The Singer's Book of Jazz Standards - Women's Edition pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Alec, Wilder

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2003-3

价格:$ 22.59

装帧:

isbn号码:9780634049668

丛书系列:

图书标签:

• Jazz Standards
• Women Vocalists
• Songbook
• Jazz Vocal
• Sheet Music
• Musical Theatre
• Pop Vocal
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• Collection
• Women's Music

经典歌剧的永恒魅力：《歌剧选粹》 深度解析与珍稀剧目汇编 这部厚重的典籍《歌剧选粹》，并非聚焦于二十世纪的爵士乐传统，而是将读者带回至歌剧艺术的黄金时代与辉煌巅峰。本书以近乎百科全书式的广度和深度，系统梳理了自巴洛克晚期至浪漫主义鼎盛时期，乃至二十世纪初叶意大利“真实主义”浪潮中，最受推崇、最具代表性，同时也包含许多被遗忘的珍稀剧目的核心曲目。 内容架构与核心章节： 全书分为六个宏大章节，每一章都如同一次精心策划的歌剧导赏之旅，旨在为专业的歌剧演唱者、音乐学院的学生以及资深的歌剧爱好者提供一个全面而细致的参考框架。 第一部分：巴洛克与古典主义的黎明 (1680–1790) 本章重点探讨了亨德尔（Handel）、格鲁克（Gluck）等早期大师的杰作。我们深入分析了“正歌剧”（Opera Seria）的结构，探讨了咏叹调（Aria）从炫技色彩向情感表达转变的关键历程。 亨德尔：情绪的雕塑家：详细考察了《尤利乌斯·凯撒在埃及》、《阿奇娜》中的著名咏叹调，特别是对于“装饰音”（Coloratura）在表达角色内心冲突中的作用进行了详尽的谱例分析。 格鲁克：改革的呼声：重点分析了《奥菲欧与尤丽狄茜》中“‘我失去了我的欧律狄刻’（Che farò senza Euridice）”的结构，强调了其简洁、纯粹的情感张力如何颠覆了当时僵化的歌剧范式。 莫扎特：完美与人性：本章的重中之重。涵盖了《费加罗的婚礼》、《唐璜》和《魔笛》中的核心选段。我们不仅关注了苏珊娜的机智、唐璜的颓废，更细致剖析了阿尔巴伯爵的愤懑、和帕米娜的纯真。每一段落都附有对德语、意大利语文本细微差别的注释，帮助演唱者捕捉到莫扎特音乐中潜藏的讽刺与深刻的人性洞察。 第二部分：美声的巅峰——贝尔迪时代 (1800–1850) 这一部分是全书篇幅最长、研究最为深入的部分，完全献给了意大利美声歌剧（Bel Canto）的黄金时代，主要围绕罗西尼（Rossini）、贝利尼（Bellini）和多尼采蒂（Donizetti）展开。 罗西尼的节奏与幽默：分析了《塞维利亚的理发师》中费加罗的“咏叹调”，重点讲解了如何处理快速的音阶和清晰的节奏感，同时保持文本的幽默感。 贝利尼的抒情线条：深入探讨了《诺尔玛》中诺尔玛的“圣洁的女神”（Casta Diva），着重于长线条的呼吸控制、音高的精确性以及如何在宏大的旋律下保持情感的克制与庄重。 多尼采蒂的戏剧张力：着重研究了《拉美莫尔的露琪亚》中的“疯狂场景”，不仅仅是技巧的展示，更是对心理崩溃过程的音乐化呈现。本书提供了该场景在不同历史时期演唱风格的演变对比。 第三部分：威尔第——意大利的民族魂魄 (1850–1900) 威尔第的作品标志着歌剧从“演唱艺术”向“戏剧艺术”的决定性过渡。本章详尽分析了他中期和晚期作品的特点。 中期的英雄史诗：如《弄臣》中丽戈莱托的“女人善变”（La donna è mobile），探讨了其看似轻快实则充满宿命感的旋律结构；以及《茶花女》中薇奥莱塔的“饮酒歌”，分析了其从轻佻到悲剧的三个层次的情感递进。 晚期的哲学沉思：重点研究了《奥赛罗》和《法斯塔夫》中的选段。特别是奥赛罗的“我曾是一位骁勇的战士”（Niun mi tema），展示了威尔第晚期如何使用复杂的和声和紧凑的对位来描绘角色深刻的心理煎熬，这要求演唱者具备极高的戏剧理解力。 第四部分：德语歌剧的浪漫与宿命 (1820–1900) 本章转向了德语歌剧领域，特别是韦伯（Weber）与瓦格纳（Wagner）的贡献。 韦伯与德国浪漫主义的诞生：《自由射手》中的选段，分析了如何通过音乐来营造神秘的森林氛围和民间叙事感。 瓦格纳的“无穷旋律”：虽然瓦格纳的歌剧（如《特里斯坦与伊索尔德》、《女武神》）更偏向于“乐剧”而非传统歌剧，本书依然精选了如《纽伦堡的名歌手》中瓦尔特的咏叹调，重点讨论了“主导动机”（Leitmotif）如何在人声线条中体现，以及如何处理德语中复杂的辅音群。 第五部分：法国的优雅与感伤 (1830–1910) 聚焦于法兰西的歌剧传统，包括大歌剧（Grand Opéra）和抒情歌剧（Opéra Comique）。 古诺与比才的精致：分析了《浮士德》中玛格丽特的咏叹调，强调了法式唱法对“美声”（La Voix）的极致追求，以及如何保持声音的圆润和平稳；以及《卡门》中对异域风情和西班牙节奏的巧妙运用。 马斯内与“抒情”的极致：深入探讨了《曼侬》中“我可爱的哥哥” （Le Roi de Thulé），分析了法式浪漫主义中那种既迷人又带着一丝脆弱的感伤情怀。 第六部分：真实主义的冲击与二十世纪的先声 (1890–1920) 本章考察了“真实主义”（Verismo）运动对歌剧带来的变革，以及普契尼（Puccini）如何继承并发展了威尔第的戏剧张力。 真实主义的激情：详细解析了马斯卡尼的《乡村骑士》以及莱翁卡瓦洛的《丑角》中的选段，重点在于如何将歌剧的华丽演唱技巧与粗粝、日常化的情感爆发相结合。 普契尼：旋律大师的叹息：全书的收官部分聚焦于普契尼的“三女神”——《波希米亚人》、《托斯卡》和《蝴蝶夫人》。我们细致比对了《蝴蝶夫人》中“晴朗的一天”（Un bel dì, vedremo）的结构，强调普契尼如何利用半音阶进行和细腻的管弦乐配器来营造无可挽回的悲剧气氛，要求演唱者在甜美中注入致命的宿命感。 本书的独特价值： 《歌剧选粹》的价值不仅在于其曲目的广泛性，更在于其对“演唱法”（Technique）的深入剖析。书中每一首选曲都配有： 1. 历史背景与角色分析：对该选段在剧中情境中的确切意义进行阐述。 2. 演唱技巧要点：针对高音区处理、换声点的隐蔽、气息的支撑、以及特定语言（意大利语、德语、法语）的元音和辅音处理提供专业的指导性建议。 3. 不同学派风格对比：提供了对同一咏叹调，例如“Casta Diva”，从早期美声学派的宽广处理到后期写实学派的紧张处理的风格演变概述。 本书是一本实用的教科书，也是一部详尽的艺术史文献，旨在帮助每一位歌剧艺术的实践者和鉴赏者，更深层次地领略这些不朽之作跨越世纪的艺术生命力。

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说实话，我拿到这本《爵士标准曲歌手宝典——女性精选版》时，最初的期望值并没有那么高，毕竟市面上的“精选”往往意味着泛泛而谈。但当我翻阅它时，我立刻意识到我错了。这本书在选曲的“广度”和“深度”之间找到了一个近乎完美的平衡点。它没有仅仅停留在那些烂熟于心的“必唱曲目”，而是巧妙地穿插了一些真正定义了特定时期爵士乐风貌的歌曲。我尤其欣赏编者在乐谱呈现上的用心。他们不仅提供了标准的旋律线和和弦标记，似乎还加入了一些关于演唱风格的微妙提示，尽管这些提示不是以文字形式出现，而是通过乐谱的密度和休止符的安排来暗示的。这对于提升一个歌手的音乐敏感度至关重要。读谱过程本身就是一种学习。它迫使你去思考：“如果这是艾米·怀恩豪斯（Amy Winehouse）来演绎这首歌，她会如何处理这个衔接？”或者“如果我用黛娜·华盛顿（Dinah Washington）的力度去唱这个桥段，效果会如何？”这种引导式的学习体验，远比单纯的“复制粘贴”有效得多。它激发了我们去探索和重构，而不是仅仅模仿。

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我拿到这本《爵士标准曲歌手宝典——女性精选版》时，第一个感觉是它的“厚重感”——并非指物理重量，而是指内容的分量。它给人的感觉是经过了长时间的沉淀和筛选，而不是临时拼凑的产物。我最欣赏的是它如何巧妙地平衡了知名度与音乐深度。你当然能找到那些电台金曲，但它们往往被放在一个全新的语境下呈现。比如，我对比了一下其中一首与“怪阿姨”尼娜·西蒙（Nina Simone）相关的曲目，这本书提供的版本在对原曲调的忠实度上令人赞叹，但同时又留出了足够的空间供演唱者进行个性化处理。这是一种高明的编排艺术。它尊重了原作的“神圣性”，但又不剥夺了演唱者自我表达的权利。对于那些渴望在爵士乐这个传统且规矩的体系中找到自己声音的女性歌手来说，这本书提供的范例是极其宝贵的。它像一个高标准的标杆，让你知道“好”的标准在哪里，然后鼓励你去超越它。每次练习完，我都能感觉到自己的音域控制和情感表达的连贯性都有了质的飞跃。

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这本书带给我的体验，更像是一场精心策划的“爵士女性歌者朝圣之旅”。它不像那些只关注高音技巧或炫技部分的教材，它更侧重于“灵魂的契合”。翻开目录，我看到了一系列熟悉而又陌生的名字被排列在一起，这本身就构成了一种对话——例如，一代爵士乐偶像与二十世纪末新一代声音之间的对话。我特别关注了书中对歌曲情绪转折点的处理。爵士乐的精髓在于流动和意想不到的停顿，而这本书的乐谱清晰地标记了这些关键的“呼吸点”。我发现，仅仅是按照书中标记的连线和休止符去练习，我的演唱气息和对乐句的构建能力就得到了极大的改善。它不是在教你怎么“唱高音”，而是在教你怎么“成为这首歌”。对于那些被传统声乐训练束缚住，无法真正将“蓝调”和“即兴”融入血液的歌手而言，这本书就像一把钥匙，打开了通往真正爵士乐表达的大门。它强调了叙事的重要性，让每一个音符都承载了意义，而不是单纯的技术展示。这种对音乐整体性的尊重，是它超越了普通曲集，成为我案头必备的重要原因。

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作为一名资深的爵士乐教师，我在寻找能够真正帮助我的学生跨越“知道歌曲”和“理解歌曲”鸿沟的教材。这本书《爵士标准曲歌手宝典——女性精选版》，成功地扮演了这个角色。它不仅仅是一本练习册，更像是一套关于女性爵士声乐史的速成课程。它清晰地展示了从摇摆时代（Swing Era）到波普时代（Bebop）再到融合（Fusion）的过渡中，女性声音是如何适应和推动音乐发展的。例如，书中收录的某些曲目在和声配置上就明显带有后来的先锋爵士色彩，这为年轻歌手提供了一个绝佳的切入点，去理解和声的演变过程。我发现，当学生使用这本书进行练习时，他们对节奏的内在感觉（swing feel）和对歌词意境的把握都得到了显著提升。这得益于选曲的质量，它们大多拥有强大的叙事核心，要求演唱者必须深入角色的情感世界。我甚至发现其中有几首曲子的钢琴伴奏谱（虽然我只关注声乐部分），其和弦走向也比市面上其他版本更贴近原始录音的复杂性，这对于需要与伴奏乐手精准沟通的专业歌手来说，是不可或缺的细节。

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这本书，**爵士标准曲歌手宝典——女性精选版**，简直是为所有热爱爵士乐，尤其是那些想深入挖掘女性爵士乐巨匠作品的歌者量身打造的瑰宝。我花了大量时间钻研其中的选曲和编排，发现它提供的不仅仅是一本曲谱集，更像是一份精心策划的“爵士女性精神”的音乐档案。从莎拉·沃恩（Sarah Vaughan）那令人目眩的即兴旋律，到艾拉·菲茨杰拉尔德（Ella Fitzgerald）标志性的清澈音色，再到比莉·哈乐黛（Billie Holiday）那穿越时空的忧郁叙事，这本书似乎捕捉到了她们声音中最核心的那一部分。对于像我这样的从业者来说，最宝贵的财富在于它对和声结构和旋律处理的细致刻画。你能在不改变歌曲灵魂的前提下，看到如何巧妙地运用转调和副歌处理，来赋予传统歌曲新的生命力。我特别喜欢它对一些相对冷门，但极具风格化作品的收录，这远超出了那些充斥着《Summertime》和《My Funny Valentine》的普通曲集所能提供的深度。每一次打开它，都像是在与那些站在时间巅峰的女性导师进行一次无声的对谈，探讨如何用声音去讲述故事，如何用呼吸去驾驭节奏。那种对艺术纯粹性的追求，是这本书带给我最直接的震撼。

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