Music Fundamentals

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出版者:
作者:D'Amante, Elvo S.
出品人:
页数:272
译者:
出版时间:
价格:15.95
装帧:
isbn号码:9781880157220
丛书系列:
图书标签:
  • 音乐基础
  • 音乐理论
  • 乐理
  • 音乐入门
  • 音乐学习
  • 音乐教育
  • 音乐知识
  • 和声
  • 节奏
  • 旋律
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具体描述

《声之秘境:探寻音乐的建筑与情感》 图书简介 《声之秘境:探寻音乐的建筑与情感》并非一本关于乐理基础的教科书,它将带领读者踏上一段全然不同的音乐旅程。本书旨在深入剖析音乐作为一种艺术形式,其内在的结构逻辑、历史演变轨迹,以及如何与人类复杂的情感世界产生共鸣与互动。我们不关注“如何弹奏C大调”,而是探究“C大调为何能带给我们安宁”。 本书分为四大核心板块,层层递进,构建起一座宏大而精妙的“声之建筑”。 --- 第一部:音响的拓扑学——超越音符的感知世界 (The Topology of Sound) 这一部分完全摒弃了传统乐理中对音高、节奏的机械化定义,转而从物理声学、心理声学和感知哲学的角度,审视“声音”本身。 1. 频率的魔术与人耳的偏见: 我们将探讨声音的物理本质——频率和振幅,但重点聚焦于人类听觉系统的局限性与偏爱。为什么某些频率组合(如泛音列)天生具有“和谐感”?我们将考察巴克豪森的听觉阈限理论,以及音乐家如何系统性地利用或故意打破这些“生理定律”。这里不会出现五线谱或节拍器,取而代之的是声波图与心理反应曲线。 2. 时间的雕塑:节奏的本体论: 节奏不仅仅是时间分割,它是一种组织经验的手段。本章深入讨论了不同文化中对“匀速”的不同理解,从非洲的复节奏(polyrhythm)到巴赫赋格中严格的对位逻辑,节奏如何成为一种叙事结构。我们将分析“滞后感”(groove)的心理成因,这是一种介于预期与实现之间的张力,是驱动听众身体反应的关键。 3. 音色:身份的签名: 音色(Timbre)是音乐中最具个性化的元素,但它往往被认为是次要的。本书将音色提升到与旋律同等重要的地位。通过分析傅里叶变换的基本原理,我们理解每一种乐器、每一种人声,都是特定泛音结构的集合体。我们将对比传统木管乐器的“温暖”与电子合成器的“锐利”,探讨这些音色特征是如何塑造听众对音乐“材质”的感知,以及作曲家如何通过音色调配来构建场景和人物。 --- 第二部:结构的叙事——宏大音乐形式的内在逻辑 (Narrative Structures of Grand Form) 本部分聚焦于宏大音乐作品是如何通过结构设计来讲述故事、引导听众情绪的,侧重于形式分析而非具体和弦进行。 1. 奏鸣曲式的空间布局: 奏鸣曲式被视为音乐中的“戏剧舞台”。本章将它视为一种空间运动模型:呈示部(确立世界)、发展部(引入冲突与探索)、再现部(解决冲突与回归稳定)。我们会分析不同作曲家(如海顿与贝多芬)在处理“解决”这一关键环节时的策略差异,探讨主题的“变形”在结构中扮演的象征意义。 2. 赋格与对位:理念的交织: 赋格是逻辑的极致体现。本章不教授如何写作赋格,而是分析赋格如何通过主题的模仿、倒影、扩大与缩小,在听觉空间中创造出多线程叙事的效果。我们将把赋格理解为一种“对话的艺术”,其中每个声部都代表一个独立的、但又相互依存的观点。 3. 组曲与套曲:情绪的序列: 探讨组曲如何通过不同舞曲风格(如帕凡舞曲的庄重与吉格舞曲的轻快)来构建一种情绪的旅程。这种并置(juxtaposition)并非随机,而是精心挑选的对比,用以突出音乐体验的丰富性。 --- 第三部:文化的回响——音乐的历史场域 (Historical Echoes and Cultural Fields) 此部分将音乐置于其产生的社会、政治和技术环境中进行考察,探究音乐如何成为特定时代精神的载体。 1. 音乐的“启蒙”与“浪漫”的张力: 我们将对比古典主义时期对秩序与清晰的追求,与浪漫主义时期对个人情感的无限释放。分析18世纪末期音乐厅的社会功能变化,如何从贵族沙龙转向面向公众的剧院,以及这种转变如何反过来要求音乐语言更加戏剧化。 2. 工业革命与声音的物化: 探讨机械复制技术(留声机、钢琴卷帘)对音乐创作和消费习惯的颠覆。音乐不再是转瞬即逝的事件,而成为可以被储存和定价的商品。这种“物化”如何影响了作曲家对作品“永恒性”的考量? 3. 非西方音乐体系的结构启示: 本章将目光投向印度拉格(Raga)和印尼甘美兰(Gamelan)音乐。通过分析其与西方十二平均律截然不同的音高系统和循环节奏模式,来反思我们对“和声”与“旋律”的固有偏见,强调音乐的普适性是通过不同的结构路径实现的。 --- 第四部:情感的共振——听觉体验的神经美学 (Neuroaesthetics of Listening) 本书的终极目标:探讨音乐如何绕过理性思维,直接触及人类最深层的情感结构。 1. 期待与满足的神经回路: 介绍多巴胺释放与音乐期待之间的关系。为什么等待一个强力和弦解决会带来生理上的愉悦?我们将解构“不协和音”的心理学意义——它制造的“不适”是如何服务于最终的“适感”的。 2. 怀旧的声学签名: 分析特定调性、特定配器或特定时代风格的音乐如何被我们的大脑标记为“怀旧”的信号。这不仅是个人记忆,更是一种集体文化记忆的声学投射。 3. 沉浸式聆听:从被动到主动的转化: 本章指导读者如何进行一次“深度聆听”实践。它要求读者放下对乐理知识的依赖,完全专注于音乐流动的能量、张力与释放。目标是让听者从“消费者”转变为音乐结构在自己脑中完成的“共同创造者”。 《声之秘境》是一本献给所有对音乐“为何如此”而非“如何如此”感兴趣的探索者的书。它是一次对听觉世界边界的哲学漫游,旨在拓宽我们对音乐艺术可能性的理解。

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读后感

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这本书真的给了我一个全新的视角来看待音乐!我一直觉得音乐理论什么的离我太远,很枯燥,但《Music Fundamentals》这本书完全打破了我的刻板印象。作者用了一种非常平易近人的方式,把那些看似复杂的概念拆解开来,就像是在跟你聊天一样。我特别喜欢其中关于旋律的部分,以前只觉得好听就是好听,现在才知道原来音乐的“好听”背后有着那么多巧妙的构建。比如,书中讲到音程的相对关系,以及它们如何组合成我们熟悉的和弦,这让我豁然开朗。而且,它不像那种填鸭式的教材,会鼓励你去思考,去尝试。我甚至会跟着书里的例子,在钢琴上弹奏,感受那些音符之间的联系。读完这部分,我再听歌曲的时候,会不自觉地去留意旋律的走向,甚至能隐约感受到作曲家的用意。这本书真的让我对音乐产生了更深的兴趣,并且觉得学习音乐理论不再是遥不可及的梦想,而是可以融入生活、丰富体验的一件有趣的事情。它不仅仅是知识的传递,更是一种对音乐情感的引导和激发。

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我必须说,《Music Fundamentals》这本书的结构设计得太巧妙了!它不像很多理论书那样,上来就给你一堆术语和公式,而是循序渐进,每一步都建立在前一个知识点的基础上。我尤其赞赏它在引入节奏和节拍部分的处理。作者并没有直接抛出拍号和时值,而是从我们日常生活中熟悉的“心跳”和“行走”的规律开始,用非常生动的比喻来解释什么是“节拍”,什么是“小节”。这种方式让我一下子就抓住了核心概念,然后才慢慢引申到具体的记谱法。我记得书中有一个章节,详细讲解了不同音符时值的组合如何创造出丰富的节奏变化,我尝试着跟着书里的节奏练习,感觉像是打开了新世界的大门。以前我总觉得节奏是死的,就是一二三四,但这本书让我看到了节奏的生命力,它如何驱动音乐前进,如何营造出不同的情绪和氛围。而且,书中的插图和图表也非常有帮助,将抽象的概念具象化,让我更容易理解。它真的让我体会到,音乐的构成不仅仅是音高,节奏同样是灵魂。

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老实说,我曾经对和声的概念感到非常困惑,总觉得那是一门高深的学问,与我这种业余爱好者无缘。《Music Fundamentals》这本书却用一种非常通俗易懂的方式,把和声的奥秘展现在我面前。作者没有一开始就谈论复杂的属和弦、下属和弦,而是从最基础的“音与音的叠置”讲起,然后逐渐引导我去理解为什么某些音组合在一起听起来舒服,而另一些则不和谐。我印象最深刻的是书中关于“主音和弦”和“属和弦”的讲解,它用了一个非常贴切的比喻,把它们比作“家”和“目的地”,让我立刻就理解了它们在音乐中的功能性和引导性。通过书中的练习,我开始能够识别一些简单的和弦进行,甚至能尝试着去分析一些流行歌曲的和声结构。这种“顿悟”的感觉真的太棒了!它让我在听音乐的时候,不再仅仅是跟着旋律走,还能感受到背后那种支撑着旋律的“骨架”。这本书真的让我觉得,原来和声并没有想象中那么遥不可及,它也可以是充满乐趣的学习过程。

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《Music Fundamentals》这本书带给我的,不仅仅是理论知识,更是一种对音乐创作过程的理解。尤其是在关于“音乐的形态”这一部分,它让我看到了音乐是如何从一个简单的动机发展壮大,形成一个完整的作品的。作者没有直接讲奏鸣曲式或回旋曲式,而是从“重复”、“对比”、“变奏”这些最基本的手法入手,用非常直观的例子来展示这些手法在实际音乐中的应用。我记得书中有一个章节,分析了一首简单的民歌,然后展示了如何通过重复和变奏的方式,把它发展成一段更长、更有趣的音乐。这种“化繁为简”的教学方式,让我觉得创作音乐并非是少数天才的专利,而是可以通过学习基本的原则和技巧来实现的。这本书让我开始尝试自己去创作一些简单的旋律和节奏,虽然不完美,但那种从无到有的成就感是无与伦比的。它真的激发了我内心深处的创作欲望,让我觉得音乐创作离我并不远。

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这本书的语言风格真的太接地气了!我之前读过一些音乐理论的书,总是感觉像在啃一本字典,各种专业术语堆砌,让人望而生畏。《Music Fundamentals》却完全不同,作者就像一个经验丰富的朋友,用最自然、最生动的语言来讲述音乐的原理。我尤其喜欢它在解释“调性”这个概念时的处理。它没有一开始就谈论什么“音阶”、“调式”,而是从“音乐的情绪”入手,比如为什么有些音乐听起来“明亮”,有些听起来“忧伤”。然后,它再慢慢引出,原来这些情绪的差异,很大程度上是由音的高低排列方式决定的,也就是我们所说的“调性”。书中的很多比喻都非常贴切,比如把调性比作“音乐的家”,让我一下子就理解了它的稳定性和归属感。它还鼓励读者去感受不同调性带来的情绪差异,这让我觉得学习音乐理论不再是枯燥的记忆,而是一种感官的体验。这本书真的让我觉得,原来音乐的内在逻辑也可以如此有趣和易于理解。

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