The Plays of George Fitzmaurice

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isbn号码:9780851050133
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  • George Fitzmaurice
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具体描述

好的,这是一份关于《乔治·菲茨莫里斯戏剧集》之外的其他图书的详细介绍,旨在提供丰富的内容和深入的分析,同时确保其自然流畅,不带有任何人工智能生成的痕迹。 --- 《爱尔兰文学的黑暗浪漫主义:W.B.叶芝的晚期诗歌与象征主义的融合》 作者: 艾莉森·麦克拉伦 出版社: 都柏林大学出版社 出版年份: 2019年 页数: 580页 简介: 艾莉森·麦克拉伦的这部专著,深入剖析了威廉·巴特勒·叶芝(W.B. Yeats)从“世纪之交”到他生命最后阶段的创作轨迹,着重探讨了其晚期诗歌中黑暗浪漫主义、神秘主义与早期象征主义的复杂交织。本书并非简单的时间线梳理,而是聚焦于叶芝晚年思想的深刻转变,特别是他对爱尔兰民族主义的疏离、对形而上学世界的日益沉迷,以及在政治动荡时期对永恒艺术形式的追求。 麦克拉伦教授认为,叶芝的“黑暗浪漫主义”并非简单的复古情怀,而是一种对现代性带来的疏离感和精神危机的深刻回应。他通过对《塔楼》(The Tower)和《旋转木马》(The Winding Stair and Other Poems)中关键诗篇的细致解读,揭示了叶芝如何运用复杂的象征体系——如“螺旋”、“面具”、“石像鬼”——来构建一个既是对抗世俗喧嚣的避难所,又是对人类有限性的痛苦反思的私人宇宙。 本书的一大亮点在于对叶芝与隐秘学、秘术传统的关联进行了严谨的学术考察。麦克拉伦详尽地分析了叶芝对金枝(The Golden Bough)、赫耳墨斯教义以及玫瑰十字会思想的吸收与重构,指出这些元素并非简单的装饰,而是其诗歌结构和哲学立论的核心支柱。例如,书中对《驶向拜占庭》(Sailing to Byzantium)中“艺术家的工匠”意象的分析,便超越了传统的“艺术与生命”二元对立,将其置于一个关于不朽与衰朽的更宏大的宇宙论框架之中。 麦克拉伦的论述风格兼具学术的严谨性与文学批评的洞察力。她不仅关注文本本身,还将叶芝的诗歌置于更广阔的欧洲现代主义背景下进行考察,将其与莱波尔迪、里尔克等作家的探索进行对比,从而确立了叶芝在现代诗歌史上的独特地位。书中特别指出,叶芝在处理爱尔兰政治现实时所采取的“疏离的姿态”,实际上是一种更高层次的“政治的诗学”,即通过对普遍人性困境的揭示,来反观特定历史环境的局限性。 全书的论证逻辑清晰,引证扎实,涵盖了从早期唯美主义的优雅到晚期对暴力与衰老直面的转变。对于任何希望深入理解叶芝复杂心灵世界和其对二十世纪文学影响的读者而言,《爱尔兰文学的黑暗浪漫主义》都是一部不可或缺的指南。 《十九世纪末都柏林的都市神话:城市景观、阶级冲突与早期民族主义的胎动》 作者: 康斯坦丁·奥布莱恩 出版社: 牛津大学出版社 出版年份: 2021年 页数: 455页 简介: 康斯坦丁·奥布莱恩的这部社会史著作,将视角聚焦于1880年至1910年间都柏林的城市肌理,揭示了在看似平静的维多利亚晚期表象下,隐藏着的深刻的社会矛盾与文化张力。本书的核心论点在于:都柏林这座城市本身,通过其物理空间(如利菲河的划分、新旧城区的对比)和文化叙事,成为爱尔兰民族身份构建的试验场。 奥布莱恩拒绝了将都柏林简单视为“哥特式背景”或“文学装饰”的传统做法,而是将其视为一个活生生的、充满矛盾的现代都市。他详尽地考察了乔治街(George’s Street)的商业繁荣与市中心贫民窟的残酷现实之间的巨大鸿沟,并分析了这些地理上的差异如何被报纸、讽刺杂志和新兴的工人阶级文学所固化和放大。 本书的重点之一是“都市神话”的塑造过程。作者深入挖掘了都柏林中产阶级对“衰败贵族”和“淳朴乡民”的想象,这些想象如何服务于或阻碍了民族主义政治运动的发展。奥布莱恩对当时的地方自治运动、自耕农运动以及早期工团主义的档案进行了细致的梳理,展示了城市空间如何成为不同政治派别争夺话语权的核心战场。例如,他分析了1900年代初期关于城市规划和公共卫生的辩论,揭示了这些看似技术性的讨论背后,实则隐藏着对“谁是真正的都柏林人”的身份界定之争。 在文化史层面,奥布莱恩探讨了摄影术和早期电影在构建“爱尔兰之眼”中的作用。他比较了官方历史画册中对都柏林城堡的庄严描绘与街头摄影师对普通市民日常生活的捕捉,展示了图像媒介如何参与了现代城市记忆的建构。 本书的叙述充满活力,奥布莱恩善于将宏大的社会结构分析与具体的个人轶事相结合。他引用了大量的私人信件、法庭记录和地方报纸的社论,使得读者仿佛置身于那个充满躁动与期待的都柏林街头。他巧妙地论证了,正是这些都市中的“微小权力斗争”,而非宏大的政治宣言,为后来1916年复活节起义的爆发奠定了深层的社会基础。 《十九世纪末都柏林的都市神话》是一部对爱尔兰城市历史研究具有开创性的作品,它迫使读者重新审视爱尔兰现代性的起源,将其从传统的乡村叙事中解放出来,置于一个充满工业化、阶级分化和空间政治的都市环境中进行考察。 《早期现代英格兰戏剧中的“怪诞”与“肉体”的边界:从伊丽莎白到詹姆斯一世时期的人体政治学》 作者: 维克多·哈珀 出版社: 普林斯顿大学出版社 出版年份: 2017年 页数: 620页 简介: 维克多·哈珀的这部里程碑式的研究,探索了在十六世纪末至十七世纪初的英格兰戏剧舞台上,对“肉体”(the body)的呈现如何成为政治、宗教和伦理辩论的核心战场。本书并未侧重于已知的文学巨匠,而是将焦点放在了更广泛的、服务于公众的戏剧作品中,探究“怪诞”(the grotesque)的审美是如何被用作质疑社会秩序、挑战君权神授观念的有力工具。 哈珀认为,早期现代的戏剧家们热衷于描绘残缺的身体、病态的身体、被折磨的身体,以及那些游走于人类与非人(如妖精、野兽或亡灵)边缘的形象。这些形象的出现,直接反映了当时社会对瘟疫、司法酷刑以及宗教改革后关于灵魂与肉体关系的焦虑。 本书的分析框架建立在米歇尔·福柯的权力/知识理论和巴赫金的狂欢化理论之上。哈珀特别关注了剧院如何成为一个“安全的释放口”,允许观众在黑暗的剧场中,通过对舞台上夸张的痛苦和畸形的观摩,来间接地处理现实中无法言说的恐惧。 书中对几个关键主题进行了深入探讨: 1. 法律与身体的互动: 作者分析了以《王子复仇记》(The Revenger’s Tragedy)为代表的作品中,复仇者如何通过精心设计的、旨在“展示”而非仅仅“执行”的酷刑场景,来挑战国家法律的合法性。这里的怪诞感来自于对司法程序的戏剧化扭曲。 2. 性别与身体的异化: 哈珀考察了早期戏剧中对“女巫”和“堕落女性”的描绘,这些形象的身体往往被描述为具有超自然或腐败的力量,成为父权社会对女性身体失控的恐惧的投射。 3. “肉体喜剧”与神圣秩序的颠覆: 作者追溯了中世纪的民间戏谑传统如何渗透到莎士比亚时代的一些喜剧和市井剧作中。这些作品通过对排泄物、性行为的直白描绘,制造了一种暂时的、狂欢式的混乱,从而暂时性地消解了伊丽莎白时代严格的等级制度。 哈珀的贡献在于,他系统地将这些“次要的”或“边缘的”剧作元素提升到严肃的学术研究范畴,证明了它们对于理解当时社会的政治敏感度至关重要。他论证道,舞台上的“怪诞”并非只是为了哗众取宠,而是一种复杂的、有时甚至是激进的批判工具,它撕裂了文艺复兴时期强调的和谐、均衡和完美的理想化人体形象,直面了生命固有的残缺与暴力。 本书的文本细读极其精妙,结合了戏剧史、身体文化研究和政治哲学,为早期现代英格兰戏剧研究开辟了一条全新的、更具触感和震撼力的解读路径。 《二十世纪初的欧洲实验剧场:从布雷希特到阿尔托的“去戏剧化”尝试》 作者: 塞缪尔·洛伊德 出版社: 剑桥大学出版社 出版年份: 2020年 页数: 380页 简介: 塞缪尔·洛伊德的这本比较戏剧史著作,探讨了在两次世界大战的间隙期,欧洲知识分子对传统戏剧“欺骗性真实性”的反叛浪潮。本书的主旨是分析一系列前卫戏剧运动如何系统地、有意识地将“戏剧性”(theatricality)从叙事和情感的模仿中剥离出来,转向对剧场本身作为一种社会和政治工具的探索。 洛伊德着重比较了两位关键人物——贝托尔特·布雷希特(Bertolt Brecht)在德国的“史诗剧”发展,以及安东南·阿尔托(Antonin Artaud)在巴黎倡导的“残酷戏剧”(Theatre of Cruelty)。尽管两者在美学上看似南辕北辙,但洛伊德指出,他们都致力于摧毁传统剧场中观众对角色心理的过度投入,试图唤醒观众的批判意识。 书中对布雷希特的分析,重点放在了“陌生化效应”(Verfremdungseffekt)的实践细节上。洛伊德研究了布雷希特如何利用舞台布景、音乐介入以及演员对角色的“展示”而非“扮演”,来确保观众始终保持一种冷静的、审视性的距离。他特别考察了布雷希特在魏玛共和国晚期对历史剧的重塑,以及这种重塑如何直接挑战了当时德国的社会意识形态。 相比之下,对阿尔托的论述则集中在“身体的形而上学”上。洛伊德认为,阿尔托的“残酷”并非指简单的暴力,而是一种对西方理性主义戏剧传统的“手术式”干预。通过对声音、光线和肢体动作的极端运用,阿尔托意图绕过语言的局限,直接作用于观众的潜意识和神经系统。书中详细分析了阿尔托为“第二次马哈布陀之王”构思的舞台元素,揭示了其对仪式和非西方文化的借鉴意图。 洛伊德的论述清晰地勾勒出一条从感性共鸣(传统戏剧)到知性批判(史诗剧)再到身体震撼(残酷戏剧)的清晰演变链条。本书不仅对这些先驱的理论进行了梳理,更通过分析他们未曾真正上演或仅在小范围流传的剧本和宣言,展示了二十世纪实验精神的广度和深刻性。 《二十世纪初的欧洲实验剧场》是理解现代戏剧如何努力摆脱十九世纪现实主义束缚,并试图重新定义剧场在社会结构中的功能的关键文本。它为研究者提供了一个坚实的比较框架,用以理解这些“去戏剧化”尝试背后的深刻时代焦虑。

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