具体描述
"Giacometti: Critical Essays" considers Giacometti's work and career from the 1920s to the 1960s via a series of specific contextual studies. Active during a complex period in France's intellectual history, Giacometti took on a number of different artistic styles in his work, and forged a remarkable set of affiliations with the writers and thinkers around him. This book throws new light on important aspects of Giacometti's work and its reception. It examines little-explored areas of his output and approach, such as his relationship to his own studio, his work in the decorative arts, his tomb sculptures and his use of the pedestal. It also focuses on some of the crucial ways in which his work was articulated by writers of the period and beyond, such as Michel Leiris, Francis Ponge, Isaku Yanaihara and Tahar Ben Jelloun. In this way the book brings to life some of the energising tensions and debates informing Giacometti's work - his associations with both surrealism and existentialism, his production of both 'high' art and decorative objects, and his concern with both formal concerns such as scale and material and with the expression of philosophical and poetic ideas - all of which have greatly contributed to Giacometti's status as one of the most fascinating artists of the twentieth century.
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用户评价
这本书的优点在于它成功地将贾科梅蒂的私人生活与他的美学理论紧密地编织在一起，形成了一个有机的整体。作者没有回避艺术家性格中那些难以相处的一面，比如他对批评家的不屑一顾，以及他对艺术品交易的复杂态度，反而将这些“人性弱点”视为他极端艺术追求的副产品。我最喜欢的一点是，作者对于“时间”在贾科梅蒂作品中的体现进行了哲学层面的阐释。那些看似静止的雕塑，实际上被赋予了一种运动感，一种从“现在”向“永恒”缓慢滑动的状态。书中对“L’Homme qui marche”（行走的人）系列作品的逐一解析，如同在看一场慢动作的影像纪录片，细致地勾勒出每一步伐中蕴含的决定性与不确定性。对于那些已经熟悉贾科梅蒂的经典形象，但渴望挖掘其背后更深层意义的读者来说，这本书提供了一个极佳的理论框架，让你的每一次面对他的作品时，都能有全新的解读和感悟，不再只是停留在表面的“瘦高”印象上。
评分翻开这本书，我立刻被那种近乎学术的严谨与对艺术家深切的同情心所交织的笔触所吸引。作者显然在浩瀚的档案资料中进行了艰苦的跋涉，尤其是在处理贾科梅蒂与萨特、波伏娃等知识界名流之间的复杂关系时，呈现出了令人信服的复杂性。他并没有将贾科梅蒂塑造成一个被神化的偶像，而是细致地描绘了他在成名之后依然挥之不去的经济窘迫和对自我价值的持续怀疑。我特别欣赏书中对不同时期作品的并置分析，比如如何将他早期近乎立体派的几何化尝试，与他后期对人体的“拉伸”和“消减”进行对比，并追溯到他对古埃及雕塑和原始艺术的借鉴。这种跨学科的比较视角，极大地丰富了我对“贾科梅蒂式空间”的理解——那不仅仅是人物周围的空气，更是人物自身存在的重量感与轻盈感之间的永恒博弈。对于那些想深入了解贾科梅蒂在战后欧洲文化语境中的定位的读者来说，这本书的分析深度绝对超越了普通画册的范畴，更像是一份详尽的文化考古报告。
评分我必须承认，一开始我对这本书抱持着一种怀疑的态度，因为关于贾科梅蒂的论述汗牛充栋。然而，这本书以一种近乎诗意的精确度，为我们重建了一个立体的、充满矛盾的艺术家形象。作者的语言驾驭能力令人赞叹，他能够将晦涩的现象学概念，转化为易于理解的描述，例如他形容贾科梅蒂的工作室是“一个被创造的荒原，只有在被剥夺一切之后，才可能找到存在的基础”。书中关于贾科梅蒂与他哥哥迪诺（画家）之间既竞争又互相尊重的关系描写，也极其细腻，这为理解贾科梅蒂如何从一个更具象的绘画传统中挣脱出来，提供了一个新的切入点。这本书的价值不仅在于其详尽的研究，更在于它引导读者进行一场自我对话：面对这个喧嚣的世界，我们应该如何保持自己内在的“纤细”与“真实”？它不提供答案，但它提供了一面镜子，通过贾科梅蒂的视角，照亮我们自己的存在状态。
评分说实话，我一开始有些担心，以为这会是一本枯燥的技术手册，但很快就被作者的叙事魅力所俘获。这本书的叙事节奏把握得极佳，仿佛是根据贾科梅蒂本人不安分的精神状态来调整的。他对于材料的迷恋，那种对青铜铸造过程中偶然性的接受与驾驭，被描述得像一场炼金术。最让我感到惊喜的是，作者将焦点放在了那些不那么为人所知的项目上，比如他为《时代广场》设计的巨大“行走的人”的失败尝试，以及他与电影制作人之间的短暂合作。这让我意识到，贾科梅蒂的艺术探索远比我们通常在博物馆看到的那些标志性的细长雕塑要广泛得多，他的一生都在与“尺度”和“可见性”进行搏斗。书中对他晚年为纪念一位逝去朋友而创作的公共纪念碑的描述，尤其动人，那种在巨大尺度下依然保持住的个人化的颤抖感，是其他任何评论家都难以捕捉到的精髓。阅读过程仿佛是一次精神上的洗礼，让人开始重新审视自己对“实体”和“缺席”的定义。
评分这本关于二十世纪雕塑巨匠阿尔贝托·贾科梅蒂的传记或研究著作，无疑是艺术爱好者案头必备的珍品。我花了整整一个周末沉浸其中，那种感觉就像是亲身走进了他那间弥漫着烟草味和石膏粉末气息的工作室。作者对贾科梅蒂创作生涯早期的发展脉络梳理得极为清晰，从他在瑞士的童年阴影，到巴黎的先锋派试验，再到最终形成那种标志性的、仿佛被时间侵蚀的纤细人像，每一步的心理动因都被剖析得入木三分。尤其让我震撼的是对“眼睛”这一主题的深入探讨——贾科梅蒂如何通过将人物面部简化到近乎虚无，反而将观者的注意力全部引向那双凝视的、永恒的眼睛。书中收录的大量信件和日记摘录，无疑是提供了最直接的“原声”，让我们得以窥见这位巨匠在面对二战后的存在主义困境时，是如何将内心的焦虑与哲思，一点点地凿刻进黏土和青铜之中的。那些关于他如何一遍遍地重塑同一模特，直至获得他心中“真实存在”的瞬间，读起来简直像是一场对完美主义的史诗般追逐。这不是一本简单的艺术史罗列，而是一次对一位孤独灵魂如何用形体对抗虚无的深刻冥想。
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