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出版者:

作者:Overthrow, David

出品人:

页数:48

译者:

出版时间:2002-7

价格:$ 16.89

装帧:

isbn号码:9780739028155

丛书系列:

图书标签:

• 贝斯
• Slap
• Pop
• 技巧
• 音乐
• 乐器
• 演奏
• 教学
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• 节奏
• 低音

好的，这是一本关于爵士乐理论与演奏技巧的综合性教材的简介，书名为《和声的织锦：从巴赫到当代即兴的探索》。 和声的织锦：从巴赫到当代即兴的探索 作者： [此处可填写真实的作者姓名或留空] 页数： 约 600 页 出版社： [此处可填写真实的出版社名称或留空] 定价： [此处可填写真实的定价] 内容简介 《和声的织锦：从巴赫到当代即兴的探索》并非一本枯燥的和声学公式汇编，而是一场跨越数百年音乐史的深度对话。本书旨在引导学习者，无论其主修乐器为何，都能系统地理解西方音乐语言的核心骨架——和声，并将其内化为个人演奏和创作的有力工具。 本书的结构巧妙地平衡了历史的纵深与技术的广度，将和声的演变视为一部不断自我革新、相互渗透的宏大叙事。我们相信，只有理解了和声是如何在特定的历史语境中被发明、使用并最终被颠覆的，演奏者才能真正掌握其精髓，而不是机械地套用规则。 第一部分：古典语境的基石——功能和声的语法重构 本部分聚焦于17世纪至19世纪的欧洲古典与浪漫主义音乐，这是理解所有后续和声发展的基础。我们深入剖析了调性系统的构建逻辑，强调“功能”而非单纯的音级关系。 调性的逻辑与重力： 详细阐释了主、属、下属和弦的张力与释放机制。不同于传统教材仅列出“V解决到I”的规则，本书通过分析海顿、莫扎特的四小节乐句范例，展示了如何利用和声的“推力”和“拉力”来塑造乐句的呼吸感和情感流向。 转调的艺术与策略： 探讨了近关系和远关系转调的技术细节。我们通过大量的巴赫赋格与贝多芬奏鸣曲的实例，解析了如何利用副属和弦（Secondary Dominants）、转调中介和弦（Pivot Chords）实现平滑或戏剧性的调性转换。重点突出了中世纪调式在早期复调音乐中的潜在影响。 织体与声部的逻辑： 和声的体现依赖于织体。本章细致讲解了四部和声的写作规范，并扩展至更复杂的帕萨卡利亚（Passacaglia）与恰空（Chaconne）的低音线布局，揭示低音声部作为和声驱动力的核心地位。 第二部分：浪漫主义的延伸与调性的模糊化 随着和声语言的拓展，浪漫主义作曲家开始挑战传统功能和声的边界。本部分将重点放在十九世纪后期，尤其是瓦格纳、李斯特和德彪西对调性的“染色”与“稀释”。 半音化与色彩和弦： 深入分析了增六和弦（Augmented Sixth Chords）的多种形态（意大利式、法国式、德国式）及其在制造强烈解决倾向中的作用。并详细剖析了“内禀半音化”技巧，即如何通过和弦内部的半音进行来增加色彩，而非依赖于明确的转调。 调性边缘的探索： 德彪西的印象主义和声是理解现代音乐的关键桥梁。本章探讨了全音音阶、五声音阶以及九和弦、十一和弦、十三和弦的实际运用。分析的重点在于，这些和弦如何从“功能性”的解决导向，转向“听觉性”的色彩描绘。 和声的悬置与模糊： 探讨了如何通过避免强烈的属和弦解决、延长不协和音响，以及使用非功能性的和弦连接（如和弦平行移动）来营造梦幻、流动或紧张不安的氛围。 第三部分：二十世纪的解构与重塑——从调性到非调性 本部分是本书最具挑战性也最具启发性的部分，它带领读者走出了传统的调性框架，迎接二十世纪和声的巨大变革。 从序列主义到十二音体系： 详细阐释了勋伯格的十二音技法，不是作为一种神秘的数学游戏，而是作为一种重构“等值音高中心”的系统性尝试。我们解析了音组（Tone Row）的各种变换（逆行、倒影、逆行倒影）在实际音乐片段中的应用，并对比了韦伯恩作品中对密度和音色的极端关注。 集合理论与音高类： 对于更深层次的分析，本书引入了集合理论（Set Theory）的基础概念，用于分析无调性音乐中的音高关系。重点在于如何识别和分类音高集合（Pitch Classes），从而理解非调性音乐的内部逻辑结构，而非仅仅依靠听觉感受。 节奏化和声与复调创新： 分析了斯特拉文斯基的“多调性”（Polytonality）如何通过将两个或多个调性系统同时叠加来创造出独特的张力。我们对比分析了《春之祭》中和弦的碰撞与叠加，揭示了这种手法如何服务于原始的节奏驱动力。 第四部分：爵士乐语境下的和声再造——即兴的工具箱 最后一部分将焦点转向二十世纪最活跃的和声试验场——爵士乐。爵士乐的和声是对古典和声的继承、压缩与爆炸性发展。 II-V-I 系统的精细解剖： 彻底剖析了爵士乐的核心和声进行。从最基本的七和弦，到九、十一、十三和弦的扩展音位（Upper Extensions）选择，再到和弦内声部（Voicing）的巧妙设计。我们区分了摇摆时代（Swing Era）的稳定和弦与比波普（Bebop）时期激进的色彩添加。 和弦替换与导向： 详尽讲解了特里同属和弦替换（Tritone Substitution）、降三级和弦（Flat-VI Chord）的应用，以及如何使用替代属和弦（Altered Dominants）来增加即兴的色彩深度。重点在于理解这些替换是如何在不破坏原调性框架下，创造出新的和声“路径”。 调式与和声的融合： 本章是连接和声理解与实际即兴演奏的桥梁。我们系统对比了所有七种调式（Lydian, Dorian, Mixolydian等）在各自和弦背景下的声音特质，并提供了具体练习，教导演奏者如何根据和弦的扩展音（如Maj711 或 7b95）来选择相应的调式音阶。 本书特色 1. 实例驱动： 全书超过 400 个乐谱范例，直接取自巴赫、莫扎特、德彪西、拉威尔、比尔·埃文斯、约翰·柯川等大师的作品，确保理论的实践性和音乐性。 2. 跨学科整合： 并非局限于钢琴谱面，书中包含大量针对管乐、弦乐以及节奏乐器演奏者的和声思维提示。 3. 技术导向的深度： 每一个复杂的和声概念（如增四减五和弦的等效性）都配有清晰的指法或指型图示，确保技术执行的可操作性。 《和声的织锦》是献给所有严肃音乐学习者的指南，它承诺将带您穿越时间的洪流，领略音乐语言在不同时代所展现的无尽魅力与结构之美。通过理解和声的“过去式”，方能创造出属于您自己的“未来式”。

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说实话，我刚开始买这本书的时候，有点担心它会不会又是那种陈词滥调的“入门教材”。因为我对Slap和Pop这些技巧已经非常熟悉，练习了十多年，自认为已经摸到了门槛。但阅读这本书的过程，就像是重新认识了自己的乐器和自己的身体。它用一种非常现代的视角，解构了那些看似是“天赋”才能掌握的技巧，将其还原为可以训练的肌肉记忆和神经反射。尤其让我眼前一亮的是关于“左手技巧”的部分——很多教材都把重点放在右手，但这本书却花了大篇幅来讲解如何利用左手的闷音（Muting）来“塑造”右手的声音。如何精确控制哪些音符应该被干净地“砍掉”，哪些应该自然衰减，这直接决定了你的低音线条是否清晰、是否具有推进力。我尝试了书里一个关于“交替Muting”的练习，用左手中指和无名指轮流触碰不同品格的琴弦，配合右手的Slap，产生了一种类似电子鼓机的机械感，但同时保持了有机乐器的温暖。这种对细节的钻研深度，远远超出了我预期的“技巧手册”范畴，更像是一本高阶演奏者的“技艺精进指南”。

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我一直觉得，学习Slap和Pop最大的障碍，在于如何将这种高强度的技巧融入到更宽泛的音乐风格中去。很多乐手练得很快很响，但一到蓝调、灵魂乐或者更细腻的爵士放克（Jazz-Funk）里，就显得格格不入，生硬得像个机器人。这本书的成功之处在于，它没有将这些技巧孤立化，而是将它们置于一个更宏大的“节奏律动”的框架下去讨论。它花了大量的篇幅来分析史上那些伟大贝斯手是如何运用这些技巧的，分析他们何时选择用手指弹奏，何时用Slap点缀，何时又用Pop来制造高光。这种“语境化”的教学方法，对我这种喜欢跨风格演奏的人来说简直是救命稻草。它教会我，Slap不是为了炫技，而是为了在特定时刻，提供比传统弹奏更锐利、更具穿透力的节奏锚点。我特别欣赏其中关于“空间感”的讨论，如何通过控制Slap的音量和衰减速度，让整首曲子听起来更“松弛”而不是“拥挤”。这本书不是教你如何弹得更快更复杂，而是教你如何更聪明地运用你的火力，让你的贝斯线成为乐队里那个真正不可或缺的“驱动力”。

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我是一个业余的录音师，同时也兼职一些Funk乐队的排练录音。过去，我经常发现那些自称“Pro”的贝斯手，在录音棚里表现出来的技术和他们平时演出的感觉大相径庭，主要问题出在动态控制上。这本书给我带来的最大启发，恰恰是它对动态范围的极端重视。它不是简单地划分“软弹”和“重击”，而是细致地讲解了如何在同一个Riff内部，通过指尖与琴弦的接触点、击打的角度、甚至是在Slap和Pop之间切换时的“无缝过渡”，来创造出令人着迷的节奏层次感。我记得有一章专门讲了如何用Slap来“填充”节奏中的空白，而不是仅仅作为主导声音出现。这对于我后期混音时处理贝斯轨道的宽度和穿透力非常有帮助。以往，我总是在EQ上做文章，试图用压缩器强行把贝斯“推”到前面，但现在我能要求乐手在源头上就提供一个更加立体的信号。这本书的实战性体现在它对“舞台表现”和“录音室精确度”之间平衡的深刻理解。它教会我如何“听见”那些潜藏在复杂节奏下的微小细节，这对于任何想在专业场合工作的贝斯手都是无价的。

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这本关于低音吉他的书简直是为我量身定做的！我从十多岁就开始弹贝斯，自学成才，靠着听录音和摸索，多少算会了点技巧，但总感觉自己的根基不稳，尤其是节奏感和指法的流畅性上，总有点“卡壳”的感觉。市面上那些教材要么太理论化，让我这个实战派觉得枯燥乏味，要么就是只教你弹一些固定的、大家都弹烂了的Riff，缺乏深入的音乐理解指导。但这本书，它完全不一样。它没有直接给我一堆复杂的乐理公式，而是非常直观地展示了如何将身体的律动融入到演奏中，那种“感觉”的培养，远比死记硬背音阶要来得实在。我特别喜欢其中关于“Groove”构建的部分，作者似乎能洞察到每一个贝斯手在练习中遇到的瓶颈，然后用一种近乎“禅宗”的方式来引导你进入那个状态。比如，它解释如何通过细微的手指压力变化来改变音色的“厚度”，这对我用老式Precision Bass时尤为重要，让我的音色不再是扁平的“嗡嗡”声，而是有了真正的“呼吸感”。而且，书中的排版设计也非常人性化，图示清晰，动作分解到位，即便是复杂的Slap技巧，也能被拆解成可以逐步攻克的模块。我用了这本书两周，感觉自己的演奏立刻提升了一个层次，那种自信心是以前枯燥练习无法给予的。强烈推荐给所有觉得自己的贝斯演奏“差点火候”的老手们。

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老实说，我是一个对音乐理论有洁癖的人，如果一本书不能把“为什么”解释清楚，我宁愿去看一本历史书。我对市面上很多强调“感觉”和“氛围”的书持保留态度，因为它们往往牺牲了严谨性。然而，这本书的出现，让我对“实用主义美学”有了新的认识。它并没有回避技术背后的原理，而是用一种非常贴近实际操作的语言去阐述它们。例如，在讨论如何创造更具冲击力的击弦（Pop）时，它深入探讨了击打点与拾音器位置的声学关系，而不是简单地说“用指尖弹”。这种将物理学、人体工程学与音乐表现力融为一体的讲解方式，极大地满足了我对“知其所以然”的需求。我发现，当我理解了击弦时拨弦的力量是如何转化为不同频率的泛音时，我不再是盲目地练习，而是有目的地去调整我的手型，以达到我想要的音色目标。这本书的逻辑链条非常完整，从基础的右手拨弦方式，到复杂的双音或三连音Slap Pattern的构建，每一步都有理论支撑和明确的示范。对于那些希望将自己的演奏从“模仿者”提升为“创造者”的乐手来说，这本书提供的底层逻辑框架，比任何花哨的技巧集合都更有价值。

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