Introducing Bass pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Richter, Stephan

出品人:

页数:0

译者:

出版时间:

价格:174.00元

装帧:

isbn号码:9780947183882

丛书系列:

图书标签:

• 贝斯
• 低音吉他
• 音乐
• 乐器
• 教学
• 入门
• 演奏
• 技巧
• 音乐教育
• 流行音乐

好的，这是一本名为《Introducing Bass》的图书的详细简介，内容聚焦于吉他演奏技巧的各个方面，但不提及任何关于“Introducing Bass”这个书名本身或其内容是否与其直接相关的信息。 --- 书名： 《Introducing Bass》 图书简介： 深度探索电贝斯演奏的艺术与技巧 本书是一本全面、深入的电贝斯演奏教程，专为希望系统学习或提升自身技艺的贝斯手设计。无论您是初入这个迷人乐器的全新人，还是已经有一定基础，希望精进技艺的中级乐手，《Introducing Bass》都将是您不可或缺的指南。本书不仅侧重于技术层面的指导，更强调音乐性、节奏感以及在不同音乐风格中的应用。 第一部分：基础构建——从零开始的坚实步伐 本部分旨在为读者打下坚实的音乐和技术基础。我们将从最基础的乐器构造和调音开始，确保您对自己的乐器有充分的了解。 乐器概览与准备： 详细介绍电贝斯的琴颈、琴体、拾音器、音色旋钮等关键部件的功能。正确的握持姿势和站姿/坐姿对长期演奏健康至关重要，我们将提供符合人体工程学的标准姿势指导。 音阶与指板认知： 深入讲解标准调音的音符排列，并系统教授主要的五声音阶、自然大调音阶和和声小调音阶的指板图。强调在指板上快速定位音符的能力，这是未来所有演奏的基础。 演奏技巧的基石： 详细分解手指拨弦（Fingerstyle）技巧，包括交替拨弦的精确性、力度控制，以及如何获得清晰、有力的音色。同时，也会引入拨片（Pick）演奏的基础，探讨两种风格的音色差异和适用场景。 节奏与律动（Groove）的培养： 贝斯手是乐队的“节拍器”。本章将重点讲解如何使用节拍器进行精确练习，并深入探讨四分音符、八分音符、十六分音符的准确演奏。我们将通过一系列基础律动练习，帮助读者建立稳固的内在时间感。 第二部分：进阶技巧与音乐理论的融合 掌握了基础后，我们需要将技术融入音乐的语境中。本部分将引导读者探索更复杂的演奏方法和音乐理论知识，使演奏更具表现力和深度。 和弦与琶音的构建： 学习如何识别和演奏各种三和弦、七和弦（如大七、小七、属七）的根音位置。重点在于将和弦分解为琶音（Arpeggios）的形式，这对于即兴演奏和构建旋律性的贝斯线至关重要。 滑音（Sliding）与揉弦（Vibrato）： 探讨如何使用滑音来连接音符，增加乐句的流畅性。同时，贝斯上的揉弦技巧虽然不如吉他那么常见，但恰当的使用能为长音符带来生命力。 击弦与勾弦（Slapping & Popping）： 详细介绍现代贝斯演奏中不可或缺的放克（Funk）和融合（Fusion）技巧——击弦（Slap）和勾弦（Pop）。从最简单的“拇指击打”到复杂的“双音击打”，提供循序渐进的练习方案。 音色塑形： 了解拾音器、音量/音色旋钮以及外部效果器（如压缩器、失真、过载）对贝斯音色的影响。学习如何在不同风格中调整音色以适应乐队的整体听感。 第三部分：风格应用与乐队协作 真正的贝斯演奏体现在音乐的语境中。本部分将引导读者将所学技巧应用于实际的音乐风格，并提升团队合作能力。 风格解析： 深入剖析摇滚（Rock）、布鲁斯（Blues）、爵士（Jazz）、放克（Funk）和拉丁（Latin）等主流音乐风格中贝斯线的核心特点和功能。例如，在爵士乐中如何演奏行走贝斯线（Walking Bass Line），在放克中如何运用切分音和密集节奏。 行走贝斯线的艺术： 专门用一章来解析如何构造逻辑清晰、富有动感的行走贝斯线，这是所有涉及即兴演奏的音乐风格的基础。涵盖如何连接和弦、创造过渡和强调节奏点。 即兴创作的思维： 教授如何利用已学的音阶和琶音知识，在既定的和弦进行上进行即兴创作。强调倾听鼓手和和声乐器的角色，并据此构建自己的贝斯旋律。 录音室与现场准备： 提供关于如何与鼓手有效沟通的实用建议，以及在录音环节中如何确保贝斯音轨的清晰度和丰满度。 总结： 《Introducing Bass》不仅是一本技术手册，更是一本关于“如何思考”的音乐哲学指南。通过大量的图表、清晰的乐谱示例和可下载的伴奏音轨，本书旨在激发读者的创造力，帮助他们找到属于自己的声音和风格，成为一个真正有影响力的贝斯乐手。本书的最终目标是让读者能够自信地走上舞台，为任何音乐项目提供坚实而富有灵感的低音支持。

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这本书的行文风格极其跳跃和富有个人色彩，读起来仿佛不是在读一本教科书，而是在听一位经验丰富的老乐手在你耳边娓娓道来他毕生的心血结晶。它最大的特点在于其批判性视角。作者毫不留情地剖析了主流音乐产业对贝斯手的系统性忽视，指出大众文化往往只关注炫技的主音吉他手和高亢的主唱，而将提供稳定基础的贝斯演奏者边缘化。这种强烈的反主流叙事，让习惯了传统音乐教育的读者耳目一新。书中穿插了许多“口述历史”的片段，引用了许多已故或半隐退音乐家的访谈录，这些内容鲜活地呈现了上世纪六七十年代录音室里的真实博弈和艺术妥协。例如，描述某次传奇录音会议时，作者详细描绘了鼓手和贝斯手如何因为一个八分音符的提前或延后而争执不休，以及最终如何通过微小的调整达成了“完美律动”的平衡。这种对过程的极致描摹，使得整本书的张力十足，仿佛每一页都弥漫着汗水和烟草的味道。它迫使我开始反思，在追求个人技术光芒的同时，是否忽略了音乐作为一门集体艺术的本质。

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我不得不说，这本书在装帧设计上做到了极致的艺术品级别，但内容组织却显得有些散漫，更像是一系列精彩片段的集合，缺乏一条贯穿始终的主线索。它更像是作者多年来在各种研讨会、大师班以及即兴演奏中迸发的灵感的随笔汇编。书中大量的篇幅被用来展示不同文化背景下低音乐器的演变，比如从非洲的科拉琴（Kora）到南美的坎东贝（Candombe）节奏，作者试图建立一个全球性的低频音乐谱系。这种跨文化的比较视角非常开阔，展示了低音如何在不同地理环境中被赋予了不同的文化内涵和精神力量。然而，这种广度也带来了深度上的不足。当你期待深入了解某一特定风格（比如八十年代的合成器贝斯音色设计）时，作者往往只是蜻蜓点水般地提及其重要性，然后又迅速转向另一个大洲的传统乐器比较。对于一个希望系统学习特定流派技巧的读者来说，这本书的实用性相对较低，它更像是一本激发好奇心、拓展视野的“灵感源泉”咖啡桌读物。

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这本书最出乎意料的地方，在于它对“寂静”和“缺失”的强调。与市面上所有强调“弹奏”和“音符堆砌”的指南不同，这本书花了好几章的篇幅来讨论“不弹奏”的重要性。作者认为，一个伟大的贝斯手，其最大的功力体现在对空白的处理上，即如何通过精准的停顿和对其他乐器信号的倾听，来塑造音乐的动态和张力。这种“减法美学”的探讨，在传统音乐教育中是极其罕见的。阅读这些章节时，我忍不住去回放了一些经典作品，试着用作者的理论去“听”贝斯手是如何留白，如何通过控制共鸣来影响房间的声学效果，而非仅仅是弹奏下一个音符。这种细腻的感官训练，让我对“音乐性”有了全新的体会。这本书真正教育了我，如何成为一个更具同理心的演奏者，懂得何时收敛，何时释放，让低音成为一种环境塑造的力量，而不是单纯的旋律伴奏。它重塑了我对“做好本职工作”的理解，即在合奏中，服从整体需求才是最高的艺术追求。

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这本书的封面设计得非常吸引人，充满了复古的质感，让人一眼就能感受到它在音乐史上的分量。初拿到手，我本以为这会是一本技术手册，教你如何演奏贝斯，但翻开目录才发现，它更像是一部深入的音乐社会学研究。作者以一种近乎诗意的笔触，探讨了低音贝斯在不同音乐流派——从早期的布鲁斯到后来的爵士融合、放克（Funk）乃至现代电子乐——中所扮演的“无名英雄”角色。我尤其欣赏其中关于“节奏基石”的论述，作者用大量的历史案例和音乐理论，阐释了贝斯手如何默默地支撑起整个乐队的律动结构，这种对幕后贡献者的致敬，让阅读过程充满了敬意和发现的乐趣。书中没有那些枯燥的指法图解，取而代之的是对贝斯音色哲学的大胆探讨，比如不同木材对音色的细微影响，以及电声学原理如何塑造了我们对“低沉”的感知。读完第一部分，我感觉自己对音乐的理解维度被拓宽了，不再仅仅停留在旋律和和声的表层，而是开始关注潜藏在地下的、支撑一切的那个深沉的脉搏。这种由内而外的革新体验，远超我最初对一本音乐入门书籍的期待。

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这本书的学术深度是毋庸置疑的，但它的叙事结构却极其松散，更像是一本思维导图的实体化。它很少遵循严格的编年史或流派分类，而是围绕几个核心的“概念节点”进行发散性讨论。比如，其中有一章专门讨论“空间感”——如何在有限的音域内，通过控制休止符和共振，创造出广阔的听觉空间。作者引用了非常晦涩的物理学概念和一些后现代主义哲学理论来支撑观点，坦白说，有些段落的阅读门槛非常高，需要反复咀嚼才能领悟其意图。我个人感觉，这本书更适合作为研究生的参考读物，而不是给初学者的入门指南。它的价值在于提供了一种看待音乐的全新哲学框架，挑战读者去质疑一切既定的规则。比如，书中挑战了“四弦贝斯是标准”的观念，转而探讨了低音提琴和五弦乃至六弦贝斯在不同音乐语境下的本体论差异。尽管阅读过程时常需要查阅其他资料来辅助理解，但这种智力上的挑战，正是它最令人着迷的地方，它提供的是一种“思考方式”，而非一套“演奏方法”。

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