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出版者:Bedford/St. Martin's

作者:Timothy Corrigan

出品人:

页数:4

译者:

出版时间:2004-1-12

价格:2.85

装帧:Misc. Supplies

isbn号码:9780312414733

丛书系列:

图书标签:

• 电影术语
• 电影
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电影术语速查手册：从蒙太奇到特写镜头 探索电影语言的奥秘，掌握影像叙事的关键。 本手册旨在为电影爱好者、初学者以及渴望深入理解电影制作的专业人士，提供一本全面而实用的术语参考指南。它超越了简单的定义罗列，深入剖析了每一个术语在实际电影制作中的作用、历史渊源以及与其他概念的相互联系，帮助读者构建起一个清晰、立体的电影知识体系。 第一部分：叙事结构与场景构建 电影的骨架在于其叙事，本部分重点解析构成故事的基石元素。 剧本结构与叙事节奏： 我们将详细解读三幕结构（开端、发展、高潮与结局）在当代电影中的演变与应用，探讨如何运用节拍点（Plot Points）和转折点（Turning Points）来推动情节发展。对于更复杂的叙事，我们会深入解析非线性叙事（Non-linear Narrative）的技巧，如闪回（Flashback）和闪前（Flashforward），并分析它们对观众情感体验的影响。 场景与环境的塑造： 电影场景不仅是动作发生的背景，更是情感的载体。我们将探讨场景设计（Set Design）与布景（Mise-en-scène）的综合运用。这包括对景别（Shot Scale）的选择，从宏大的全景镜头（Establishing Shot）来确立地理环境，到特写镜头（Close-up）来捕捉人物的内心波动。同时，解析背景陈设（Props）如何暗示人物的背景和心理状态，例如，特定时代或风格的家具如何与角色形成对照或呼应。 第二部分：摄影与影像的艺术 电影的本质是动态的影像，本部分聚焦于镜头语言的运用——如何“看”故事。 镜头的运动与视角： 我们细致区分了各类摄影机运动。摇摄（Pan）与俯仰（Tilt）如何创造空间感；推轨（Dolly/Tracking Shot）和跟拍（Follow Shot）如何保持观众与角色的亲密感；而手持摄影（Handheld Camera）则常被用于营造纪录片式的真实感或紧张不安的氛围。此外，我们将讨论跟焦（Rack Focus）作为一种叙事工具，引导观众的注意力在不同景深的主体间转移。 光线、色彩与电影美学： 光线是电影的灵魂。本章将详述照明技术，包括三点布光法（Three-Point Lighting）的经典应用，以及伦勃朗光（Rembrandt Lighting）等经典布光风格如何服务于特定的情绪基调。色彩理论在电影中的应用将得到深入探讨，例如，饱和度（Saturation）和色温（Color Temperature）如何影响观众对时间、地点乃至人物情绪的感知。我们会对比使用冷色调（Cool Tones）营造疏离感与使用暖色调（Warm Tones）营造亲密感的范例。 第三部分：剪辑的魔力与节奏控制 剪辑是将零散的镜头片段转化为连贯叙事的过程，是电影“节奏”的决定者。 剪辑理论与技术： 我们将深入剖析连续性剪辑（Continuity Editing）的规则，这是好莱坞叙事电影的基石，旨在使观众几乎察觉不到镜头的切换。在此基础上，我们会详细解析跳切（Jump Cut）的颠覆性用法，以及匹配剪辑（Match Cut）在连接不同场景或意象上的巧妙之处。 蒙太奇的深层解读： 本手册对蒙太奇（Montage）的讲解将超越表面的“快速剪辑”。我们将区分爱森斯坦的辩证蒙太奇（Dialectical Montage）——通过冲突的镜头组合产生新的观念——与苏联的主题蒙太奇，分析其如何服务于思想的传达，而非仅仅推动情节。 第四部分：声音的构建与场面调度 声音是与影像并驾齐驱的叙事维度，本部分关注声音设计和场面调度在空间感构建中的作用。 音效设计与对白： 我们将探讨画内音（Diegetic Sound）与画外音（Non-diegetic Sound）的区别，以及拟音（Foley）在增强真实感方面无可替代的作用。声音的层次感，如混响（Reverb）和空间化处理，如何使单一场景听起来更具深度和现场感，也将被详尽阐述。 场面调度与空间关系： 场面调度（Mise-en-scène的延伸，侧重于人物与物体的空间布局）是导演控制观众注意力的核心手段。我们会分析深焦镜头（Deep Focus）如何允许观众在同一个画面内关注多个行动层级，以及如何通过人物站位（Blocking）来暗示权力关系或潜在冲突。 第五部分：类型片与电影史中的关键术语 为了使读者更好地理解当代电影的语言，本部分将穿插介绍一些重要的类型片术语及其在电影史上的演变。 例如，解析黑色电影（Film Noir）中标志性的低调照明（Low-Key Lighting）与蛇蝎美人（Femme Fatale）的概念，以及新浪潮（New Wave）运动中对传统叙事规则的打破，如使用即兴表演（Improvisation）和自反性（Self-reflexivity，即电影对自身制作过程的意识表达）。 总结： 本书旨在成为您手中随时可查阅的工具，确保您在观看电影时，能从单纯的“观众”跃升为能读懂影像“文本”的鉴赏家。每一个术语都将通过具体的电影实例进行佐证，帮助读者真正领悟电影这门复杂而迷人的艺术形式。

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这部小册子简直是电影制作初学者的福音，内容组织得极其清晰，就像一份精心整理的工具箱。它没有过多纠缠于晦涩难懂的理论，而是直奔主题，用最精炼的语言解释了那些在片场和后期制作中经常被提及的关键术语。我尤其欣赏它在排版上的用心，那些重要的定义被加粗或用不同的字体突出显示，即使是在光线不佳的剪辑室里也能迅速定位所需信息。对我来说，过去阅读那些厚重的电影词典时，总有一种“用力过猛”的感觉，信息量太大，反而抓不住重点。但这本书完全避免了这种问题，它更像是一个“急救包”，当你被某个术语卡住，需要一个快速、准确的解答时，它总能立刻派上用场。它的实用性远超于纯粹的学术价值，真正做到了“快速参考”这一承诺。而且，它的便携性也值得称赞，可以轻松塞进口袋，随身携带，这对于需要在不同部门之间奔波的场工作者来说简直是太方便了。

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从投资回报率的角度来看，这本书的价值是无法估量的。我曾经花费了大量的时间在网络上搜索零散的定义，那些信息碎片化且可靠性参差不齐。而现在，我拥有了一个经过精心筛选和专业验证的知识库。这本书给我的感觉是，它为我搭建了一个坚实的知识地基，让我可以更有信心地去探索更深层次的电影理论和实践。它的篇幅控制得恰到好处，既没有冗长到让人望而却步，也没有简短到流于表面。它精准地卡在了“足够全面”和“便于速查”的黄金分割点上。对于任何一个严肃对待电影艺术和技术的人而言，这本书都应该放在工作台面上最容易拿到的地方，是那种你用得越多，就越离不开的“日用工具”。

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我不得不说，这本书的语言风格是它最大的亮点之一。它完全没有那种高高在上的学术腔调，而是用一种非常接地气、仿佛是经验丰富的导师在耳边轻声指导的语气来阐述复杂的概念。例如，在解释“打光”时，它没有罗列复杂的三角光布局公式，而是用“创造情绪的魔术”这样的比喻来引入，然后才给出技术层面的解释。这种教学方法极大地降低了初学者的心理门槛。对于我这样更偏爱视觉化学习的人来说，如果书里能增加一些更具代表性的图示来辅助说明那些空间性的术语（比如不同类型的“构图”或“运镜轨迹”），那就更加完美了。但即便如此，其文字本身的描述力也已经非常出色了，它成功地将冰冷的术语转化成了有温度的、可操作的知识点。

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这部参考卡在选择收录哪些术语时，展现出了对现代电影工业的深刻洞察。它既保留了那些历史悠久的经典术语，比如“蒙太奇”或“景别”，同时也毫不吝啬地收录了大量与数字电影技术和新媒体发行相关的最新名词，这使得这本书的保质期比预期的要长得多。我注意到，它对一些经常被不同地区或不同语境下使用不同名称的术语，还特意标注了常见的替代叫法，这种细节处理非常到位。这表明编纂者显然是花费了大量时间在实际的行业交流中，而不是仅仅停留在书本知识的层面。对于希望跨国合作或阅读国际剧本的专业人士来说，这种对术语细微差别的把握是至关重要的。

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拿到手时，我原本有些怀疑——毕竟“术语参考卡”听起来有些过于简化了。然而，深入阅读后才发现，这种简洁背后的逻辑性非常强悍。它不仅仅是术语的堆砌，而是将这些术语按照它们在电影制作流程中的自然顺序进行了编排，从前期准备、拍摄技术，一直延伸到后期调色和发行环节。这种流程化的布局，让一个正在尝试理解整体制片流程的新人，能够清晰地看到每一个环节是如何衔接的。书中对一些容易混淆的概念，比如焦距与景深的关系，或者不同类型的镜头运动之间的细微差别，都做了非常巧妙的对比说明。我发现自己不再需要反复查阅多个来源来确认一个术语的准确应用场景，这本书提供了一个统一且权威的参考标准，极大地提高了我的工作效率，减少了沟通中的误解。

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