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出版者:

作者:Johnson, Maureen/ Johnson, Douglas

出品人:

页数:128

译者:

出版时间:2009-9

价格:292.00元

装帧:

isbn号码:9780981624938

丛书系列:

图书标签:

• 人体模特
• 艺术参考
• 绘画
• 素描
• 人体结构
• 人体姿势
• 艺术生
• 绘画教学
• 人体艺术
• 模特

《艺术模型4》是一本深入探索艺术创作领域的前沿理论与实践的书籍。本书并非对既有艺术流派的简单罗列或回顾，而是聚焦于当代艺术创作中涌现出的新型模型构建与分析方法。通过对不同媒介、不同风格的艺术作品进行细致解构，本书旨在揭示艺术家在构思、执行和呈现作品时所依赖的深层结构与内在逻辑。 本书的研究范围广泛，涵盖了从具象写实到抽象表现，从传统绘画、雕塑到新媒体艺术、装置艺术等多元化的艺术形态。核心在于“模型”这一概念的拓展与应用。这里的“模型”并非仅指三维的实体模型，更重要的是指艺术家在创作过程中所构建的思维框架、叙事结构、形式语言、材料运用逻辑，乃至观众感知与解读的预设模式。 在理论层面，《艺术模型4》引入了最新的认知科学、符号学、现象学以及后结构主义的视角，来分析艺术作品的构成要素和意义生成机制。例如，书中会探讨色彩、线条、形状、空间等基本视觉语言如何被艺术家用以构建特定的情感氛围或认知体验；又如，艺术家如何通过材料的物理属性与象征意义的结合，来传达更深层次的观念。本书强调，理解这些“模型”的构建过程，能够帮助读者更深刻地把握艺术作品的内涵，而不仅仅停留在表面的形式欣赏。 在实践层面，《艺术模型4》列举了大量当代艺术家的案例研究。这些案例的选择极具代表性，选取了在艺术界具有广泛影响力和创新性的作品。对于每个案例，本书都会进行深入剖析，详细阐述艺术家如何运用特定的“模型”来解决创作中的问题，如何打破常规，探索新的可能性。这包括对艺术家创作手稿、草图、概念文档的解读，以及对作品最终呈现效果的分析。读者将能够从中学习到不同的创作策略、技巧和思维方式。 本书的独特之处在于，它鼓励读者将“模型”的视角迁移到自身的艺术实践中。它提供了一套观察和分析艺术的方法论，帮助艺术家跳出固有的创作模式，审视自身创作中的“模型”是如何形成的，是否有效，以及是否还有更广阔的探索空间。对于艺术院校的学生、独立艺术家、艺术评论家以及对艺术创作过程感兴趣的普通读者而言，《艺术模型4》都将是一本极具启发性的读物。 书中还可能探讨了技术发展对艺术模型的影响。例如，数字技术、虚拟现实、人工智能等新兴工具如何为艺术家提供了全新的模型构建手段，以及这些技术如何重塑了观众的观看方式和艺术作品的意义阐释。本书并不拘泥于某一种特定的艺术媒介，而是以普适性的艺术模型理论来贯穿始终，使得本书的内容具有长久的参考价值。 总而言之，《艺术模型4》提供了一个全新的视角来理解和分析艺术创作。它引导读者超越对艺术作品结果的欣赏，深入探究其生成过程中的内在逻辑与结构。通过对“模型”的深入剖析，本书不仅丰富了我们对艺术的认知，更启迪了创作者的灵感，为当代艺术的持续发展提供了宝贵的理论支撑和实践指导。

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说实话，我入手这本书的时候是抱着非常功利的心态——急需一些高质量的、不同年龄段和体型的专业模特参考图来应对接下来的几个商业项目。坦白讲，市面上的“人体模型”书籍太多了，大多充斥着千篇一律的、过度摆拍的姿势，看起来毫无灵魂。但《Art Models 4》的独特之处在于，它似乎把“人体”当作了一种建筑材料，而不是单纯的描摹对象。它对关节和肌肉群在极端运动状态下的表现力进行了非常细致的剖析，尤其是在涉及复杂扭转和失重感的姿态部分，简直就是一本教科书级别的参考手册。我特别喜欢它对“光线环境”的探讨，它没有仅仅停留在“顺光”或“逆光”的层面，而是深入到了特定光源（比如窗边散射光、舞台聚光灯等）如何重塑人体体积感和情绪氛围的分析。这本书的排版也做得非常考究，大量的留白处理让主体人物的形象更加突出，阅读体验非常流畅，不会让人感到拥挤和压迫。如果你是专注于漫画、插画或者概念设计领域，需要快速理解和应用动态结构的设计师，这本书的实用价值绝对是顶级的。

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我是一名长期在艺术学院任教的教授，平时会给学生们推荐各种学习资料。当我看到《Art Models 4》时，我的第一反应是：终于有一本真正尊重“观察者”智力的艺术书籍了。它没有用那种居高临下的、填鸭式的教学语言。相反，它更像是一位经验丰富的前辈，耐心地在你身边引导你去看，去感受。书中那些看似随意的抓拍瞬间，其实蕴含着极强的设计感。比如，它收录了几组关于“互动性”的姿态，两个人或多个人物之间的张力、依靠和分离，处理得非常微妙，远超出了传统素描练习的范畴。这本书的选材打破了传统艺术教育中对“完美比例”的迷信，其中不乏一些具有强烈个性和故事性的面孔和体态，这对于培养学生的审美多元化至关重要。我注意到，即便是黑白照片，其灰阶层次的过渡也极其丰富，这对于学习油画或数字绘画中如何处理材质和皮肤质感非常有启发性。总而言之，它是一本能够激发教学灵感和拓展学生视野的优秀工具书。

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我是一个数字艺术爱好者，平时主要使用平板进行创作，对实体参考的需求量不如传统画种那么大，但《Art Models 4》还是成功地吸引了我。这本书的电子版优化得非常好，缩放和局部放大功能让细节观察变得异常清晰。这本书最让我津津乐道的是它对“运动轨迹”的捕捉。很多姿势看起来非常动态，仿佛下一秒就要发生位移，但其核心结构却异常稳固。这对于我这种需要设计复杂战斗场景或奔跑角色的概念艺术家来说，简直是雪中送炭。它清晰地展示了力量是如何在身体中流动和传递的，而不是孤立地呈现某一个静止瞬间。此外，书中对不同材质服装（例如轻薄的布料、厚重的皮衣）与人体动态的相互作用分析也极其到位，这些细节能极大地增强最终作品的真实感和视觉冲击力。这本书不是简单地提供图库，它是在教授一套观察世界的系统方法论，非常适合追求极致动态表现力的创作者深入研习。

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这本书给我的感觉，更像是一部摄影艺术作品集，而不是一本纯粹的“如何画人”的教程。我注意到它在许多画面中，非常巧妙地运用了景深和焦点，将观者的视线牢牢锁定在模特的某个特定区域——可能是手部的细微动作，或是颈部的舒展角度。这教会了我一个重要的绘画观念：画面中的每一个元素都必须服务于你想表达的核心主题。更让我惊喜的是，它收录了一部分“未完成感”的作品，那些只有轮廓或局部高度精细处理的图像，这种残缺美反而更激发了我的想象力，让我主动去填补那些空白，这比直接给出成品图更能锻炼主动思考的能力。我在使用这本书进行练习时，发现自己不再满足于仅仅“复制”姿态，而是开始琢磨“为什么”这个姿态会被选择，这种深入的探究过程，极大地拓宽了我对人物造型的理解。它挑战了我们习惯性的观看方式，鼓励我们去发现潜藏在日常姿态中的艺术价值。

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这本《Art Models 4》的封面设计确实抓人眼球，那种古典与现代交织的视觉冲击力，让人忍不住想一探究竟里面到底藏着怎样的艺术宝藏。我本来以为它会是那种纯粹的写生指南，教人如何精准地捕捉光影和人体结构，但翻开之后才发现，它的野心显然不止于此。作者在处理人物动态时，那种对瞬间情绪的捕捉能力，简直令人惊叹。比如其中一组关于“沉思”的主题，模特儿的眼神和肢体语言，似乎在无声地讲述一个复杂的故事，而不是简单地摆出一个固定姿势。我尤其欣赏它在不同文化背景下的艺术引用，那些穿插在指导性文字中的历史典故，让原本枯燥的理论知识变得生动有趣起来。对于那些希望提升自己叙事能力和情感表达的艺术家来说，这本书提供的不仅仅是参考图，更是一种深层次的视觉思维训练。它引导你跳出“画得像”的窠臼，去思考“如何表达”的更高层次问题，这份探索精神，是很多同类书籍所欠缺的。我尝试用书中的某些光线布局来处理我正在画的一幅静物，效果出乎意料地好，那种戏剧性的明暗对比，瞬间提升了作品的质感。

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很多速写都是照着这里的模特，红发模特很好看。

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