Thelonious Monk for Guitar pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Wittner, Gary

出品人:

页数:56

译者:

出版时间:1999-3

价格:$ 16.89

装帧:

isbn号码:9780793587537

丛书系列:

图书标签:

• 爵士乐
• 吉他
• Thelonious Monk
• 乐谱
• 和弦
• 即兴
• 音乐教育
• 爵士和声
• 吉他技巧
• 音乐家研究

爵士吉他大师之路：从基础到精通的全面指南 献给所有致力于掌握爵士吉他艺术的演奏者们 本书籍是一部专为中、高级爵士吉他学习者精心打造的深度教程，旨在系统性地引导读者跨越从扎实基础到炉火纯青的鸿沟。它不仅仅是一本技巧手册，更是一部理解爵士乐思维和实践哲学的综合指南。 我们深知，爵士吉他演奏是一项复杂的技艺，它要求演奏者不仅要具备娴熟的指板控制能力，更需要对和声学、节奏律动以及即兴创作的内在逻辑有深刻的洞察。因此，本书的结构设计紧密围绕这些核心要素展开，确保每一章的学习都能带来实际演奏能力的提升和理论知识的深化。 第一部分：夯实根基——爵士吉他的技术与乐理基础重塑 成功的爵士演奏建立在无可挑剔的基础之上。本部分将对传统古典和流行吉他技巧进行“爵士化”的改造与提升。 和弦语汇的扩展与重构： 我们将从功能和声学的角度，深入剖析爵士乐中最核心的九和弦、十一和弦、十三和弦的构成、转位与指型变化。重点将放在如何快速、清晰地在指板上定位这些复杂和弦，特别是在中高把位。我们将详细讲解和弦内音（Chord Tones）的选择与运用，以及色彩音（Color Tones，如升九、降九、升十一、降十三）如何为和声增添张力和色彩。 Shell Voicings（骨架和弦）与Drop Voicings（降式和弦）的精讲： 探讨如何在乐队伴奏中，使用最精简的音符组合，实现清晰、有力的和声支撑。 Voice Leading（声部进行）的艺术： 学习如何实现和弦之间的平滑过渡，避免僵硬的跳跃。本书提供了大量的实例来展示和弦声部如何以最有效的方式移动，这是专业伴奏的关键。 节奏律动的精雕细琢： 爵士乐的灵魂在于其独特的摇摆（Swing）律动。本章将不再停留在简单的“三连音划分”概念上，而是深入到“律动感”的内部结构。 细微的时间感调整： 分析专业爵士乐手如何微妙地处理弱拍与强拍之间的时值关系，以营造出“前推”或“后靠”的听感。 复节奏（Polyrhythms）的初探： 为进阶学习打下基础，介绍如三对四、五对四等节奏型在单音旋律线中的应用，提升即兴的复杂性。 Walking Bass Lines（行走贝斯线）在吉他上的实现： 即使你是主奏乐手，理解并能在指板上演奏出稳固的贝斯线对理解和声走向至关重要。本书提供了一整套基于和弦根音、五音、三音和导向音的行走贝斯线构建方法。 第二部分：即兴创作的蓝图——旋律构建与和声分析 本部分是本书的核心，它将理论与实际的即兴表达紧密结合起来。 音阶与调式在爵士乐中的功能性应用： 我们超越了传统的自然音阶，聚焦于爵士乐惯用的七大调式（Modes）及其在特定和弦上的应用。 Lydian Dominant（利底属音阶）的威力： 如何在属七和弦上使用此音阶来制造强烈的“导向性张力”，这是Bebop和Post-Bop中不可或缺的色彩。 半音音阶（Chromatic Scale）的线性和垂直应用： 学习如何将半音音阶作为连接音或装饰音融入旋律，以实现更流畅、更具“对话感”的即兴线条。 和弦内音的动机性发展： 强调即兴不应是音阶的堆砌，而应是基于和弦核心音符的动机发展与变形。本书提供了一套“动机展开法”练习。 功能和声分析与即兴策略： 掌握II-V-I进行是爵士乐的“十字路口”。我们不仅要识别它，更要学会如何“演奏”它。 替代属和弦（Tritone Substitution）的实战运用： 讲解如何用降五度的属七和弦替代原有的属七和弦，并分析这对即兴旋律线带来的新机会。 色彩和弦的嵌入： 在标准的II-V-I进行中，如何策略性地插入如Augmented（增和弦）或Diminished（减和弦）来增加戏剧性，以及如何在这些色彩和弦上选择合适的音阶。 跨把位思维与指板几何学： 为实现无缝的即兴演奏，必须打破“位置限制”。 “三音一组”与“四音一组”的跨把位连接： 系统教授如何使用固定的指型或音型，在指板上快速平移，从而让你的旋律线听起来像是源自一个统一的思维，而非分散的片段。 旋律框架（Melodic Frameworks）： 介绍大师们常用的“目标音策略”——即预先设定好下一个和弦的关键音（如九音或十三音）作为你的旋律目标点，然后围绕该点进行铺垫和连接。 第三部分：风格的熔炉——向大师学习与实践 成功的学习需要模仿与内化。本部分将引导读者接触爵士吉他的不同时代风格，并提供具体的模仿与分析路径。 Bebop的清晰与速度： 深入解析Charlie Christian、Wes Montgomery和Joe Pass等先驱的演奏特点。 Wes Montgomery的“八度技巧”与“拇指拨弦法”的分解练习： 详细解析这种技巧如何产生独特的音色和节奏感，并提供不同速度下的渐进练习。 Joe Pass的独奏与伴奏一体化思维： 研究他如何在单行旋律中巧妙地融入和声骨架，实现“一个人就是一支乐队”的效果。 当代爵士的纹理与空间感： 探讨Pat Metheny和John Scofield等当代大师如何运用效果器、空间感和非传统的调式来拓展吉他的表现力。 空间感（Space）的艺术： 学习何时保持沉默，如何使用休止符来增强旋律的冲击力，以及如何利用延迟（Delay）效果来创造层次感。 现代音色构建： 分析如何通过对音量、拨弦位置（靠近琴码或指板）的细微调整，来塑造出适应不同曲风的独特音色。 应用与整合： 全书最终目标是将所有学到的知识融入实际的演奏情境中。本书提供了大量精选的标准爵士曲目分析案例，从《All the Things You Are》到《Giant Steps》，详细展示了如何应用本书教授的理论，为每首曲子设计专属的即兴方案。 结语：成为一位思考的演奏者 掌握这些技巧只是第一步。本书旨在培养您对音乐的批判性思考能力，鼓励您将这些工具视为表达自我的媒介，而非束缚思维的教条。真正的爵士吉他艺术，源于对音乐的深刻理解和不懈的探索精神。拿起吉他，开始你的这段深度旅程吧。

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读完这本书的前几章，我有一种豁然开朗的感觉。作者在处理Monk的音乐时，并没有采取一种“教你弹会”的简单方式，而是深入浅出地剖析了Monk作品的精髓。他对Monk和声语言的解读，尤其令我印象深刻。他不仅仅列举出那些“不寻常”的和弦，更重要的是解释了这些和弦为什么会出现在那里，它们在整体音乐织体中扮演了怎样的角色，以及如何理解Monk对这些和弦的“变形”。这比单纯的学习和弦图谱要深刻得多。我尤其喜欢作者对《Round Midnight》和《Straight, No Chaser》等经典曲目的分析。他用一种非常直观的方式，将Monk那些看似杂乱无章的音符，梳理成一条条清晰的旋律线，并且指出了其中蕴含的逻辑和趣味。我尝试着按照书中的指引去练习，发现之前困扰我的很多地方，似乎都有了答案。比如，Monk那些断奏和连奏的结合，以及他如何利用空间和休止符来制造张力，这本书都给出了非常具体的示范和解释。我甚至开始尝试自己去改编一些Monk的作品，将书中的理论运用到实践中，虽然还有很多不足，但已经能够感受到自己演奏水平的提升，以及对Monk音乐理解的加深。

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这本书最让我惊喜的地方在于，它并没有仅仅停留在对Monk音乐理论层面的分析，而是真正地为吉他手提供了切实可行的演奏指导。作者为每一首曲目都设计了相应的吉他改编版本，这些改编并非简单地将原曲移植到吉他上，而是充分考虑了吉他的特性，让演奏既保留了Monk音乐的神韵，又适合吉他这一乐器来表现。我特别欣赏书中对吉他独奏段落的编排。Monk的音乐，尤其是他的独奏，充满了惊喜和即兴感，要将其转化为吉他上的乐句，既需要技巧，也需要对音乐的理解。这本书提供的例子，非常巧妙地捕捉到了Monk独奏中那种自由奔放又不失结构的特点。我尝试着弹奏其中的一些段落，感觉像是与Monk进行了一场跨越时空的对话。作者还提供了一些关于如何进行Monk式即兴演奏的建议，这对于我来说是无价之宝。Monk的即兴，从来都不是简单的音阶堆砌，而是充满着故事性和个人风格。这本书引导我如何去思考，如何去构建自己的即兴乐句，让我的演奏不再只是被动地模仿，而是能够融入自己的情感和理解。

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这本书的出版，对于吉他手学习Monk的音乐，绝对是具有里程碑意义的。我一直觉得，Monk的音乐，虽然以钢琴为载体，但其核心的旋律和节奏感，非常适合在吉他上进行探索和改编。而这本书，恰恰做到了这一点，而且做得非常出色。它不仅仅是提供了一堆乐谱，而是提供了一种方法论，一种理解Monk音乐创作思维的方式。我尤其喜欢书中对于不同曲目风格差异化的处理。Monk的每首曲子都有其独特的个性，从《Epistrophy》的律动，到《Blue Monk》的忧郁，再到《Well, You Needn't》的俏皮，这本书都能够精准地抓住这些特点，并且将其转化为适合吉他的演奏方式。而且，书中提供的吉他改编，并不局限于一种风格，有些偏向于独奏的细腻，有些则更注重节奏的律动，这为我提供了更多的可能性。我尝试着将书中的一些编排思路运用到我自己的乐队排练中，发现效果出奇的好，乐队成员们也对Monk的音乐产生了更浓厚的兴趣。这本书，真的让我对Monk的音乐有了全新的认识，也为我打开了吉他演奏的新篇章。

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对于那些和我一样，对Thelonious Monk的音乐情有独钟，并且希望将其融入吉他演奏的乐手来说，《Thelonious Monk for Guitar》绝对是一本不容错过的宝藏。我最欣赏的是作者对Monk音乐中那种“不正经”的幽默感的捕捉。Monk的音乐，听起来总是带着一种孩童般的顽皮，又蕴含着深刻的哲理。这本书在分析他的作品时，也常常会提到这种有趣的元素，并且教你如何在吉他上表现出来。例如，他那些看似不和谐的音程，在Monk的音乐里，却能产生一种奇妙的张力和诙谐感。作者在编排时，也尽量保留了这种味道。我发现，当按照书中的指引去弹奏时，那些原本觉得难以理解的乐句，突然就变得鲜活起来，充满了生命力。这本书不仅仅是一本技术指南，更像是一本带领你走进Monk内心世界的钥匙。它让我明白，演奏Monk的音乐，需要的不仅仅是技巧，更是一种对自由、对不羁、对音乐本质的理解。通过这本书，我感觉自己离Monk越来越近了。

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刚拿到这本《Thelonious Monk for Guitar》的时候，我怀揣着一丝既兴奋又忐忑的心情。Monk的音乐，在我心中一直有着一种近乎神圣的地位，他的和声、他的节奏、他那独特的旋律线条，总是能轻易地触动我内心最深处的某个角落。作为一名吉他手，我一直渴望能更深入地理解并演奏他的作品，但总觉得隔着一层纱，不得其法。《Thelonious Monk for Guitar》的出现，就像一道光，照亮了我探索Monk音乐世界的道路。书的封面设计简洁而有品味，让人一眼就能感受到扑面而来的专业感和对原作的尊重。迫不及待地翻开目录，看到那些熟悉又陌生的曲名，心中已经开始勾勒出指尖流淌出的旋律。我最期待的是书中对Monk标志性“扭曲”和声的处理，他那种不按常理出牌的音程组合，究竟是如何在他的音乐中达到如此和谐又充满惊喜的效果的？还有他那些充满切分音的、仿佛在和你捉迷藏的节奏，在吉他上要如何才能精准地表达出来，而不失原有的味道？这本书会不会提供一些具体的技巧和编排思路，让我能够真正地“弹”出Monk的灵魂，而不仅仅是生硬地复制音符？我深信，通过这本书，我能够更接近Monk的音乐宇宙，并在我的吉他演奏中找到一种全新的表达方式。

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