Dancing and Choreography pdf epub mobi txt 电子书 下载 2026

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出版者:

作者:Joosten, Michael

出品人:

页数:64

译者:

出版时间:

价格:$ 14.63

装帧:

isbn号码:9781435855366

丛书系列:

图书标签:

• 舞蹈
• 编舞
• 舞蹈史
• 舞蹈理论
• 表演艺术
• 舞台艺术
• 身体文化
• 艺术
• 文化
• 舞蹈教育

《舞影流光：编舞艺术的深度解析》 本书并非一本关于舞蹈动作本身或具体舞蹈作品的指南，而是对“编舞”这一艺术形式及其背后哲学、历史、技术和社会层面的全面探索。它深入剖析了编舞家如何从无形的概念转化为具象的舞台表现，揭示了创作过程中那些不为人知的思维轨迹与实践挑战。 一、编舞的哲学维度：从意念到形态 本书的第一部分致力于探讨编舞的哲学基础。编舞家并非仅仅是身体的操纵者，更是思想的构筑者。我们将追溯编舞思想的源头，分析不同时代、不同文化背景下的编舞理念如何塑造了我们对舞蹈的理解。从古希腊对身体与灵魂和谐的追求，到现代舞对个体情感与社会现实的解放，再到当代舞蹈对概念性、跨界性的拥抱，每一场运动都深刻影响着编舞的思维方式。 我们将探讨“身体”在编舞中的多重含义：它既是媒介，承载信息与情感；又是语言，通过动作、空间、节奏与观众沟通；更是哲学载体，反映人类的存在状态与价值观念。本书将聚焦于编舞家如何通过对身体的感知、训练和解放，挖掘其潜在的表现力和象征意义，从而赋予作品生命。 此外，我们还将深入研究“空间”与“时间”在编舞创作中的核心作用。空间并非仅仅是舞者活动的背景，而是可以被塑造、被利用、甚至是被赋予情感和意义的动态元素。编舞家如何通过对舞台空间、观众席甚至非传统空间的运用，创造出不同的观赏体验和叙事结构？时间，则通过节奏、速度、停顿、重复等方式，构建起舞蹈作品的情感张力和叙事脉络。本书将揭示编舞家如何巧妙地玩转时空，引导观众的情感走向，构建独特的艺术世界。 二、编舞的历史脉络：流变与革新 本书的第二部分将勾勒出编舞艺术波澜壮阔的历史画卷。我们将回溯古典芭蕾的精致与规范，分析其如何通过一套严谨的身体语言和叙事结构，确立了早期编舞的典范。接着，我们将聚焦于20世纪初现代舞的诞生与发展，探讨伊莎多拉·邓肯、玛莎·葛兰姆等先驱者如何打破芭蕾的束缚，以更为自由、个人化的身体表达，开辟了全新的编舞视野。 我们将详细分析那些具有里程碑意义的编舞家及其代表性作品背后的创作理念和技术革新。例如，如何理解尼金斯基对身体极限的探索，如何解析科恩与麦克米伦在芭蕾叙事上的创新，又如何解读默斯·坎宁汉对偶然性与音乐独立性的革命性思考。 本书还将审视不同地域和文化背景下编舞风格的演变。例如，欧洲现代舞的理性与情感深度，美国舞蹈的活力与社会批判，以及亚洲地区舞蹈在融合传统与现代元素方面的独特贡献。我们将理解，编舞艺术并非单线发展，而是在多元对话与碰撞中不断丰富和发展的。 三、编舞的创作实践：技巧、方法与挑战 第三部分将深入到编舞创作的实际操作层面。我们将探讨编舞家常用的创作方法和技巧，包括但不限于： 即兴创作 (Improvisation): 分析即兴如何作为一种探索身体可能性、生成素材的有效手段，以及如何将即兴的成果转化为结构化的作品。 主题与概念发展: 编舞家如何从一个模糊的灵感、一个社会现象、一段音乐、一首诗歌，甚至是抽象的概念出发，逐步构建出舞蹈作品的核心主题和叙事线索。 音乐与编舞的关系: 探讨音乐与舞蹈之间的互动方式，从依附到独立，从共生到解构，分析不同音乐形式如何启发编舞，以及编舞如何赋予音乐新的生命。 与舞者的合作: 编舞家如何与舞者建立有效的沟通，如何引导舞者理解和执行编舞意图，以及如何激发舞者自身的创造力，形成独特的合作模式。 空间与舞台设计: 探讨编舞家如何与舞美、灯光、服装设计师合作，共同营造作品的整体氛围和视觉效果，以及这些视觉元素如何服务于舞蹈的表达。 技术与美学: 分析不同舞蹈技巧（如芭蕾、现代舞、当代舞、民族舞等）在编舞中的运用，以及编舞家如何在这个基础上发展出独特的个人化肢体语汇和美学风格。 本书也将毫不回避地探讨编舞创作过程中所面临的挑战，包括市场压力、创作瓶颈、技术限制、以及如何在商业化与艺术性之间寻求平衡。 四、编舞的社会语境：意义、影响与未来 本书的最后一部分将着眼于编舞的社会意义和未来发展。我们将分析编舞艺术如何作为一种社会观察和批判的工具，如何反映和影响社会思潮、文化变迁和人类情感。 我们将探讨编舞在教育、治疗、社区建设等领域的应用，以及它如何跨越艺术的边界，与科技、电影、装置艺术等其他媒介进行融合，拓展其表现的可能性。 最后，本书将展望编舞艺术的未来发展趋势，思考在日益变化的社会和技术环境中，编舞家将面临哪些新的机遇与挑战，以及这一古老而又充满活力的艺术形式将如何继续演变，触动我们的心灵，启迪我们的思想。 《舞影流光：编舞艺术的深度解析》旨在为所有对舞蹈幕后运作、创作逻辑、以及身体叙事背后的深刻含义感兴趣的读者，提供一个全面、深入且富有启发性的视角。它将带领读者走出舞台聚光灯，去探寻编舞家内心世界的广阔天地，理解那些赋予舞蹈以生命与灵魂的智慧之光。

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这本书给我的感觉是，它是一部宏大而细腻的史诗。作者的笔触在不同历史时期和地域之间自如穿梭，勾勒出了一幅全球舞蹈艺术的动态图景。从古希腊的宗教仪式性舞蹈，到二十世纪初的现代舞革命，再到当代跨文化融合的趋势，无不被作者用一种充满敬意的口吻娓娓道来。它不仅仅是在记录“谁做了什么”，更是在追问“为什么是现在”以及“这种表达如何塑造了我们当下的自我认知”。我个人对书中对非西方传统舞蹈的研究部分印象尤为深刻，它没有采用西方中心主义的视角去解读，而是努力去贴合当地文化的原始语境。读完后，我对舞蹈作为一种世界通用语言的潜力有了更深刻的信念，它跨越了语言障碍，直抵人心最深处的共鸣之处。这本书让我对艺术史的研究产生了浓厚的兴趣。

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这本书简直是舞蹈爱好者的宝典！我本来对现代舞和古典芭蕾的界限总是有点模糊，但这本书清晰地梳理了不同流派的发展脉络和核心理念。作者对编舞技巧的剖析非常深入，不是那种空泛的理论，而是结合了具体的动作范例和舞台实践案例。比如，书中详细描述了如何利用空间层次感来构建一个戏剧性的场景，这一点对我目前的创作帮助非常大。我特别欣赏它对“身体叙事性”的探讨，它不只是教你怎么做动作，更是引导你去思考动作背后的情感逻辑和文化语境。读完之后，我感觉自己对舞台上的每一个手势、每一个转身都有了更深层次的理解，不再只是停留在美学层面，而是触及到了艺术表达的内核。而且，这本书的排版和图解设计也极为考究，那些历史照片和动作分解图，质量高得惊人，让人忍不住一页一页地翻下去。

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这本书的学术严谨性令人印象深刻，但绝不枯燥。它成功地将人类学、心理学与动作科学融为一炉，为“身体如何成为意义的载体”提供了一个极其丰富的分析框架。我尤其对其中关于“非语言沟通的生物学基础”那一章节爱不释手。作者引用了大量的神经科学研究成果来佐证某些特定动作对观众产生的生理影响，这使得整个理论体系显得非常坚实可靠。如果你正在寻找一本能让你从理论上武装自己的著作，这本书绝对是首选。它不仅仅局限于舞蹈本身，它还拓展到了表演艺术、肢体语言乃至社会仪态学的范畴。唯一美中不足的是，某些涉及复杂运动学分析的图示，如果能配上更高清的3D建模辅助说明，理解起来会更直观一些，但瑕不掩瑜，它依然是该领域内不可多得的深度力作。

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我必须承认，一开始我对这类理论性书籍是抱着怀疑态度的，总觉得它们过于学术化，脱离了实际的舞台需求。然而，这本书完全颠覆了我的固有印象。它最精彩的地方在于，它不是高高在上地评判艺术，而是以一种近乎“同行交流”的口吻，分享了许多业内人士才会知道的幕后故事和创作心得。作者对于音乐与动作如何实现完美同步的论述，简直是一场听觉与视觉的盛宴。书中引用的许多编舞大师的访谈片段，透露出他们面对创作瓶颈时的挣扎与突破，这种真实感极大地鼓舞了我。我过去总觉得编舞是个需要天赋的神秘过程，但这本书通过拆解流程，让我明白，好的编舞更多是严谨的结构设计加上不懈的实验精神。即便是对于非专业人士来说，这本书也能提供一个全新的视角去欣赏任何一场舞蹈演出，让你不再是简单的“看热闹”，而是真正能“看出门道”。

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说实话，我购买这本书的初衷是为了寻找一些新颖的课堂练习法来给我的初级舞蹈班使用。这本书在实践应用层面给予了我巨大的启发。它提供了一系列基于“即兴激发”的练习序列，这些序列的设计非常巧妙，能够迅速打开学生的身体感知和想象力，远比那些枯燥的重复性技术训练要有效得多。书中介绍的几种“情境模拟排练法”，成功地将技术练习融入到了叙事性的情境中，让学生在不知不觉中提升了表达力。更重要的是，它强调了“尊重个体差异”，鼓励教师根据学生的身体特质来调整编舞意图，而不是强行统一风格。对于我们这些常年在一线教学的老师来说，这本书就像是注入了一股清新的空气，让老套的教学方法焕发了新的生命力。

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