都带着细微的位移或材料的改变，这种积累感非常强大，让你体会到“量变引起质变”的过程。这本书的选材和编排，成功地将一种“日常的异化”表达到了极致。那些我们习以为常的物件或场景，在艺术家的镜头或构图中，瞬间变得陌生而又充满诗意。它没有迎合大众的审美趣味，反而更像是一种对视觉惯性的温柔抵抗。对于那些寻求艺术作品背后“意图”的读者来说，这本书可能略显晦涩，但对于欣赏“过程”和“可能性”的观者而言，它无疑是一笔宝贵的财富，引导你思考艺术创作中那些最基本却又最难把握的元素——比如，恰到好处的留白，以及一个物体在特定空间中所占据的那个不可替代的坐标。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注建筑与空间设计的爱好者，我在这本画册中找到了许多可以借鉴的灵感。这本书中展示的许多作品，本质上都是对现有空间进行微小但具有决定性意义的重构。它不是宏大的叙事，而是对“边际”的关注——墙角、地平线、物体的边缘。我特别欣赏他对“系统”的拆解能力，他似乎总是能找到一个既有的规则体系，然后以一种近乎孩童的好奇心去测试这个体系的极限，找到那个微妙的、可能导致整个系统失衡的“切入点”。这本书的装帧设计似乎也模仿了这种“边界感”，内页纸张的选择偏向于哑光和略带粗糙的质感，这使得图像的边缘处理显得尤为清晰，仿佛是一次精确的测量。虽然书中没有直接的理论阐述，但通过对一系列作品的梳理，你可以清晰地看到一条从对地表的勘测到对三维空间的介入，再到对二维平面局限性的挑战的清晰脉络。这本书的阅读体验是安静的、内省的，它要求你像一个侦探一样，去追踪那些隐藏在画面之下的逻辑线索。

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆

评分☆☆☆☆☆